Kim Kim Gallery blog

Kim Kim Lecture Rehearsal

2012-02-13T17:23:00.001-08:00

Kim Kim Lecture on "Stuffs!" Artists:
Nakyoung Sung 성낙영, Nakhee Sung 성낙희
by Clemens Kruemmel (via Skype)

@ Gallery Lounge Be-Hive
Seoul
Feb. 2012

[투데이갤러리]성낙영의 ‘Our time’

2012-02-13T17:18:00.000-08:00

아시아투데이=전혜원 기자
성낙영의 그림은 마치 어린아이가 그린 것처럼 자유분방하지만 자세히 보면 다소 그로테스크한 느낌을 준다.

몸 속 장기가 드러나 보이는 사람, 눈에서 무언가가 나와 다른 이의 입으로 연결되는 상황 등 그의 작품은 원초적이고 기괴하다.

미국 쿠퍼 유니온에서 시각예술을 전공한 성낙영은 미술과 음악, 드로잉, 회화, 그래피티와 텍스트 등 여러 매체를 오가며 자유롭게 생산된 에너지로 순수하면서도 파괴적인 작품세계를 보여준다.

성낙영은 ‘나키온’(Nakion)이란 이름으로 음악활동을 하고 있으며, 그의 음악은 강한 비트와 냉소적인 가사를 담고 있다.

킴킴 갤러리(010-8981-4406)
ⓒ '글로벌 종합일간지' 아시아투데이

http://pann.news.nate.com/info/253224068

Stuffs!

2012-02-07T04:18:00.000-08:00

Floor Plan
Feb. 2012
Seoul

Stuffs!

2012-02-07T04:17:00.000-08:00

Musical imagery has permeated a bare space, which is yet-to-be named but screaming for its purpose to be fulfilled. Although these images in the space are neither strikingly stimulating nor overwhelmingly demanding in terms of being defined in a certain way, they will slowly tickle the viewers’ senses. The exhibition Stuffs! at Kim Kim Gallery is comprised of abstract drawings and paintings by Nakhee Sung, figurative paintings and drawings by Nakyoung Sung (a.k.a. Nakion), and site-specific wall drawings as part of the sisters’ collaborative works. The space itself is a construction site that has not yet transformed into one with a definite function.

While Nakhee Sung takes time to encapsulate sensations of moments onto a picture plane, Nakyoung Sung traverses different genres, such as writings, music, drawings and paintings, which permit her to lose control, and expresses herself impromptu. Nakhee Sung is known for her series of abstract drawings, paintings, and wall drawings, which utilize vibrant colors, fluid lines, irregularly-shaped blobs and geometric forms. Her works each portray a visually amusing phenomenon and rhythmically buzzing tune. On the other hand, Nakyoung Sung’s works can be understood not as individual pieces, but jointly as a whole. Her paintings and drawings have a figurative appearance that is comparable to Nakhee’s. However, Nakyoung insists that the figures in the paintings are only symbols amidst many other elements that convey certain atmospheres or sensations she encounters.

The exhibition space is not an ordinary white cube— rather it is raw and unfinished. Likewise Nakhee Sung and Nakyoung Sung’s site-specific wall drawings are in no conventional sense of “finished.” This allows the viewers to continue to follow what the artists have left unfinished. It is fascinating to see how the drawings on the wall and the ground penetrate and run through the paintings hanging in the shared space. Nakhee’s Interior (2006), Escalade (2008), and Portal (2008), made of acrylic and flashe paint, look as if they possess condensed energy that is about to explode and create an alternate space. While the paintings retain vivid planes, the drawings gush from and at the same time stretch into the paintings. The endless stream of sojourn and flight yields balanced weight. Nakyoung Sung’s figurative paintings (she claims they do not represent particular persons, but only serve as symbolic elements, and thus, her “figurative” work can be read as abstract) and graffiti-like drawings emerge from the wall and become the wall themselves. Her paintings and wall drawings, seamlessly woven together, deliver intimacy. Pale figures, mostly heads, often showing up in Nakyoung’s paintings, Badges (2011) or Untitled (2011), look somewhat lost as if they are trying to find their missing body parts, which the artist draws on the other side of wall. Doodle-like texts as part of the wall drawings seem to give viewers a clue to solve a mystery that is suggested by the fragments of imagery even though the artists do not aim to put any cohesive narrative on their work.

The wall drawings bind the sisters’ work tightly together. Since Nakhee Sung and Nakyoung Sung share a musical sensibility, their conversations are like listening to music without any comprehensive melody. The space itself becomes an abstract entity of harmonized music; loose wiring sticking out of the rusty wall, flaky wall plaster, and pipe insulation that is half peeled off act as percussion instruments; wall drawings formulate melodies like synthesizers or a string instruments, along with deep brass tone-like paintings. The title Stuffs! envelopes both artists’ abstract work and the temporal specificity of the exhibition space, which is not-yet-defined and open-ended.

Jee Young Maeng
Feb. 2012
Seoul

Stuffs!

2012-02-05T00:56:00.000-08:00

뼈대를 채 감추지 못하고 벌거벗은 공간에 이미지 음악이 스며들었다. 이들은 눈을 찌를듯한 자극을 주지도, 공간을 강박적으로 규정 지으려 하지 않고 서서히 감각기관으로 파고 든다. 아직 어떠한 이름도 부여 받지 않은 빈 공간은 성낙희, 성낙영 자매의 장소 특정적 월드로잉과 회화 작품들로 가득 채워져 있다. 이 두 작가의 2인전 는 자매라는 둘의 관계와 무명의 임시적 공간이라는 전시장소의 특성, 두 작가의 회화작품과 함께 협업으로 그려진 벽면의 드로잉으로 인해 공간이 재해석되었다는 점 등 여러 겹의 흥미로운 접근을 보여주고 있다.

성낙희가 순간의 느낌을 화면 안에 오랜 시간 담아낸다고 하면, 성낙영은 한 장르에 국한되지 않고 글, 음악과 회화를 넘나들며 자신의 감정과 느낌을 계산하지 않고 즉흥적으로 표현한다. 성낙희는 다양한 색상과 기본적인 조형요소로 기하학적이고 추상적인 형태의 드로잉, 유화, 벽화등의 회화작품을 만든다. 외적인 형상이 제거된 화면은 음악의 운율이 느껴지는 경쾌한 시각적 리듬감을 보여준다. 반면 다양한 매체를 통해 표현된 성낙영의 작품은 각각이 독립적으로 존재하기 보다는 하나로 통합된 입체적인 형태로 보여진다. 성낙영의 회화는 성낙희의 작품에 비해 형상이 있고, 주로 인물의 형태를 띄고 있다. 작가에 의하면, 이 인물들은 특정한 누군가를 그린 것이 아닌 어떤 분위기나 느낌을 표현하는 하나의 요소라고 한다. 이런 점에서 볼 때 형상이 일종의 상징의 기표로 쓰이는 그의 회화 역시 성낙희와는 또 다른 형태의 추상화로 보이기도 한다.

기존의 정돈된 갤러리 공간이 아닌 거칠고 다듬어지지 않은 장소 안에서 선보이는 성낙희, 성낙영의 회화작품들과 이들을 관통하여 벽과 바닥을 타고 흐르는 드로잉들은 서로 다른 이 두 작가의 작품을 시각적으로 끈끈하게 묶어주고 있는 것처럼 보인다. 아크릴과 플래쉬 물감으로 그린 성낙희의 2008년작 Escalade, Portal, 그리고 Location 외에 다수의 회화작품들은 마치 화면 밖으로 뻗어나가기 전 웅크리고 있는 응축된 에너지를 내포하며 전시장 안의 또 다른 공간을 만들고 있는 듯 보인다. 그의 생동감 넘치는 색면 화면에 유동적이고 진행형인 월드로잉이 머물고 떠나기를 반복하면서 전시 공간의 흐름과 무게중심을 잡아주고 있다. 벽에 그려진 드로잉들은 마치 그림들로부터 확장되어 나가는 것 같기도 하고, 또 정반대로 외부에서 화면 안으로 빨려 들어가고 있는 것처럼 보이기도 한다.
성낙영의 회화작품들과 벽에 그려진 그의 드로잉은 마치 처음부터 한 작품이었던 것처럼 자연스럽게 연결이 되어, 둘 사이의 시각적, 물리적 거리감을 없애며 자신의 색깔을 공간 안에서 잘 녹여내고 있다. 벽면 한 구석에 걸려있는 2011년작 Badges나 Untitled 속의 등장인물은 전시장 정면 벽에 그려진 머리 없는 몸뚱이의 잃어버린 부분으로 보이기도 하고, 바닥에 그려진 커다란 팔과 연결된 주인공이 아닐까 하는 상상을 불러 일으키기도 한다. 또한 곳곳에 낙서처럼 쓰여진 문장들은 어떤 의미를 내포하기 보다는 흩어진 이미지들과 함께 전체를 구성하는 이야기의 실마리를 주는 것 처럼 보인다.

음악적인 감성을 공유하며 끊임없이 어떤 이야기를 쏟아내는 이들의 대화는 마치 가사 없는 연주음악을 듣는 것과 같다. 전시장 곳곳에 노출되어 있는 어지럽게 흩어져 있는 배선들, 벽에 고정되지 않고 튀어나온 콘센트 커버, 벗겨져 나간 벽면, 정리되지 않아 공간 내부까지 들어온 호일로 감겨진 보일러 파이프 등은 마치 음악 중간중간 들리는 타악기의 역할을 하는 듯 하다. 벽에 그려진 드로잉은 현악기나 전자음과 같은 소리를 내는 듯 곡의 중심이 되는 선율을 만들면서, 관악기처럼 굵직굵직한 목소리의 회화작품들과 함께 묘한 화음을 이룬다. 형상 없는 음악이 재현된 듯한 전시 공간은 음악적 감수성을 독특한 색감과 상징적인 인물의 형상으로 표현하고 있는 성낙영과 음악적 운율감이 보다 직접적으로 느껴지는 성낙희의 작품을 통해 무엇인지 규정되지 않은 어떤 것을 뭉뚱그려 지칭할 때 사용하는 stuff라는 단어로 묶인 이번 전시를 잘 대변해 주고 있다.

맹지영 Jee-Young Maeng
Jan. 2012
Seoul

Kim Kim @ Gallery Lounge Be-Hive

2012-02-04T03:17:00.001-08:00

Feb. 2012
Seoul

http://www.artbehive.com/

기획 맞춰 전시공간 이동하는: 킴킴 갤러리 ‘Stuffs! 성낙영 성낙희 2인전’ 진행

2012-02-04T02:58:00.000-08:00

새로운 형식의 전시 기획을 이어가는 킴킴 갤러리가 2일부터 23일까지 도산공원 옆 채원 빌딩에서 'Stuffs! 성낙영 성낙희 2인전’을 연다.

이번 전시는 킴킴 갤러리의 2011년 '사과 vs. 바나나: 정서영 개인전’과는 차별화된다. '사과 vs. 바나나’의 전시공간인 현대문화센터는 시간이 멈춘 시대적, 건축적 타임캡슐이었다.
20년 전의 아파트 모델하우스가 로맨틱하고 향수를 일으키는 매력적인 공간이었다면 이번 공간은 극적인 변화를 쉬지 않는 강남에 위치한다.

강남은 현재 대형 갤러리와 각종 미술 공간들이 정착하는 중이며 한국 현대미술의 상업적인 중심지가 되고 있다. 킴킴 갤러리의 전시 공간인 건물은 고급 빌라에서 패션 부티크, 레스토랑, 사무실 등으로 변이를 겪었으며 현재 또 다른 용도로의 변환을 위해 공사 중이다.

킴 킴 갤러리는 미술작품이 어떻게 생산되고 유통되고 소비되는가에 대한 새로운 가능성을 만들어 간다.
특히 작품이 이상적으로 기능할 수 있는 전시공간을 모색하며 갤러리와 작가는 전시공간을 함께 구현한다. 'Stuffs!’전은 공사 중이라는 현장성에 설정되며 작가들은 현재 진행형 공간에 개입한다.

전시에 참여하는 성낙영과 성낙희 이 두 작가는 자매로서 특수한 관계와 상황에 주목한다. 그들은 각자 예술이 서식하는 복잡한 공간을 만들고 자신들도 그 안에 산다.
성낙영은 넓고 다양하며 세분화된 멀티채널의 공간을 점유하는 반면, 성낙희는 단일하고 심오한 여러 층의 공간을 창조한다.

이번 전시는 성낙영과 성낙희의 장소 특정적 벽화와 함께 20여 점의 페인팅작업(성낙영 15점, 성낙희 7점)과 30여 점의 드로잉이 소개된다. 또한 청담동 갤러리 라운지 비하이브에서 아티스트토크(15일)와 클로징파티(23일)가 진행될 예정이다.

☞ CNB뉴스 김대희 기자

http://news.cnbnews.com/category/read.html?bcode=176135

Stuffs! Opening

2012-02-03T01:08:00.002-08:00

Feb.2012
Seoul

Photos by Minhee Kim

Appearance in Super System

2012-01-28T18:19:00.001-08:00

Jan. 2012
Berlin

with Bojan SARCEVIC

Kim Kim Gallery Sign boards

2012-01-25T18:13:00.000-08:00

Front

Back

Gallery Door

Jan. 2012
Seoul

Kim Kim Gallery Wall Paper

2012-01-24T00:30:00.000-08:00

Jan. 2012
Ansan

stuffs! Press Release

2012-01-22T23:48:00.001-08:00

전시 보도 자료
Kim Kim Gallery Presents
Stuffs!
Nakyoung Sung & Nakhee Sung Exhibition
Feb .2 - 23. 2012
Venue: 3F, Chaewon Building
647-24, Shinsa-dong, Gangnam-gu, Seoul
Open: 1-7 PM
Closed on Mondays
Opening Reception: Feb .2nd 6 PM

전시명: Stuffs! 성낙영 성낙희 2인전
일시: 2012년 2월 2일(목) ~ 23일(목)
장소: 서울 강남구 신사동 647-24, 채원빌딩 3층
PM 1-7시 (월요일 휴관)
주최: 킴킴 갤러리 Kim Kim Gallery
www.kimkimgallery.com
문의: 배은아
ennabae@gmail.com 010-8981-4406

Opening Reception
일시: 2월 2일(목) 6시
장소: 서울 강남구 신사동 647-24, 채원빌딩 3층

Artist Talk with Clemens Kruemmel
일시: 2월 15일(수) 6시 (예정)
장소: Gallery Lounge BE-HIVE (서울 강남구 청담동 78-5번지 1층)

Closing party 'Beats!'
Nakion (DJ set)
Guest Aaron Choe (DJ set)
일시: 2월 23일 (목) 8시-12시 (예정)
장소: Gallery Lounge BE-HIVE (서울 강남구 청담동 78-5번지 1층)

성낙희 Nakhee Sung
Bloom
acrylic, flashe on canvas, 110 x 130cm
2008

새로운 형식의 전시 기획으로 주목 받고 있는 킴킴 갤러리는 2012년 2월 2일부터 23일까지 도산공원 옆 채원 빌딩에서 을 기획한다.

킴킴 갤러리의 이번 공간:
신(新)서울인 강남의 한 건물에서 열릴 는 킴킴 갤러리의2011년 <사과 vs. 바나나: 정서영 개인전>과는 차별화된다. <사과 vs. 바나나>의 전시공간인 현대문화센터는 시간이 멈춘 시대적, 건축적 타임캡슐이었다. 20년전의 아파트 모델하우스가 로맨틱하고 향수를 일으키는 매력적인 공간이었다면, 킴킴 갤러리의 이번 공간은 극적인 변화를 쉬지않는 강남에 있다. 강남은 현재 대형 갤러리와 각종 미술 공간들이 정착하는 중이며, 한국 현대미술의 상업적인 중심지가 되고 있다.
킴킴 갤러리의 전시 공간인 건물은 고급 빌라에서 패션 부티크, 레스토랑, 사무실 등으로 변이를 겪었으며, 현재 또다른 용도로 변환을 위해 공사 중이다.

킴킴 갤러리에게 이번 전시가 특별한 이유:
킴킴 갤러리는 미술작품이 어떻게 생산되고 유통되고 소비되는가에 대한 새로운 가능성을 만들어 간다. 갤러리는 작가를 방호하고 자율권을 주어야 한다. 전시는 우리가 속한 시대, 사회의 대중적인 취향에 도전하며, 상업화된 대중 문화의 일부가 되기 어려운 고객을 끌어들이는 기능을 한다.
킴킴 갤러리는 작품이 이상적으로 기능할 수 있는 전시공간을 모색하며, 갤러리와 작가는 전시공간을 함께 구현한다.
Stuffs!는 공사 중인 공간에 설정되고, 작가들은 진행형 공간에 개입한다.

킴킴 갤러리가 이 두 작가를 함께 전시하는 이유:
킴킴 갤러리는 자매인 성낙영과 성낙희, 이 두 작가의 특수한 관계와 상황에 주목한다. 그들은 각자 예술이 서식하는 복잡한 공간을 만들고 자신들도 그안에 산다. 성낙영은 넓고 다양하며 세분화된 멀티채널의 공간을 점유하는 반면, 성낙희는 단일하고 심오한 여러 층의 공간을 창조하는데, 이들의 두 공간은 마치 지퍼처럼 연결되었고, 마치 제 3자의 개입이 불가능한 모순어법과 같다. 변형이 진행중인 공간에서 열릴 전시는 두 작가의 상이하나 균등한 작품세계의 충돌과 공유에서 탄생될 시각적 폭발을 기대한다.

미국 쿠퍼 유니온에서 시각예술을 전공한 성낙영은 미술과 음악, 드로잉, 회화, 그래피티와 텍스트 등과 같은 여러 매체에서 자유롭게 생산한 에너지로 프리미티브하면서도 파괴적인 작품세계를 구축한다.
성낙희는 미국 로드아일랜드 미술학교와 영국 왕립예술학교에서 회화를 전공 했고, 무질서한 내면의 탐색과정을 시각적으로 재정립하는 작가이다.

킴킴 갤러리는 어떻게 진화할것인가:
킴킴 갤러리와 작업하기를 원하는 작가와 기관들이 늘어난다. 킴킴 갤러리의 기동성있는 기획력과 실용적인 접근이 주목을 받는 것은, 킴킴 갤러리의 예술적 동기가 매력적이기 때문일 것이다. 킴킴 갤러리는 구체적인 아이디어와 비전을 발전시키는 프로젝트를 다양한 조건에 적용해 실현해 나가려고 한다.

Nakyoung Sung 성낙영
Our time
oil and acrylic on canvas, 91 x 117 cm, 2011

Kim Kim Gallery will install a show of Nakyoung Sung and Nakhee Sung and in a space near Dosan Park in Seoul, the title of the show is : . This show will be very different from our last show, Apple vs. banana.
The last venue was a place of times long forgotten, an architectural time capsule, charming, nostalgic and romantic in the way of the 90s. It had also a close connection to the nature of the artworks exhibited. This new place we are working in is right in the center of new Seoul (Gangnam) an area which does not stop transforming and mutating itself. There houses go from Villa, to fashion Boutique, to Chapel, to you name it in rapid succession. Big Galleries and Art Spaces run by companies settle in the neighborhood. It will become a new center for contemporary art.

What is special about this show from the Gallery point of view?
We think that galleries should defend artists and empower them. Kim Kim Gallery creates new possibilities of how to show, distribute and consume artworks.

Why do we show these artists and why together?
Nakyoung and Nakhee are sisters. We were interested in showing a very peculiar state. Each of them creates a large space around themselves which their art inhabits, there is no third place possible. Nakyoung Sung creates a large, diverse and sub-divided, multi-channel space, Nakhee Sung on the other hand creates a single profound and many layered space. Both spaces are linked like a zipper. It´s like a spacial oxymoron.

How will Kim Kim Gallery evolve in the future?
There are quite a number of locations and artists who would like to work with us, because our approach looks mobile, pragmatic and there is something cute about all these. Of course we ourselves also have certain ideas and envision projects which will have to concatenate with the conditions and artistic work in order to be realized.

Artists’ Talk with Clemens Kruemmel
킴킴 갤러리는 베를린에서 독립 큐레이터이자 비평가로 활동하는 클레멘스 크뤼멜을 스카이프로 초대, "Stuffs!"의 작가 성낙영, 성낙희의 작품 비평과 토론의 장을 마련한다.

2012년 2월 15일 수요일
PM 5 전시 투어 @ Kim Kim Gallery

PM 6 아티스트 토크: 성낙영, 성낙희
PM 7 강연: 클레멘스 크뤼멜 (Clemens Kruemmel) @ Gallery Lounge BE-HIVE

Clemens Kruemmel:
클레멘스 크뤼멜은 베를린에 기반한 독립기획자다. 2003-2006년 독일 미술지 “Texte zur Kunst”의 편집자를 역임, 2004-2005년 하노버 쿤스트베라인과 뒤셀도르프 쿤스트할레에서 “수중여행 드로잉_현장보도 Tauchfahrten-Zeichnungen als Reportage” 전시를 기획하였다. 2005년부터는 미술이론서인 “Polypen”의 편집자로 활동하고 있다.

Closing party
Nakion (DJ set) & Guest Aaron Choe (DJ set)

킴킴 갤러리는 나키온(Nakion)이라는 이름으로 음악활동을 하고 있는 성낙영과 재미교포 사진작가이자 영화감독인 Aaron Choe의 디제잉 파티 "Beats!"로 "Stuffs!"전시를 마감한다.

2012년 2월 23일 목요일
PM 6 전시 투어 @ Kim Kim Gallery
PM 8 클로징 파티@ Gallery Lounge BE-HIVE
www.artbehive.com

Nakion:
"Stuffs!"의 작가 성낙영 (Nakion)은 2003년부터 독자적으로 음반을 발매하고 있다. 2011년 파리의 레이블 타이거스시Tigersushi가 나키온의 음반을 출시하였으며France Liberation, Vice magazine, XLR8R등에 소개되었다. 나키온의 음악은 Fabric 52 (런던), dischi Bellini (밀라노), 콜레트의 Colette Ville (파리) 의 컴필레이션 음반에 수록되었으며 2010년 뉴욕의 WNYU Beats in Space 라디오 에서 공연을 했다. www.nakionart.blogspot.com

Aaron Choe:
재미교포 Aaron Choe는 사진작가이자 영화감독으로 활동 한다. 2011년 ART+SEOUL 지의 창간호 간행에 참여하고, 한국이주사회를 다룬 다큐멘터리 "NO PLACE LIKE HOMELAND." 제작을 도왔다. 현재 사진전을 준비하고 있으며 한국 음식 문화관련 다큐멘터리를 제작 중이다. www.aaronchoe.com

좌상 (무제)

2012-01-22T19:25:00.001-08:00

Untitled
Terra Cotta
1999
6x10x14cm

so fascinating contemporary art

2012-01-22T19:03:00.001-08:00

신현림의 너무 매혹적인 현대미술
2008
Seoul

303pages | 506g | 153x224mm
ISBN-13 : 9788955614732

임신한 망치
1995

100 Artists from Korea

2012-01-19T17:56:00.000-08:00

100.art.kr
Korean Contemporary Art Scene
Published by Korea Art Council
210 x 278mm
Color
600 Pages

Jan. 2012
Seoul

Chung Seoyoung 정서영

Nayoungim 김나영

Stuffs! invitation final design

2012-01-18T05:38:00.000-08:00

Jan. 2012
Seoul

designed by 김민희, 배성림

Stuffs! Promotion video

2012-01-17T02:00:00.000-08:00

Nakyoung Sung & Nakhee Sung Exhibition
Feb .2-23. 2012, Seoul
Promotion video by Nakion
http://vimeo.com/35082668

Forever

2012-01-16T05:45:00.000-08:00

Sweet

2012-01-16T05:40:00.000-08:00

Stuffs! Installation

2012-01-14T20:42:00.000-08:00

Day 1
Jan. 2012
Seoul

Stuffs! Invitation Design Drafts

2012-01-14T20:04:00.000-08:00

Show Title Typography
Drawn by Nakyoung Sung

Dec. 2011
Seoul

New currents of korean contemporary art

2012-01-13T03:36:00.000-08:00

한국현대미술 해외순회전 : 한국현대미술의 새로운 상황

2000.12.23~2001. 2. 4, 타이빼이 시립미술관 Taipei Fine Arts Museum, Taipei, Taiwan
2001. 2.13~2001. 3.13, 홍콩아트센터에서 개최 Hong Kong Arts Center, Hong Kong

국립현대미술관(관장 吳光洙)은 오는 12월 23일부터 대만의 타이베이 시립미술관 전시 개막을 시작으로 내년 3월 13일까지 홍콩 아트센터를 순회하는 <한국현대미술해외순회전 : 한국현대미술의 새로운 상황>전을 개최한다.

한국현대미술 해외순회전은 1997년부터 기획된 전시로 매년 미국, 독일, 스페인 등 주로 서구 지역에 한국현대미술을 널리 알려왔다. 올해는 아시아 지역 순회전을 개최함으로서 한국미술이 21세기 아시아 문화교류의 중심으로 주도적인 역할을 펼쳐 나갈 계기를 마련하고자 한다. 올해의 참여작가로는 2001년 베니스 비엔날레의 한국 대표로 선정된 서도호를 비롯하여 한국현대미술의 새로운 상황들을 보여주는 청년 작가 8명이 선정되었다.

이 전시는 한국현대미술의 정체성과 독특한 미의식을 해외에 널리 알려 한국의 현대미술에 대한 이해를 돕고, 서로 다른 문화의 정체성을 발견하는 기회를 제공할 것이다. 특히 올해 전시는 한국의 청년작가들의 작품들로 구성되어 타이베이나 홍콩 측에서도 동시대에 진행되고 있는 한국현대미술의 생생한 현장을 느낄 수 있으며, 또 이들이 이끌어 나갈 21세기 한국현대미술의 전망을 가늠해 볼 수 있을 것이다.

국제화, 세계화 속에서 한국미술의 정체성과 보편성은 타이베이나 홍콩 미술계에도 미술의 한 방향을 제시할 수 있을 것이다. 또한, 한국현대미술을 바라보는 이들의 반응을 통해 한국미술이 한층 발전하고, 동아시아 미술교류의 새로운 교두보를 형성하는 계기가 될 수 있을 것이다.

참여작가

- 김나영(1966-), 서도호(1962-), 양석윤(1966-), 주인숙(1966-), 유승호(1973-), 이정진(1961-), 정서영(1966-), 홍일(1966-)

□ 참여작가 설명

김나영은 작품 속에 실용적인 사물의 형태를 재현하고 있지만 일상적인 기능성을 제거해 버려 사물에 대한 새로운 접근 방식을 제시하고 있다. <나는 것, 나는 사람>은 최초로 만들어진 비행기 형상을 본뜬 건축적 오브제지만 비행의 실질적인 기능성은 없애고 단지 나는 듯한 기분만 나타냈다. 또한 <새로 나온 개집>에서는 일상적인 통념을 벗어나 개가 이것을 활용할 수 있는 모든 기능성을 부착시켜 현대적인 디자인의 의미를 대폭 강조하였다.

서도호의 <나/우리는 누구인가?-Ⅱ>는 벽지로 구성된 작품으로 한장의 벽지(60x90cm)에 옵셋 인쇄된 4만 명의 증명사진들이 다섯 종류로 배열이 되어 벽에 붙여진다. 동일한 형태로 계속 반복되는 이 초상들은 멀리서 보면 작은 점들로 패턴화되어 나타난다. 이는 수많은 개인으로 이루어진 집단의 구조와 체계를 한눈에 확인할 수 있게 해주며 이와 동시에 이 집단에 소속된 개인의 정당한 존재를 확인할 수 있게 해준다. 이는 집단과 개인의 관계에 대한 관찰이며 새로운 해석이기도 하다. 그는 개인의 정체성과 집단의 익명성에 대한 유기적 결합을 이야기하고 있는 것이다.

양석윤과 주인숙은 부부작가들로서 개인적이고 사적인 공간을 디지털 방식을 통해 표현하고 있는 작가들이다. 작품 <양주방>은 양석윤과 주인숙의 방이라는 의미이며 자신들의 가정을 삼차원으로 가공된 실내로 표현하고 있다. 또 양석윤의 <전선넝쿨>은 사군자에서 보여지는 난의 이미지를 공감각적 영역으로 재해석한 것이며 주인숙의 <기쁨>은 작가의 사적인 교류 내용이 담긴 편지, 엽서 등으로 구성된 작품으로 지극히 개인적인 사연들을 관람객과 공유함으로서 보다 적극적인 의사소통을 추구하고 있다.

유승호는 펜과 먹, 종이라는 간단한 도구를 이용하여 화면에 무수히 점을 찍거나 글씨를 규칙적으로 배열하거나 겹치게 써내려 가며 새로운 형상을 만들어낸다. 그의 점찍기와 글씨 쓰기 작업은 무의식적이며 무의미한 단순반복 행위를 의식적으로 통제하는 것에서 시작된다. 작가의 이러한 행위는 명암의 대비와 선의 굵기, 점의 크기로 인해 추상적이거나 혹은 산수화의 모습으로 나타나기도 한다.

이정진은 사진작가로서 수제 한지를 사용한 독특한 작업 방식으로 작품활동을 진행하고 있다. 그는 최근 <바다시리즈>를 통하여 이미지 자체에 대한 새로운 창조과정을 시험하고 있는데 사물을 구체적인 풍경 대상으로서 보는 것이 아니라 오히려 이것을 매개로 하여 개인적이며 심리적인 작가의 내면세계를 나타내고자 하였다. 그러므로 그가 나타내고자 하는 바다의 이미지는 격렬함이 아니라 통제되고 조절되는 자연의 움직임으로 나타난다. 이러한 이미지는 여러 번 반복해서 배열되거나 수평선 하나로 양분되고 반복되어 나타남으로서 구체적인 풍경이 아니라 지극히 추상적인 모습으로 다가온다.

정서영은 우리가 이미 익숙하게 받아들이는 사물의 기능과 신체적 접촉을 낯선 공간의 사각지대에 던져 놓음으로서 사물의 정체성에 대해 비틀기를 시도한다. <수위실>, <발코니>, <전망대> 등은 이미 기존에 정립되어 있던 사물들이 아니라 작가가 사물의 속성에 대하여 본질적으로 파악하여 적절한 형태로 나타낸 것이다. 이는 다시 한번 사물에 대한 보기를 권유하고 있는 것이다. 각기 다른 가치들의 차이를 인정하고 공존의 세계를 포착하고자 하는 이러한 작가의 의도는 사물에 대한 자아의 임무는 사물을 소유하고 지배하고자 하는 것이 아니라 사물 자체의 속성으로 파고 들어가 그것을 공존하도록 하는 것임을 알려준다.

홍일의 사진작업은 주로 인공구조물을 대상으로 한다. <기둥 시리즈>는 인공구조물 중에서도 대도시의 밤을 배경으로 공사장에 우뚝 세워진 기둥들의 사진들이다. 이 기둥들은 채 완성되기 전의 모습으로 과정의 아름다움을 보여준다. 또 기둥 그 자체로 완벽한 조형적 아름다움을 나타내며 또 마치 고대 신전의 기둥 같은 장엄함과 신성함을 발하고 있다. 한편으로 이 기둥들은 도시 건설의 상징물로서 건설, 파괴, 재건으로 순환하고 있는 현대 산업화 사회의 한 단면을 보여주기도 한다.

via http://www.mcst.go.kr/web/notifyCourt/press/mctPressView.jsp?pSeq=2939

스며들다

2012-01-13T03:22:00.000-08:00

대안공간 풀 개관 기념전
02.Apr.1999 - 13.Apr.1999

구분 | 개관기념
제목 | 스며들다
기간 | 1999. 4. 2 - 1999. 4. 13
작가 | 정서영, 최정화

오프닝: 1999년 4월 2일(금) 오후 5시 30분
기간: 1999년 4월 2일(금)_4월 13일(화)
작가와의 대화: 1999년 4월 9일 (금) 오후 4시

최정화와 정서영의 작업을 한 공간에서 본다는 것은 '해부대 위에 놓인 우산'처럼 초현실적인 것이다.
해부대와 우산사이의 간극조차 이제는 진부해져버린 충격, 또는 '충격이라는 습관'이 되어 버렸기 때문에, 이러한 의도적인 틈벌이기나 교란, 충돌도 한순간 명멸하는 선정주의의 혐의를 받게될 것이다. 두려운 것은, 충격자체라기 보다는 문화소비의 그 충격 자체라기 보다는 문화소비의 그 충격적이리만큼 짧은 순간성과 그로 인한 덧없음이다. 그러나 최정화와 정서영의 작업을 부딪혀서 얻는 소위 '시너지'효과는 의외로운 만남의 불꽃이라기 보다는 지적으로 내구력있는 스키마이다.
우리는 관객에게 두 작가의 대조와 비교를 요청하며, 그러한 비교를 보다 원리적인 문제들로 소급해보기를 바란다. 이를테면 관객은 최정화와 정서영을 가르는 표면과 깊이, 직접성과 우회, 순간과 지속, 반복과 유일성과 같은 대조 항목들을 작품의 체험을 통해 음미해볼 수 있을 것이다. 그리고 더 나아가서는 비예술과 예술을 구별하는 갖가지 기준들을 검토해볼 수도 있을 것이다.

글 박찬경

via http://www.altpool.org/_v3/board/view.asp?pageNo=25&b_type=8&board_id=413&time_type=&year=

Stuffs! Invitation Design Drafts

2012-01-12T01:28:00.000-08:00

Stuffs! @ Be-Hive

2012-01-12T00:12:00.000-08:00

킴킴 갤러리 Kim Kim Gallery는 성낙영 성낙희 2인전 의 아티스트 토크 및 강연 와 클로징 파티를 갤러리 라운지 비하이브에서 개최한다.

아티스트 토크 & Clemens Kruemmel 강연
일시: 2월 15일(수) 6시
장소: 갤러리 라운지 비하이브

클로징 파티
Nakion (DJ set) & Guest Aaron Choe (DJ set)
일시: 2월 23일(목) 8시
장소: 갤러리 라운지 비하이브

주최: 킴킴 갤러리 Kim Kim Gallery www.kimkimgallery.com
문의: 배은아 ennabae@gmail.com 010-8981-4406

아티스트 토크 & Clemens Kruemmel 강연
2012년 2월 15일(수) 6시

킴킴 갤러리는 2012년 2월 15일 6pm 갤러리 라운지 비하이브에서 의 작가 성낙영과 성낙희의 아티스트 토크를 기획한다. 아티스트 토크는 두 작가가 운영하는 블로그 사이트nakionart.blogspot.com와 nakhees.blogspot.com를 통해 각자가 구축하고 있는 독자적인 작품세계를 선보임과 동시에 협업을 하게된 동기, 그리고 그 과정에서 어떠한 교류와 가능성을 발견하는지 관객들과 자유롭게 토론을 이어갈 것이다. 스카이프를 통해 진행될 독립 큐레이터이자 비평가인 클레멘스 크뢰멜의 강연은 성낙영과 성낙희가 전시를 계기로 빚어낸, 작품 세계의 충돌과 만남을 심층적으로 분석하고 다차원적인 이해의 가능성을 열어주는 기회가 될 것이다.

두 작가는 수채, 드로잉, 벽화, 캔버스 작업에 이르는 다양한 회화 방법들을 사용한다.
성낙영은 당시의 개인적인 생각이나 느낌을 빠르게 표현하며 작업과 작업 사이의 다양한 반응들을 유도해낸다. 계획된 아이디어나 생각들은 서로 저항하고 부딪히거나 다른 것들로 대치된다.
성낙희는 회화로 추상적인 공간을 창출한다. 화면에 상대적으로 절제된 조형 요소들을 축적하면서 다차원적 공간을 일구어낸다. 물감을 바르고, 쌓아가고, 깎아내는 등 작업 과정은 작가 고유의 규칙으로 화면을 구축한다. 역동적으로 축적되는 과정들을 거치는 요소들은 복합적으로 연결되고 서로 분절을 일으키기도 한다.

전시에서 두 작가는 그래피티의 영향을 받은 벽화라는 in situ현장작업의 과정을 통해 높은 수준의 긴장, 유동적 대화가 흐르는 뛰어난 결과를 만들었다. 두 작가는 각자 방법과 스타일을 달리하지만, 비가시적인 공통점도 공유한다. 뒤섞인 추상적이고 구상적인 형태와 쓰여진 문장들은 두 작가간의 대화이며, 불안정하고 민첩한 균형을 이루는 상호작용을 하고 있다.

성낙영 성낙희 2인전은 2012년 2월 2일부터 23일까지 킴킴 갤러리 (강남구 신사동 647-24 채원빌딩 3층)에서 진행된다. (문의:배은아 ennabae@gmail.com 010-8981-4406))

*성낙영 Nakyoung Sung
성낙영은 미국 쿠퍼 유니온에서 시각예술을 전공하고, 2003년 스페이스 프로젝트 사루비아 개인전과 2005년 베니스 비엔날레 한국관 작가 중 한 명으로 참여했다. 미술과 음악의 양분야에서 활동하며, 최근 루프 갤러리에서 열린 19금 퍼포먼스 릴레이에서 킴킴 갤러리의 기획으로 라이브 믹스 퍼포먼스를 선보였다.

*성낙희 Nakhee Sung
성낙희는 미국 로드아일랜드 미술학교에서 학부, 영국의 왕립예술학교에서 석사를 받았다. 2010년 두산 레지던시 뉴욕에 입주하여 두산 갤러리 뉴욕과 서울에서 개인전을 개최, 그외에도 한국과 덴마크 등에서 다수의 개인전을 했다. 중국 상하이 밍유엔 아트센터 및 비즈아트 센터, 쌈지 스페이스, 영은 미술관 등의 단체전에 참여하였으며, 2005년 베니스 비엔날레 한국관 작가 중 한 명으로 참여했다.

*클레멘스 크뢰멜 Clemens Kruemmel:
독일의 본(Bonn) 대학에서 미술사를 전공하고 현재 베를린에서 독립기획자로 활동하고 있다. 2003-2006년 독일의 대표적 전문미술지인 Texte zur Kunst의 공동 편집자를 역임했고, 2004-2005년 쿤스트베라인 하노버와 쿤스트할레 뒤셀도르프의 전시 “수중여행 드로잉_현장보도 Tauchfahrten-Zeichnungen als Reportage”를 Alexander Roob와 공동 기획하였다. 2005년부터 미술이론서인 Polypen의 공동 편집장으로 활동하고 있다.

클로징 파티
Nakion (DJ set) & Guest Aaron Choe (DJ set)
2012년 2월 23일(목) 8시

킴킴 갤러리는 2012년 2월 23일 8pm 갤러리 라운지 비하이브에서 전의 클로징 파티 로 전시를 마감한다.
의 작가 성낙영은 Nakion 이라는 이름으로 음악활동을 하고 있으며, 사진작가이자 영화감독인 Aaron Choe를 게스트 디제이로 초대하여 영상과 함께 이색적인 파티를 기획한다. Nakion의 음악은 초기 포스트 펑크, 뉴웨이브, 이탈로, 인더스트리얼에서 모던 댄스뮤직까지 다양한 음악 장르를 횡단한다. Nakion은 드로잉, 회화로부터 영감을 주고 받으며 음악을 발전시키는데, 특유의 전자 사운드와 강한 비트가 혼합되면서 공격적이면서도 코미컬한 사운드가 돋보인다. Nakion과 Aaron Choe는 각각 그들의 예술세계에 영감을 불어넣는 다양한 각도의 음악들을 디제잉 할 것이다.

Nakion:
의 작가 성낙영 (나키온)은 2003년부터 독자적으로 음반을 발매하고 있다. 2011년 파리의 레이블 타이거스시 Tigersushi가 나키온의 음반을 출시하였으며France Liberation, Vice magazine, XLR8R등을 통해 소개되었다. 나키온의 음악은 Fabric 52 (런던), Dischi Bellini (밀라노), 콜레트의 Colette Ville (파리) 의 컴필레이션 음반에 수록되었으며 2010년 뉴욕의 WNYU Beats in Space 라디오 에서 공연을 했다. www.nakionart.blogspot.com

Aaron Choe:
재미교포 Aaron Choe는 사진작가이자 영화감독으로 활동한다. 2011년 ART+SEOUL 마가진의 창간호 제작에 참여하고, 한국이주사회를 다룬 다큐멘터리 "NO PLACE LIKE HOMELAND." 제작을 도왔다. 현재 개인전을 준비하고 있으며 한국 음식 문화관련 다큐멘터리를 제작 중이다. www.aaronchoe.com

Gallery Lounge Be-Hive
서울 강남구 청담동 78-5번지 1층
http://www.artbehive.com/
tel 02-3446-3714

as Small as a World and Large as Alone / 세상만큼 작은, 나만큼 큰

2012-01-11T06:09:00.000-08:00

Gallery Hyundai Gangnam Space
17th Jan. -12th Feb. 2012
Seoul

Photos by Youngjun Choi (Gallery Hyundai)

Visionaire 57

2012-01-06T16:42:00.001-08:00

2010 Calendar
New York

Cream Refrigerator and Cake Refrigerator
2007
Steel, glass and light fixture
112x87x70cm each

Stuffs! Invitation Card Drafts

2012-01-02T19:02:00.000-08:00

drawings by Nakyoung Sung
Jan. 2012
Seoul

A4
Ink on Paper

“Stuffs!“
성낙영 성낙희 2인전
일시: 2012년 2월 2일 ~ 23일

Kim Kim Gallery Banner

2012-01-01T00:33:00.000-08:00

60x180cm

Jan. 2012
Ansan

Two Boys

2011-12-31T02:16:00.001-08:00

1998/2007
Paris

Kim Kim Gallery Location No.5

2011-12-31T01:31:00.001-08:00

Gallery under construction

Dec. 2011
Dosan Park
Seoul

‘신성한 미술’ 놀려먹기

2011-12-31T00:38:00.000-08:00

미술 평문이나 전시 서문에서 가장 자주 보게 되는 어구들이 ‘존재의 의미’ ‘죽음에 대한 고뇌’ ‘동양의 정신성’ 같은 말들이다. 이런 이유로 사람들은 ‘미술 작품이란 것’을 볼 때면, 아무리 그것이 물감 얼룩이나 잘못 깨진 돌덩이처럼 보이더라도 진지해지고 엄숙해지려고 한다. 뭇 사람들이 그 깊은 의미를 알 수 없는 것이 ‘예술’이라니까 말이다.

그런 점에서 정서영의 작업은 예술의 신성성에 대한 날카로운 이의 제기다. 비닐장판에 액자를 끼우고 명조체로 ‘-어’라고 쓴 작품 앞에서 사람들은 “-어”라고 당황스런 감탄사를 떨굴 수밖에 없을 것이다. 신작인 ‘전망대’나 ‘수위실’도 마찬가지다. 미니어처도 아니고 실제 크기도 아닌 ‘전망대’나 ‘수위실’은 몸을 불편하고 불안하게 하는 ‘애매한’ 상황을 연출한다.

“미술에 대한 오래된 전설이 있어요. 내 작품은 대개 그러한 전설을 맹목적으로 믿는 태도에 대한 웃음 같은 것이죠. 굳이 내 작품이 말하는 바가 있다면 ‘전설 속에 있지 않음!’이란 것입니다.”

미술을 감상(체험)하게 되는 상황은 마치 만화의 한 장면 같다. 감상자는 만화 그림 속에서 쩔쩔매고 있는 주인공-나를 보게 되는 것이다. 그의 ‘꽃’은 하얗고 거대한 스티로폼으로 만들어져 꽃이면서도 꽃의 장식적 기능을 거부하고 있으며 ‘카펫’은 카펫이되 피사의 사탑 같은 모양으로 돌돌 감겨 있다.

“만화에 관심이 있어요. 그림 자체에도 흥미가 있지만 웃기는 상황이 재미있잖아요.”

그런 점에서 정서영의 작업은 요즘 유행처럼 쉽게 볼 수 있는 ‘참을 수 없이 가벼운’ 우연처럼 보이기도 한다. 그러나 첫 번째 개인전이 열린 1989년부터 정서영의 작업은 고집스럽게 언어와 개념, 물체 자체 사이에서 벌어지는 어긋남을 환기시키는 것이었다.

그는 미술이 가진 신화적 엄숙성을 깨뜨리고 ‘재밌지?’라고 물으면서, 차갑게 우리의 눈과 이성이 얼마나 불안정한 연산을 수행하는지 보여준다. 진지함과 경박함의 지뢰밭을 피해 그가 만든 ‘물건들’은 그 자체로 존재한다. 그래서 그는 자주 웃으며 “그것도 좋긴 하지만 남들이 다 하는 것을 굳이 할 필요가 있겠어요?”라고 말한다.

이번에 열리는 정서영의 두 번째 개인전은 새로운 형식의 작가 지원을 통해 이뤄지게 됐다. 개인전은 작가가 ‘사재를 털어’ 여는 것이 보통이지만 정서영의 이번 개인전은 지난해 열린 작가 후원회에서 다수의 미술애호가들이 내놓은 지원금으로 열리게 됐다.

작가는 이 후원금으로 전시장의 불빛을 흰색으로 바꾸었다. 창백한 등 아래에서 그의 작품들은 더욱 ‘권태롭게’ 보이기 때문이다. 작가는 “형광등이 좋은데”라며 여전히 아쉬워한다. 전시장의 노란 불빛이 조각을 ‘예술적’으로 보이게(비싸보이게) 하기 때문이다. 상품이 돼버린 미술의 속성을 폭로하기 위해 또 그만한 노력과 자본을 들여야 하는 것, 그것이 현대 미술의 딜레마이기도 하다.
김민경 기자
in 주간 동아 2000.04.13 229 호 (p 90 )
via http://weekly.donga.com/docs/magazine/weekly/2006/05/10/200605100500019/200605100500019_1.html

Televator

2011-12-31T00:26:00.001-08:00

Still from ‘Televator’, with Kris Delacourt, Nico Dockx and Michelle Naismith, Antwerp, 2003-'04 (nota bene: Nico Dockx holding a Dan Flavin lightwork as a reading lamp, also Ann Veronica Janssens' green pebbles scattered on the floor)

‘Zonder Titel', 'Televator', 'Spectaculation' and 'MuHKA Collection Audit’ etc, with Kris Delacourt, Nico Dockx and Michelle Naismith, 'de Collectie Interventies' program, curated by Bart De Bære and Dieter Rœlstræte, MuHKA, Antwerp, 2003-'04

'MONOPOLIS / Antwerpen', survey exhibition, curated by MuHKA, Extra City and Objectif Exhibitions, Witte de With CHK, Rotterdam, 2005-'06

Televator

Map-reference and compass-point fires off double-ended guns, shooting out upright solarium-ray timber-beams and rafter-eaves. These spotlights photographically develop cinema projections onto shopsoiled, burnt, tarnishing and rusty shadows, stationed on potters’-wheel D.J turntables, staying put there until they bake, electroplate and glaze, when these manhole drain covers have to prepare for vertical take off and landing. One half, low-flying aircraft, fixed upon floating aquatic floor; the other, inlaid into cloudy aerial ceiling as mountain-climbing synchronised-swimmers; both cling on and slide along, using their barnacle and limpet suction-pads; all holding exactly the same position, kept in line by, at same time as the rest.

Around outer boundary limits, faraway distant close-up details reflect and magnify themselves, leaving visible and clear windows behind. As an alternative to load-bearing walls, the guild of carpet-weaving, jeweller and mosaicist silkworms embroider tapestry of blinds and shutters from harp and lyre cord. Every meshed ventilator, sail rigging, mosquito-net and theatre-curtain, stretches taut, slackening loose, seen and passed straight through, except where vision and access are blocked by arched doors and gateways, always on the move, changing place, whenever it suits them.

Bricked-up, somewhere, deep inside cylindrical pilaster intestines, escape-committee insulates cavities and residents’ association tunnels-out; each side, observing reverential and devoted adherence to plans, first set down, very long ago, then handed on, ever since, by generations of ancient secret-passageways.

©, Copyright, Douglas Park, 2003

'Andere Sinema' number 170, edited by Dieter Rœlstræte and Sarah Leisdovich, MuHKA, Antwerp, 2004

Arrow

2011-12-30T21:42:00.000-08:00

Arrow
1999
Sumi Ink on canvas
Approx. 30,5 x 30,5-22,5 cm

Kim Kim Gallery Seasonal Greetings 2012

2011-12-29T23:56:00.000-08:00

We are proud to announce a show of Nakhee Sung and Nakion in February 2012

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Warm thanks go to all the artists, partners, friends, supporters, volunteers and visitors who contributed to the success of Kim Kim Gallery in 2011.

Announcements & Distractions @ 19 Performance Relay
Apple vs. Banana, Chung Seoyoung Solo Show @ Hyundai Cultural Center
Kang Sumi Lecture / Chung Seoyoung Monodrama @ Kim Kim Salon
Kim Kim Gallery @ art:gwangju:11
Kim Kim Schaulager

킴킴 갤러리 새해인사 드립니다 : 2012

2012년은 2월 성낙희 성낙영 2인전으로 시작합니다.
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킴킴 갤러리 감사인사 드립니다: 2011

Announcements & Distractions @ 19금 퍼포먼스 릴레이
사과 대 바나나 (정서영 개인전) @ 현대문화센터
강수미 강연 / 정서영 모노드라마 @ Kim Kim Salon
킴킴 갤러리 @ 아트:광주:11
킴킴 샤우라거

Kim Kim Gallery Location No.5

2011-12-28T18:27:00.001-08:00

Seoul
Dec. 2011

19금 퍼포먼스 릴레이 2011 (19 Performance relay)

2011-12-23T18:27:00.000-08:00

체험을 사랑하는 체험으로 순간의 공동체를
by 김남수 Namsoo Kim

in Article 아티클
#5
a journal of contemporary art
Dec. 2011

체험을 사랑하는 체험으로 순간의 공동체를, <19금 퍼포먼스 플레이>

예술이 징후 자체는 아니지만 징후가 없다면 예술이 아니다. 이는 “사랑은 감정이 아니지만 감정이 없다면 사랑이 아니다”의 변주처럼 들릴 텐데, 결국 징후는 아직은 판단불가능한 지대에서 새로운 감응을 위한 계기 같은 것이다. 이질적인 퍼포먼스들의 집합으로 세워지는 네트워크, 이것이 <19금 퍼포먼스 릴레이>(11월 11일 대안공간 루프)의 정체라고 할 때에는 유보적인 시각 혹은 신중한 시각으로 대하게 된다. 왜냐하면 다원적으로 개방된 퍼포먼스들 사이에서 만들어지는 사회적 틈을 통해 그 전략적 기능을 파악하기는 아직 힘들기 때문이다.물론 <19금 퍼포먼스 릴레이>의 기획 의도가 다음과 같은 질문으로 요약될 수는 있다. “대한민국이 당신을 빼놓지 않도록”이라는 ‘예외상태’로부터의 탈주가 “국가에 대항하는 사회”라는 ‘미시 공동체’ 혹은 ‘순간의 공동체’를 만들 수 있는가. 2010년 첫 번째 행사에서 표명되었던 “대한민국이 당신을 빼놓지 않도록”이란 모토는 당시 인구 센서스의 참여독려용 문장이었지만, 이는 교묘히 변용되어 ‘벌거벗은 인간’의 상태에 처하지 않을 만큼 예술가의 자기 실천의 수행문으로 작용했다. 확실히 이 변용적 작업은 이태원이라는 해방구의 공기와 화학적으로 맞물려서 기대 이상의 가능 세계로 열려졌다.

그런데 이번 두 번째 행사에서 기획자 홍성민씨는 여전히 우발적이고 지각적이며 참여적인 토대가 유효하다고 주장하면서 “미술/퍼포먼스/공연예술의 분할을 고분고분 받아들이는 우리의 모습”으로부터 이탈하는 잠재성을 탐문한다는 식의 취지를 밝혔다. 이는 그의 랑시에르 독해로부터 유래한 것으로 “지식의 문제”가 아니라 “몸이 느끼는 감각의 문제”라는 층위에서 생각해야 한다. 즉 그는 “감각적 세계 안에 몸이 기입되는 방식”이라는 체험의 영역으로 확장되는, 몸이 세계를 느끼는 방식이란 토대 위에서 기존의 장르적 분할 체제를 재분할할 것을 제안하고 있다. 과연 이 제안은 충분히 실현되었을까. 탈전문화된, 항상 이미 해방된 예술가=관객이라는 전제는 사실 현실화되기는 힘든 부분이 있다. 그럼에도 불구하고 예술가=관객이 그 신체적 존립 자체를 주장하는 것으로써 사회적 틈을 벌리고, 아니 사회적 틈이 된다는 복선이 깔려 있는 것에 주의할 필요가 있다. 이미 플럭서스 등에서 선취된 이러한 미덕은 항상 이미 “이론으로서는 낡았으나 실제로 해보면 의외로 신선하다”(가라타니 고진)라는 선상에서 새로운 실상으로 실현되곤 한다. 또한 다른 복선을 깔고 있는데, ‘의외로 신선한’ 퍼포먼스가 “사회적 친교”라는 관계 미학적 시공간으로 체험되고 ‘미시 공동체’ 혹은 ‘순간의 공동체’를 촉발한다는 것이다.

결국 “국가에 대항하는 사회”(클라스트르)라는 정치인류학적 표현은 예술 실천을 통해 우리 시대의 공동적인 것이 구축하는 길 위에서 가능한 것이다. 여기서 “몸이 느끼는 감각의 문제”라는 가장 기본적인 차원이 급진성의 분할로 작용하게 된다.대충 이러한 시나리오인데, 첫머리에 말한 것처럼 과연 징후 이상의 감응적 상황을 연출한 것인지는 관점에 따라 다를 것 같다. 그 이유는 <19금>에 개입한 정치미학과 관계미학의 연합, 기존 영역의 분할 체제와 그 체제에 대한 재분할 사이의 차이, 무엇보다 퍼포먼스의 강도와 ‘불화’가 어떤 감응 세계를 낳았는지 의견이 분분하기 때문이다. 개인적으로는 다음과 같은 명제에 기대어 일련의 징후들을 적극 옹호하고 싶다: “영혼의 신비한 새인 ‘소문’은 호모 사피엔스가 만들어낸 최초의 ‘라디오’다.”(백남준)

첫 번째 행사의 나비효과는 두 번째 행사의 흥행성공으로 이어졌다. 솔직히 말하면, 사회적 친교를 맺기에는 공연간의 배치가 너무 촘촘했고 관객들은 너무 많았다. 그래서 가능한 만남들을 고안해낼 수 있는 물리적 시간은 부족했고, 주어진 공연들을 지켜보기에 다소 바빴다. 어쩌면 이러한 불평은 공연 큐레이팅의 문제나 공연 자체의 문제보다 오히려 전체의 통찰로서 장소성의 문제로 향해야 하는지도 모른다. 확실히 대안공간 루프가 풍기는 공간적 권능과 분위기는 홍대 문화의 쇠락이나 제도 공간의 비평으로 이어질 정도였다. 반면, 공간 해밀톤이 연접해 있는 이태원 공간의 채널이 그리워질 만큼 보다 넓은 사회적 틈으로 회고되었다. 이것이 <19금>의 가장 활발한 기호라고 한다면, 어쩔 것인가.흥미로운 점이 없지 않았는데, 데뷔와 함께 88만원 세대의 감각을 노래한 그룹 ‘빚과 세금’의 오프닝도 그랬다. 그들의 노래는 합의할 수 없는 현실의 촉지로 이어졌다. 이런 부분은 LIG 아트홀이나 국립극단에서 자신들의 노래를 전개한 어어부밴드 프로젝트의 공연과 비견할 만하다. 촉지적 감응보다 더 센 것이 있을까. 직접적이며 위협적이거나 수동적이며 방어적이건간에 ‘감정이 있는 사랑’처럼 다가오기 때문이다.정금형 작가의 <금형 신제품 시연회>는 ‘러닝머신과의 신체적 교류’라는 매우 잘 계산된, 자연화된 타입이라 제한적이었지만, 이는 본래 공연을 앞두고 벌인 시연회의 성격이 빚은 결과이기도 했(다고 한)다. 정금형 작가가 천착하는 '금형'이란 개념은 기계의 욕정이 사이버네틱한 감응으로 일어나는 구도를 의미한다고 봐야 할 듯하다. 그의 '금형' 페티시즘은 절정의 순간 "와락" 껴안으면서 완성되거나 죽음을 맞이하는데, 거의 정사(情死) 수준임을 재확인했다.

길종상가의 박길종 작가와 현시원씨가 진행한 <송창식 골든 제3집>은 송창식의 뇌와 실시간 연결된다는, 일종의 ‘존 말코비치 되기’ 식의 송창식 현상을 가능하게 하는 특이한 기계의 발표회였다. 그러니 여기서 "골든"은 실제로 "골이 들어있다"는 의미가 되겠다. 척 보기에는 코팅한 양은 찜통처럼 보이는 단순한 외관의 기계가 송창식과 심오하게 연결시켜준다니... 과연 풍자적 상상과학의 끝은 어디까지인가.홍성민 작가의 <영화>는 홍상수의 <극장전>에 나오는 한 장면의 대화를 전혀 다른 맥락의 영화들에 더빙하는 작업을 진행하는데, 실시간 연극으로 보여주는 퍼포먼스였다. 코드의 재맥락화는 홍성민 작가가 즐겨 사용하는데, 이번 경우에는 카오스의 경련을 기존 필름에 입혀갈 때 발생하는 그 간극이 비논리적인 경험으로 인도했다. 좌우간 웃음은 순간의 공동체를 이루는 아교였다.

디르크 플라이슈만의 <예술아카데미에 대한 퍼포먼스>는 비엔나 액셔니즘의 작가 헤르만 니치에게 오마주를 바치는 렉처 퍼포먼스였지만, 액션 없이 지나치게 평면적이었다. 킴킴갤러리의 는 반복되는 드로잉 이미지들과 음악 사이의 선율적 풍경에 랜덤 액세스(random access)의 효과를 추가했지만, 그 예측불허는 다소 예측가능했다. 그러나 <19금>은 개별 작품들의 호오나 평가로 볼 수 없는 기획이다. 무엇보다 관객들이 참여하는 관계적 구조 내에서 사회적 틈을 생산하는 프로젝트였다. 앞서 말한 것처럼 사회적 틈이란 협력적인 체계로서 예술 실천이 출현하는 장이며, 그 실천들의 관계망 자체이다. 디지털 네트워크가 실시간 일파만파로 전파되는 사회, 네이션=스테이트=자본의 공모가 가속화되는 통제 사회에서 지금 여기, 오늘의 현장에서, 함께 예술의 공동적인 것의 체험을 구축한다는 것은 그 자체로 사회 내의 감성 체제에 요동을 가하는 일이다.

글 김남수(무용평론가)

Distant Riders

2011-12-16T00:06:00.000-08:00

2007
Installation, 8 digital prints (each 260x150cm)
digital prints on wood construction
260x580x580cm

Best of 2011

2011-12-15T04:20:00.000-08:00

art in culture 2011년 12월호
www.artinculture.kr
BEST OF 2011 EXHIBITION

아트인컬처는 연말 특집으로 미술전문가 59명을 대상으로 2011년 베스트 전시 앙케트를 실시했다.

미술전문가 59명의 앙케트를 통해 2011년 한 해의 한국 전시지형을분석 평가한다.
아트인컬처는 연말 특집 'BEST OF 2011 EXHIBITION'을 마련했다.
미술 문화의 대표적인 제도이자 창작을 담아내는 그릇 ‘전시’의 다양한 층위를 객관적인 잣대로 평가하는 자리다.
전시를 기획에서 관객 호응까지 정교하게 조망하고, 나아가 전시 문화의 풍부한 소프트웨어 정착의 발판으로 삼고자 한다.

앙케트 형식
(1)추천자 59명에게 1차 추천 전시리스트를 제공했다. 1차 리스트는 아트인컬처가 2010년 12월부터 2011년 11월에 열린 전시 중 언론 보도, 본지 리뷰, 전시 장소 및 장르 등을 고려했다.
(2)추천 방법은 전시의 다양한 층위를 객관적으로 반영하기 위한 5개 평가 항목을 제시했다. 앙케트에 참여한 추천자들은 각 항목에 부합하는 전시를 5건 이내로 선정하도록 했다.
5개 평가 항목은
①기획 컨셉트와 주제
②예술성
③디스플레이
④학술 교육
⑤홍보 관객호응도.
(3)1차 리스트에 누락된 전시도 추천 가능했으며, 앙케트 참여자가 재직 중이거나 기획에 참여한 전시는 추천에서 제외하기로 했다.

추천 결과 요약
추천 결과 및 1차 리스트를 총 수합한 ‘올해의 전시 116개’가 결정됐다. 항목별로 3회 이상 중복 추천을 받은 전시를 집계한 ‘BEST OF BEST 33’은 다음과 같다.
<코리안 랩소디: 역사와 기억의 몽타주>
<박이소: 개념의 여정>
<크리스찬 마클레이: 소리를 보는 경험>
<팔방미인: 1970~80 한국의 역사적 개념미술>
<눈 위에 핀 꽃>
<서용선>
<피처링 시네마>
<쇼 미 유어 헤어>
<정서영: 사과 vs. 바나나>
<오늘의 프랑스미술: 마르셀 뒤샹 프라이즈>
<페스티벌봄>
<소통의 기술>
<추상하라!: 소장품 기획전>
<손정은: 명명할 수 없는 풍경>
<카운트다운>
<정마리의 정가, 이수경의 헌신>
<안창홍: 불편한 진실>
<시티 넷 아시아 2011>
<디터람스의 디자인 10계명>
<구본창>
<최진욱: 리얼리즘>
<근대 일본이 본 서양>
<조선화원대전>
<풍속인물화대전>
<오브제로 바라본 한국현대미술>
<인터뷰>
<장민승+정재일: Spheres PartⅠ>
<김용익: 무통문명(無痛文明)에 소심하게 저항하기>
<김홍석: 평범한 이방인>
<몹쓸 낭만주의>
<여론의 공론장>
<조각가의 드로잉>
<초상화의 비밀>

계란껍질 통닭

2011-12-13T18:03:00.001-08:00

Mixed media on Canvas

Installation View

출연자 대기실

2011-12-12T19:09:00.001-08:00

어떻게 마음 편히 미술을 그만 둘 수 있나 How can we let go of art in peace?
Korea National univ. of Arts
Dept. of Fine Art
12th Senior Exhibition

Dec. 2011
Seoul

photos by 출연자 대기실

kim Kim Gallery Location No.5

2011-12-12T17:49:00.000-08:00

Dec. 2011
Seoul

무제, Untitled

2011-12-04T20:04:00.000-08:00

(노예 열쇠고리#1,#2)
2010
Seoul

Appearance in Super System

2011-11-30T20:25:00.001-08:00

"This is Perfect”
Art Public, Collins Park, South Beach, Miami, USA

a project by Robert Estermann during Art Basel Miami Beach, December 1–4, 2011

Themes for the scheduled events

The waters of the ocean acquired a new taste
The sky is read through mirrors
Art is the beholder of time and space
Thee true artist helps the world by revealing mystic truths
Lights in the sky, airplane or dream, and the observer
Semantics fascinates the artist (it’s the truth)
Why Philip Glass was wrong
The beach imagines its own modernity
Trees’ sound arms feet
Tripod extensialism

Miami Beach
Dec. 2011

Re-designed Seoul by Artists

2011-11-20T19:51:00.001-08:00

Article 아티클
#4
a journal of contemporary art
Nov. 2011
Pages 108-109

작업에 대한 질문

Q. 김나영 + 그레고리 마스에 대한 간단한 소개
2004년 부터 협업.
우리한테 작업 또는 경력은 야심 찬 계획, 실행이 아니라 공생관계.
작업은 연속되는 피트니스 파코스(parcourse) 이며,
양면 가치적 서핑을 통해 배우고, 적응 능력을 향상시키는 중이다.

Q. 현재 자신의 주요 관심
반대 감정 병존(ambivalence) 심화

Q. 선택한 장소 을지로에 대해 당신이 생각하는 긍정적인 면과 부정적인 면은 무엇이며 왜 그렇게 생각하는가?
이곳에 어떠한 사적/공적 내러티브가 있는가?
어떤 장소, 건물에도 조립 설치 할수 있는 앵글형 프로파일.
낙후된 건물을 보강해주는 기능, 그리고 새로운 이미지를 주는 프로파일에 OH YES COOL GREAT 라는 글이 연속적으로 새겨져있다.
서울 시민의 신체/정신적 성취, 문화적이고 부유한 사회, 문명에 대한 긍정을 축하하는 작업
추상적이고 초연한 내러티브

Q. 이 장소가 가진 기존의 것 중 무엇을 변화시키고자 했는가?
또한 그 이유는 무엇인가?
변화시키려는 의도 없음.
도시민이 눈을 열어 도시를 다르게 보고 , 자신의 틀에서 벗어나 더 자유로와지며, 자신의 삶이 속한 역할과 장소성에 거리를 둘수 있기를 바람.

Q. ‘redesign’된 그곳과 기존 자기 작업과의 연계성은 무엇인가?
"Oh Yes Cool Great „
명확하고 쿨하며 훌륭하다.

Q. 지금 우리에게 필요한 것은?
인류의 업적에 대한 활기찬 표현.
문명과 자기비판적인 진화를 수반하는 현대적 도시계획

Q. 현재 이 작업이 현실적으로 실행 가능성이 있다고 생각하는가?
물론

Appearance in Super System

2011-11-20T18:26:00.000-08:00

a project by Robert Estermann during Art Basel Miami Beach, December 1–4, 2011

Appearing in Super System seems almost impossible.
How to appear in Super System?

daily scheduled and non-scheduled events in Miami Beach
Follow this blog to receive the updates !
http://appearance-in-super-system.blogspot.com/

Press Release
Appearance in Super System

Collins Park
2200 Collins Avenue
Miami Beach, FL 33139
USA

December 1–4, 2011
Scheduled events daily at 10am and 2pm
Meeting point: Collins Park
More info and updates on our blog appearanceinsupersystem.info

In “Appearance in Super System”, Robert Estermann raises questions about the conditions in which art is made, as a form of action based on aesthetic speculation. With the help of some lightweight props, Estermann and his assistant Gregg Arthur Griffin will hold a series of scheduled events in the form of performative lectures in the Collins Park and at the nearby beach, as well as taking part in numerous encounters with individual people during Art Basel Miami Beach. These include “Appearances,” in which individuals are asked to figure out and to perform a subtle gesture or a movement of their body that they have never done before, as a “rite of passage” to the realization of themselves as speculative beings. All these events will be documented in the blog appearanceinsupersystem.info.
Known for his drawings, performances, and installations, Estermann regards the gesture as having the sense of a radical claim, and also urgency, as it becomes an increasingly versatile aesthetic tool of translation between artistic, social, and scientific expression. In an age of touch sensitive electronic devices, human gestures are supposed to have more power than ever before. What happens when people reinvest the same powerful gestures back into the physical space?

19금 퍼포먼스 릴레이 2011 (19 Performance relay)

2011-11-17T20:19:00.000-08:00

"Announcements & Distractions"
a live mix by Nakion(KR)
with a projection of drawings by Robert Estermann (CH).

19 Performance Relay
11. 11. 2011
@ Gallery Loop
Seoul

Photos by www.podopodo.net
Nov. 2011
Seoul

Restricted-Access Free-Range Closed-Shop Open-Prison

2011-11-17T19:32:00.000-08:00

A deciduously sloughed blossom petal parachute lands; some thumbprint whorl tattoos blossom petal; horseshoe surrounds thumbprint whorl and blossom petal; electrical circuitry escapes horseshoe, thumbprint whorl and blossom petal; artery veins entangle electrical circuitry, horseshoe, thumbprint whorl and blossom petal; a Persian carpet weaves out of artery veins, electrical circuitry, horseshoe, thumbprint whorl and blossom petal; a sunken garden picture frames Persian carpet, artery veins, electrical circuitry, horseshoe, thumbprint whorl and blossom petal; a labyrinthine maze encloses sunken garden, Persian carpet, artery veins, electrical circuitry, horseshoe, thumbprint whorl and blossom petal; an amphitheatre spreads outside labyrinthine maze, sunken garden, Persian carpet, artery veins, electrical circuitry, horseshoe, thumbprint whorl and blossom petal. Thereafter, amphitheatre arena leads to labyrinthine maze encircling sunken garden overlooking Persian carpet made from artery veins intertwined with electrical circuitry exiting horseshoe around thumbprint whorl deposited upon blossom petal. Common-law-of-averages and split differences cause amphitheatre arena, labyrinthine maze, sunken garden, Persian carpet, artery veins, electrical circuitry, horseshoe, thumbprint whorl and blossom petal to compare, exchange and morph. Time passes, leaving amphitheatre arena, labyrinthine maze, sunken garden, Persian carpet, artery veins, electrical circuitry, horseshoe, thumbprint whorl and blossom petal to submerge, bury and overgrow, underneath successive layers of earth, water, stone, vegetation and debris. Hidden and ruined foundations, archaeological remains and forensic evidence leftover from amphitheatre arena, labyrinthine maze, sunken garden, Persian carpet, artery veins, electrical circuitry, horseshoe, thumbprint whorl and blossom petal that generously provide contoured furrows, allowing scope and guidelines for agricultural ploughing and each long barrow mound to follow along, also serving as regimentation and choreography of avenues of trees and floral borders. Hummingbird aviary and butterfly farm work gangs burrow deep, scooping out subterranean catacombic warrens which faithfully retrace the steps of amphitheatre arena, labyrinthine maze, sunken garden, Persian carpet, artery veins, electrical circuitry, horseshoe, thumbprint whorl and blossom petal, as searching roots fill up the cavities. Hummingbird aviary and butterfly farm work gangs resurface, building exoskeletal filament armatures and scaffolding supports for megalithic, multi-storey, honeycomb ziggurats with railway tracks, dormitory bunkers, shelving units, igloo kennels and doll's house sentry boxes; forever reaching further out, facing towards every direction, straying away from amphitheatre arena, labyrinthine maze, sunken garden, Persian carpet, artery veins, electrical circuitry, horseshoe, thumbprint whorl and blossom petal, while side walls and roof-tops sprout foliate bowers and creeping tendrils. Ramps, staircases, Jacob's ladders and split levels connecting the decks, perpetual-motion grand-prix ten-commandment domino-toppling Olympic marathons and dancing tarantulas spin cobwebs that umbilically link chandeliers together; all obediently adhere to newfound straying from amphitheatre arena, labyrinthine maze, sunken garden, Persian carpet, artery veins, electrical circuitry, horseshoe, thumbprint whorl and blossom petal. Upon advancement inside, the brain unfurls from both the back and the front of the head, oncoming cables feed through and curl up to immediately replace the brain that has just been pulled out and lain out to trail behind, once the brain is extracted, its entrails slide en route to a secret H.Q., joining forces with the others in a writhing Gordian knot; amphitheatre arena, labyrinthine maze, sunken garden, Persian carpet, artery veins, electrical circuitry, horseshoe, thumbprint whorl and blossom petal direct, steer, compact and remodel the bodywork of the brain. At the same time, rippling waves sent out by the brain contribute to assist the progress and development of amphitheatre arena, labyrinthine maze, sunken garden, Persian carpet, artery veins, electrical circuitry, horseshoe, thumbprint whorl and blossom petal.
Copyright, Douglas Park, 2002

1st published in Metronome 8b THE QUEEL—A Sequel to THE STUNT, edited by Dr Clementine Deliss, Metronome, London, 2002. Reappeared on the website project, neurhome.free.fr, curated by Samon Takahashi, Paris, 2005 (taken offline in 2008).

via http://www.slashseconds.org/issues/003/003/articles/dpark/index.php

출연자 대기실

2011-11-16T01:56:00.000-08:00

Korea National univ. of Arts
Dept. of Fine Art
12th Senior Exhibition
2nd - 11st Dec. 2011

한국예술종합학교 제12회 졸업전시회에서는 ‘자립을 위한 비 독립연구 :
어떻게 마음 편히 미술을 그만 둘 수 있나’라는 주제로 전시 외 프로그램 <스테이지>와 <출연자 대기실>을 한다.
졸업을 앞 둔 미술전공자에게 ‘자립’은 단순히 미술을 하느냐, 마느냐의 문제가 아니라 어떻게 미술 할 것인가를 고민하게 한다.
질문은 자신의 조건과 상황, 태도에 따라 서로 다른 의미의 결을 가지게 된다.

<출연자 대기실> TALK
- 그들은 어떻게 자립 하는가?
활발하게 활동하는 작가 임민욱, 정서영을 게스트로 초대하여 무대의 뒷이야기, 미술과 자립에 관한 경험과 생각을 들어본다.
또한 얼마전 대기업 모델하우스에서 ‘사과 vs. 바나나’로 전시 기획을 선보인 작가이며 갤러리스트인 킴킴 갤러리도 함께 초대한다.
자신의 동료들과 지속적으로 작업의 영감을 주고받는 다는 점과 작가 스스로 마련한 상업갤러리라는 자리는 ‘자립’이라는 키워드와 어떻게 연결 될 수 있는 것인지 함께 고민하는 자리를 기대한다.

PM 6
9th Dec. - 정서영 & 킴킴 갤러리 Chung Seoyoung & Kim Kim Gallery
10th Dec- 임민욱 Minouk Lim
위치 한국예술종합학교 미술원
Dec. 2011
Seoul

Kim Kim Gallery Location

2011-11-15T16:59:00.000-08:00

Basement

Nov. 2011
Seoul

Kim Kim Gallery Location

2011-11-15T05:03:00.000-08:00

2F

Seoul
Nov. 2011

COUNTDOWN

2011-11-14T04:28:00.000-08:00

Stone, cement 2011

Night and Day 밤과 낮
Mirror, chair
dimension variable
2011
in COUNTDOWN
Former Seoul Station Art Complex
Culture Station Seoul 284
Opening Project

photos by Park Myeungrae

Seoul
Aug. 11. 2011-Feb. 11. 2012

유성출가상[踰城出家相 ]

2011-11-12T19:02:00.000-08:00

Seoul 1999

19금 퍼포먼스 릴레이 2011 (19 Performance relay)

2011-11-11T18:27:00.001-08:00

"Announcements & Distractions"

a live mix by Nakion(KR)
with a projection of drawings by Robert Estermann (CH).

19 Performance Relay
11. 11. 2011
@ Gallery Loop
Seoul

www.podopodo.net
http://galleryloop.com/

Monster Map, 15 min.

2011-11-09T04:15:00.000-08:00

Monster Map, 15 min. Installation Diagram

제목: 괴물의 지도, 15분_먹지 드로잉
Monster Map, 15 min_Carbon paper drawing
제작년도: 2009
작품 재료: 종이에 먹지 드로잉
작품 크기: 각 109,5 x 79cm

작가가 15분 동안 작업실 주변을 돌아다니며 얻어낸 기억의 수집품들이다.

제목: 괴물의 지도, 15분_텍스트
Monster Map, 15 min_Text
제작년도: 2008
작품 재료: A4 용지에 인쇄
작품 크기: 각 A4

<괴물의 지도, 15분_텍스트>는 2008년 6월 24일 1시 23분부터 38분까지 15분간의 괴물의 행적을 기록한 텍스트 지도이다.

Monster Map, 15 min. Installation Diagram

Kim Possible

2011-11-08T20:13:00.001-08:00

City Within the City

2011-11-07T03:12:00.000-08:00

November 12, 2011 – January 15, 2012
Artsonje Center
Seoul

※ Participaing Artist
Abraham CRUZVILLEGAS, Nayla DABAJI and Ziad BITAR, Alicia FRANKOVICH, Emil GOH, Jinyeoul JUNG and Changmo AHN, Yeondoo JUNG, Ash KEATING, KIM Beom, Jooyoung LEE, Minouk LIM, Listen to the City, Andrew MCQUALTER, Part-time Suite, Hyunsuk SEO, Haegue YANG, Jun YANG, Suyeon YUN and Jinyoung KOH

City Within the City acknowledges cities and urban areas as a prevalent way of life for a large portion of the world's population today. Approaching cities not as mere statistical entities, this exhibition examines the issues that arise from regarding them as agglomerations of people established over time. As such, they can be experienced as sites of reciprocal action between built environments - historically, geographically and administratively determined - where human subjectivities appear in constant physical, psychological and intellectual reconfiguration.

This first version of City Within the City presented at Artsonje Center, reflects Seoul's urban structure. The dynamic metropolis Seoul has become bears traces from the impact of industrialization, the devastation of the Korean War, reconstruction under postwar and Cold War regimes, and its emergence as a world presence due to economic growth. These complex factors influence the dynamics specific to the commercial and industrialized zones of Seoul. Increasingly contained within these governmentally and politically demarcated areas, what possibilities for creativity, transgression and resistance exist for the human body, imagination and memory?

City Within the City charts the remembered, fictional, expected and resisted cities as they are publicly and privately negotiated by the individual. Questioning the consequences of and presenting alternatives to formal governmental configurations of city development, several works in the exhibition provide resources and open platforms to reconsider urban spaces as increasingly active sites for creative investigation and transgression.

The works featuring in City Within the City adopt parallel and tangential ways to address different points of friction, misalignments, and moments open to re-imagining existing circumstances. Through this process, the exhibition offers itself as a site for widening the possibilities for engagement with the cities within our cities.

KIM Beom
Three Worlds (after Escher Chunggye Skyway 1/13/97. 5:00-5:20 a.m.)
1997, 1 channel video, 6min 35sec
Courtesy of the artist

도시_City와 도시성_Urbanism을 주제로 하는 본 전시는 17명(팀)의 국내외 작가들이 참여하는 그룹전으로, 리서치, 사진, 설치, 영상 등과 같은 다양한 작업들을 통해 우리가 경험하는 계획되고 구축된 환경으로서의 도시 속의 내거티브들을 다각적으로 맥락화하고자 한다.

오늘날 대부분 인구는 도시에 거주하고 있다.
우리 삶과 연관된 현대의 정치와 경제, 문화의 모든 패러다임들이 도시에서 탄생하고 전개되고 변형되었다가 때로는 소멸된다고 해도 과언은 아니라고 할 만큼 도시 생활은 현대인 삶의 주요한 부분이다.

City Within The City 전시는 도시 속에서 발생하는 균열과 마찰, 어긋난 배치들에 주목함으로써, 주어진 환경을 다시 돌아보고
상상하도록 하고 도시 공간을 보다 창의적인 탐구와 도전을 가능케하는 대안적인 현장으로 바라본다.
본 전시는 건축과 도시성 그리고 환경예술에 대한 고찰을 전제로 하며, 다양한 배경과 경험을 가진 작가들의 전시 작업들을 통해 인간 주체와 구축된 환경으로써 도시 사이에 드러나는 요소들을 다각적으로 조망하고자 한다.

City Within The City 전의 면면은 정부 주도의 도시 개발과 성장같은 이슈들을 비롯해 인류가 환경에 미치는 광범위한 영향에 대한 확장된 시각을 제시하는 동시에, 서로 무관한 듯 연결됭 있는 무수한 도시 안의 또 다른 도시들을 바라보는 것을 가능케 할 것이다.

본 전시는 사무소와 호주 멜버른의 거트루드 컨템포러리가 공동 기획하며 2012 년 8월 거트루드 컨템포러리로 이어질 예정이다

via http://artsonje.org

Opening at Artsonje Center
photo by Yeonwha Kim
via facebook

Art review: Kim Beom at the Gallery at REDCAT

2011-11-07T02:56:00.000-08:00

Kim Beom likes to turn things upside down. In his latest exhibition at REDCAT, titled “Animalia,” the Korean artist upends the natural order, questioning whether it is in fact so natural. Sheathing a preoccupation with power dynamics in a wry sense of humor and a penchant for the absurd, his installations, drawings and videos question the distinctions we routinely make between ourselves, animals and objects.

This tactic of inversion is most obvious in the video “Spectacle,” in which a popular scene from nature documentaries — a cheetah chasing an antelope — is doctored so that the antelope is chasing the cheetah. It’s a simple reversal of what television has framed and reinforced as “natural.” Of course, Kim isn’t suggesting that antelopes could or should chase cheetahs; rather, by altering the video, he raises a question: Why, of all the natural dramas captured on camera, is this the one that resonates?

Perhaps it’s because we’re bloodthirsty exploiters. In the installation “Objects Being Taught They Are Nothing But Tools,” Kim takes education to task as an instrument of social control. The piece is essentially a schoolroom for small consumer goods in which a fan, a teakettle, a bottle of dish soap, and other sundries sit on little wooden chairs in front of a chalkboard. The instructor appears on a small television, his head cut off at the top edge of the screen. He talks about the history of human rights, and the workings of capitalism and consumerism but this lecture is intended not to inspire, but rather to tamp down aspiration. The objects are told that no matter how much people become attached to them, they have no “essential value” outside of their economic use. The idea of teaching consumer products not to rise up and seize their destinies is comical, but the familiar educational format makes it easy to imagine children or employees sitting in the seats instead. In treating objects like people, Kim reveals the hard logic under which people are often seen as tools.

This installation is given context by a selection of fantastic drawings and blueprints of imaginary prisons, a lighthouse, an immigration office and a school. Kim envisions these structures as diagrams of power: prisoners fuel the lighthouse by riding bicycles in its base; one incarceration center involves housing “heinous criminals” in a maze-like structure with “offensive beasts.” Despite their punitive uses, these buildings are invariably wrapped in serene, cloud-like white forms — they could be Apple products.

The drawings are indictments of bureaucracy and cruelty, but they are also fanciful imaginings, not unlike the complex maps that children draw of invented worlds. One design — for a tyrant’s safe house — looks suspiciously like an elongated version of Frank Lloyd Wright’s Guggenheim Museum. This lair, we learn from the blueprint, is guarded not just by dogs, but by “wolf-dog hybrids,” wolves, and finally, preposterously, by “wolf-men,” each indicated by a different symbol and deployed in a different place.

This fantasy of mastery is simultaneously the purview of the child and the megalomaniac, and the drawings poke fun at the notion of total control even as they gently indulge it. Here, the logic of Kim’s inversions becomes clear: Oppression and imagination are two sides of the same coin. Even as he lays bare the deadening effects of the product-driven society we have envisioned and built for ourselves, Kim reveals how imagination might enable us to see a bit of ourselves in everything, perhaps even in other people.

-- Sharon Mizota

The Gallery at REDCAT, 631 W. 2nd St., (213) 237-2800, through June 19. Closed Mondays. www.redcat.org

Photos, from top: Kim Beom, "Objects Being Taught They Are Nothing But Tools," 2010, installation view at REDCAT; "Animalia," 2011, installation view. Credit: Scott Groller

May 2011
Los Angeles
via http://latimesblogs.latimes.com/culturemonster/2011/05/kim-beom-at-the-gallery-at-redcat.html

Feed + Back

2011-11-07T02:35:00.000-08:00

Sep. 1998
Bonn

먹이+ 등 Feed + Back
본 여성 미술관
금호 미술관

인류사를 ‘먹이다툼의 역사’라고 하면 지나치게 비관적일까. 하지만 새로운 밀레니엄을 코앞에 두고도 먹이를 둘러싼 경쟁은 전쟁 폭동 등으로 이름만 바꾸었지 언제나 ‘진행형’이다. 서울 종로구 사간동 금호미술관의‘먹이+등’. 이순주 이소미 김수련 정서영 등 독일에서 미술수업을 받은 30대 중후반 여성작가4명의 관심사는 먹이의 ‘순환(Feedback)’. ‘먹이(Feed)’와 ‘등(Back)’은 인류를 지탱해온 물질과 정신을 상징한다. 이소미의 설치작품 ‘건축적 경작’. 천과 스펀지를 이용해 층층이 쌓아올린 구릉은 궁벽한 산골의 계단식 논을 연상시키고 그 사이로 부처의 미소가 떠오른다. 젖소가 풀을 뜯거나 콤바인이 요동치면서 먹이를 마구 토해내는 서구식 풍경이 아니다. 한뼘의 땅이라도 늘려 생존하려고 발버둥쳐온 인간의 모습, 지극히 한국적 생존양식이다. 먹이다툼으로 발버둥치는 이 땅과 해탈로 평화로운 저편 세계의 윤회이리라. 유전자 복제로 탄생한 양의 이름을 딴 이순주의 ‘돌리’. 6명의 다른 여자는 헤어스타일은 물론 표정까지 닮았다. 또 007가방과 총을 들고 등을 구부린 채 먹이 사냥터에 내몰린 또다른 6명의 남자는 곧 사라질 것처럼 불안전한 형태. 과학은 먹이의 양을 늘리지만 개성의 상실로 비극의 서막이 될 수 있음을 경고한다. 김수련의 정물화와 정서영의 작품은 같은 테마를 다루면서도 또다른 시각을 엿볼 수 있다. 네컷 만화를 연상시키는 드로잉에서부터 설치작품까지 여러 장르의 작품을 보는 것도 즐거움이다.
〈김갑식기자〉

via http://news.donga.com/Series/List_70070000000029/3/70070000000029/19980223/7324221/1

19금 퍼포먼스 릴레이 2011 (19 Performance relay)

2011-11-06T02:38:00.001-08:00

Kim Kim Gallery presents
"Announcements & Distractions"

a live mix by Nakion(KR)
with a projection of drawings by Robert Estermann (CH).

19 Performance Relay
11. 11. 2011
@ Gallery Loop
Seoul

www.podopodo.net
http://galleryloop.com/

Clay Collection and Speculative Plane

2011-11-05T23:47:00.000-07:00

Robert Estermann solo show
curated by Isabel Fluri

9 November – 23 December 2011
opening Saturday, 5 November 2011, 13:00 – 17:00

Hilfiker Kunstprojekte
Ledergasse 11
CH-6002 Lucerne, Switzerland
hilfikerkunstprojekte.ch

Clay Collection and Speculative Plane
ready made clay sculptures with polyester coating, furniture, fence, 2011

We have to go over the building.
drawing, 2002/2011

Heavy Flower

2011-11-05T06:09:00.001-07:00

Oil on Canvas
210x180cm
2010

70x60cm
2010

TELL ME TELL ME

2011-11-03T02:16:00.000-07:00

National Museum of Contemporary Art, Korea (NMOCA)
TELL ME TELL ME:
Australian and Korean Art 1976–2011
10 November 2011–19 February 2012

National Museum of Contemporary Art, Korea
전시장소 : 국립현대미술관 / 과천 본관
San 58-4 Makgye-dong, Gwacheon-si
Gyeonggi-do, 427-701, Korea

Organized by:
National Museum of Contemporary Art, Korea (NMOCA)
Museum of Contemporary Art, Sydney (MCA)
Curated by:
Inhye Kim, Glenn Barkley

www.moca.go.kr
www.mca.com.au

This is the second stage of a two-part cultural exchange of art and ideas, a collaboration between the MCA in Sydney and the National Museum of Contemporary Art in Seoul (NMOCA). The project highlights the historical and ongoing connections between Australian and Korean art and showcases works from the collections of both museums. Jointly curated by MCA Curator Glenn Barkley and NMOCA Curator Inhye Kim, the first stage of the exhibition was presented at the National Art School Gallery, Sydney (17 June–24 August 2011).

Inspired by Nam June Paik 1976 visit to Sydney and the 1976 Biennale of Sydney, which included a group of important Korean artists, Tell Me Tell Me explores conceptual, fluxus and technological art created in both Korea and Australia over the last three decades to the present day.

The exhibition also looks at the idea of artists using recent art histories to influence new work and sculpture, installation and object-based art forms now under the weight of conceptualism.

Korean artists include: Bahc Yiso, Chang-Sup Chung, Chung Seoyoung, Jung Marie, Chosil Kil, Kim Beom, Kim Eull, Hong Joo Kim, Kang-So Lee, Seung-Teak Lee, U-Fan Lee, Choong-Sup Lim, Nam June Paik, Byoung-Choon Park, Moon-Seup Shim, Park Chan-Kyong, Hyun-Ki Park, Jooyeon Park, Insik Quac, Haegue Yang, Yeesookyung, and Dongchun Yoon.

Australian artists include: Brook Andrew, Brown Council, John Davis, Bonita Ely, Gaiyabidja Lalara, Rosalie Gascoigne, Marr Grounds, Don Gundinga, Newell Harry, Lou Hubbard Bob Jenyns, Tim Johnson, Stephen Jones, Emily Kame Kngwarreye, Robert Macpherson, TV Moore, Nyapanyapa Yunupingu, Terry Reid, Stuart Ringholt, Noel Sheridan, Charlie Sofo, Stelarc, Christian Bumbarra Thompson, Ken Unsworth, Louise Weaver, and Yirawala.

Tell Me Tell Me: Australian and Korean Art 1976–2011 is a partnership between the National Museum of Contemporary Art, Korea and the Museum of Contemporary Art, Sydney

전시작가
브 룩 앤드류, 길초실, 스티븐 존스, 백남준, 랄라라 가이야비쟈, 이우환, 스텔락, 존 데이비스, 심문섭, 캔 언스워스, 정서영, 루이스 위버, 김범, 밥 제닌스, 티비 무어, 로버트 맥퍼슨, 에밀리 캐임 캔와리, 김홍주, 김을, 이수경, 로잘리 개스코인, 찰리 소포, 양혜규, 루 허바드, 스튜어트 링홀트, 박찬경, 뉴엘 해리, 크리스쳔 톰슨, 박이소, 박현기

<텔미텔미: 한국_호주 현대미술 1976-2011>전은 한국과 호주의 수교 50주년을 기념하여 정부차원의 문화 교류 사업의 일환으로 이루어졌다. 호주는 한국인에게 아직 상당 부분 '미지의 나라'로 인식되어 있고, 더구나 현대미술의 방면에서는 거의 알려진 바가 없었다. 50년 사이 굳이 직접적인 양국 미술 교류의 연원을 따진다면, 1976년 제2회 시드니 비엔날레 때 한국작가(이우환, 심문섭, 이강소, 곽인식)의 참여와, 같은 해 백남준의 호주 방문이 기록적인 사건으로 남아있을 뿐이다.

거의 우연적으로 보이는 1976년 양국 미술의 만남이 이번 전시의 이야기를 풀어가는 시작점이 되었다.
무엇보다 당시 비엔날레에서 보여준 1970년대의 미술 담론 - 쓰레기에서 예술을 찾고, 미술관 밖으로 뛰쳐나간 예술의 개념 - 은 여전히 현재의 미술에도 유효한 관점을 제공하기 때문이다. 무조건적인 '새로움'을 찾아 앞을 향해 전진하는 대신, 숨을 돌리고 과거를 바라다보며 느리게 숙고하는 정신이 이 전시에 묻어 있다.

'만남'은 거의 '기적'과 같은 일이다. 이 전시에는 한국과 호주, 1976년과 2011년이 뜻밖에도 서로 만나고 있다. 비록 이 다른 시공간은 직접 만난 적이 없었지만, 예술가들이 매우 간단하고 본질적인 생각에 몰두할 때, 이들은 언제나 서로 교감하고 있었음을 이 전시는 보여 준다. 원더걸스의 리메이크곡 "텔미텔미"의 제목 그대로, 나를 이야기하고 나에게 이야기하면서, 서로의 관계를 통해 나를 발견하는 기회가 되기를 바란다.

이 전시는 한국 국립현대미술관의 학예연구사 김인혜와 시드니 현대미술관의 큐레이터 글랜 바클리가 기획하였고, 한국 외교통상부, 호주 외교통상부의 발의로 국제문화위원회를 통한 호주 정부 및 호한 재단, 고든 달링 재단의후원으로 이루어졌다.

http://www.moca.go.kr/exhibition/exhibitionManager.do?_method=exhView&retMethod=getExhScheduleList&tpCd=&exhId=201101170002863

김범 Kim Beom
라디오 모양의 다리미, 다리미 모양의 주전자, 주전자 모양의 라디오
2002

An Iron in the form of a Radio, a Kettle in the form of an Iron, and a Radio in the form of a Kettle
2002
parts of kettle, radio, iron and other mixed media
dimensions variable

김범 Kim Beom
2010
볼거리 Spectacle
1 Min. 07

Transparent Kindergartens Above Streets

2011-11-03T01:15:00.000-07:00

Untitled
(From the Transparent Kindergartens Above Streets Series)
2004
Paint maker & adhesive tape on paper
42 x 29.7 cm

Kim Kim Gallery Logo Paintings

2011-10-30T00:36:00.001-07:00

Oct. 2011
Acrylic on canvas
52,5x41cm
52,2x45cm

19금 퍼포먼스 릴레이 2011 (19 Performance relay)

2011-10-21T16:47:00.000-07:00

19금 퍼포먼스 릴레이
“하룻밤, 모든 팀의 퍼포먼스는 19분을 넘길수 없다”

PODO가 지난 1년반 동안 운영하던 이태원의 공간 해밀톤의 마지막 기획으로 공간해밀톤의 정체성을 정리 했던 '19금'이 돌아왔다.
2010년의 소제목이자 정부차원의 인구센서스의 모토였던 '대한민국이 당신을 빼놓지 않도록' 은 여전히 유효하다. 국가가 제발 좀 빼놓아 주기를 스스로 바라는 사람들이 있다면, 그리고 말뿐이지 정부가 '이미 빼놓은'대표적인 왕따들이 있다면 역시 예술 커뮤니티에서 활동하고 있는 동시대성의 작가들이 아니겠는가. 화이트큐브와 블랙박스는 물론 대안공간마저도 '빼놓지 않음'에 이미 편성되기를 수락했음은 자명해 보인다. 미술/퍼포먼스/공연예술의 분할을 고분고분 받아들이는 우리의 모습은 더욱 그렇다.
국가의 '빼놓지 않음'에 자유롭지 못하므로 랑시에르식 '분할'의 횡단, 아감벤식 '성스런것들의 놀이를 통한 세속화'는 요원하며,레비나스식 '타인의 얼굴'은 분리되어 분배된 영역내에서 고만 고만한 얼굴들안에서 차이를 발견하기 힘들다. 19금 퍼포먼스 릴레이는 서로 다르게 분배된 커뮤니티의 사람들이 한장소에 모여 5-6시간 동안 동시간과 공간 그리고 음식을 서로 공유하는 따뜻한 환대의 카니발이 되고자 한다.

10팀의 퍼포먼스 카니발에 여러분을 초대한다.

일시;11월 11일 오후 6시~ 12시
장소; 대안공간 루프

순서

6;00 오프닝밴드 <빚과 세금>-1층
6;30 옥인콜렉티브. 작전명 –까맣고 뜨거운 것을 위하여 -1층
7;00 디릌 플라이슈만/한국인과 함께 배움에 대한 퍼포먼스-1층
7;30 부추라마 없는. 부추라마 [부추라마 2.0 beta] 버전 합창단-지하층
8;00 킴킴 갤러리 Kim Kim Gallery
(estermann+nakion) " Announcements & Distractions"-지하층
8;30 . 송호준 /네트워킹 퍼포먼스 -1층
9;00. 홍성민 <영화> 연극배우들이 영화클립들을 립싱크-지하층
9;30 (쥬)정금형 '금형 신제품 시연회
10;00 구동희 / 이윤호라는 젊은이와의 듀엣 퍼포먼스 -지하층
10;30 현시원+길종상사의 박가공 <골든>-지하층
11;00 (신윤예+홍성재) 19금노동

기획. 홍성민
주최. 공간해밀톤. PODO
협찬. 서울문화재단. 대안공간 루프.

2010년 <19금 퍼포먼스 릴레이>
http://www.podopodo.net/people/lecture/detail.asp?seq=39

Nail Vs. Drawing

2011-10-16T06:53:00.000-07:00

Handmade Stainless Steel Nail (105x10x10mm),
wooden frame(31,5x22,5x2cm)
ink on paper drawing

Multiple
Edition limited, each unique
Produced by Kim Kim Gallery
edition: 25
Oct. 2011
Seoul

‘사물을 조감도처럼 들여다보면 그 안에 설정된 관계, 유형들의 움직임이 보인다.
그것이 복잡해 보이는 이유는 시간의 흐름에 따라 가지 쳐지고 덧붙여진 의미들이 서로 작용하기 때문이다.
그 작용들의 연결고리를 흐트러뜨리면 간단한 단위들이 나타나고, 그 단위들 중 일상적인 복합성을 포함하는 것들을 골라 또 다른 경험의 조건을 만들어 가는 것이 나의 조각이다.’
- 정서영

Kim Kim Schaulager

2011-10-11T17:25:00.000-07:00

Oct. 2011
Seoul

COUNTDOWN

2011-10-11T17:14:00.001-07:00

8월 9일 오프닝에 소개되는 작업들로 ‹카운트다운›프로젝트가 완료되는 것이 아니다. 20여명의 작가들과 함께 시작될 ‹카운트다운›은 오프닝 이후 이 작가들의 작업들이 그대로 존재하면서 여기에 6개월 동안 매 월 또 다른 작가들의 작품들이 점진적으로 추가되면서 프로젝트 종료시점인 내년 2월에는 총 35명의 참여 작가들의 모든 작품들이 문화역서울 284에 공존하게 된다. ‹카운트다운› 참여 작가들은 6개월이라는 '시간'과 구 서울역사라는 '공간'을 자유롭게 운영하며, 정지된 시공간(복원/과거)을 ‘흐르는 시간, 변화하는 공간’으로 전환시킨다. 모든 것이 정지 된 듯한 복원 장소에 예술 프로젝트들이 6개월 동안 지속적으로 추가되면서 서서히 변모하는 구 서울역사는 관람객들에게 보다 풍요롭고 매력적인 경험을 선사한다. ‹카운트다운›은 또한 서울스퀘어 미디어센터와의 공동프로그램, 프랑스대사관과의 협력 프로젝트 Souvenirs From Earth, 인디밴드 공연(성기완 기획), 영화 프로그램(한선희 기획), 건축디자인 렉처(정소익 기획)을 초청하며, ‹카운트다운› 참여작가들의 아티스트 토크도 함께 운영한다.

문화재 복원과 문화 공간의 동거는 ‘문화’라는 공통분모를 포함하고 있음에도 불구하고 보존과 변화라는 상반된 지향점을 노출하고 있다. 물리적으로 구 서울역사는 문화재 보호법에 의해 복원을 훼손시키는 그 어떤 물리적 개입을 원칙적으로 허용하지 않는다. 특히 복원 개관 시점에서 문화역 공식출범 시기, 6개월 동안은 3년 동안의 복원공사의 결과를 보여주는 기간인 만큼 그 기간 동안에 전개되는 ‹카운트다운› 프로젝트는 문화재 보존 원칙을 완벽하게 존중하는 조건에서 출발했다. 예를 들어 벽, 천장, 바닥에 못을 박아야 하는 설치, 가벽을 필요로 하는 회화, 드로잉, 사진, 월 페인팅, 그리고 복원상태를 볼 수 없는 블랙박스 영상작업 등은 ‹카운트다운› 프로젝트에서 제외했다. ‹카운트다운› 참여 작가들은 이러한 물리적 한계를 수용하며 오브제, 사운드설치, 모니터를 활용한 영상작업, 퍼포먼스 등의 작업을 제안했다. ‹카운트다운›의 작품들은 구 서울역사 건립 시기, 한국의 근대화 시기 그리고 지금 현재의 시간을 자유롭게 운용하며 서울역의 공유된 역사와 개인들의 사적인 기억을 교직하는 작업들로 구성된다. 역사적 사실을 회고하는 노스탈지와 멜랑코리보다는 과거와 현재를 연결하며 새로운 시공간의 탄생을 기념하며 ‘기억’의 체험을 보다 다각적으로, 보다 풍요롭게 공유하고자 한다.

Former Seoul Station Art Complex
Culture Station Seoul 284
Opening Project

Seoul
Aug. 11. 2011-Feb. 11. 2012

정서영
title: 50:50
기존 전기 체계를 변형한 라이트 프로젝트, 2011

문화역서울 284의 1층 뒤쪽 복도 공간을 비추는 조명의 전기 체계를 변형하여 30분에 한 번씩 5초간 깜빡이게 하는 라이트 프로젝트로, 전등이 망가진 것 같은 효과를 주는 5초라는 찰나의 급격한 변화는 정상적으로 조명이 켜져 있는 평온한 상태를 더욱 부각시키며 새로운 균형감을 일깨우게 한다.

김나영 & 그레고리 마스 Nayoungim & Gregory Maass
title: That's right, Brown!

혼합재료, 가변설치, 2011

김나영과 그레고리 마스의 ‹That's right, Brown!›은 공간 내부의 나무장식과 같은 색으로 채색된 여러 가지 가구, 오브제, 조각 등을 과거 ‘그릴’로 불리웠던 구 서울역사 대식당 곳곳에 설치하여, 과거의 유물과 새로 추가된 오브제 사이의 간격을 해체함으로써 발견의 즐거움을 제공하는 작품이다.

구 서울역사 대식당과 비슷한 성격을 띠는 고성이나 타베른(taverne: 고풍스러운 레스토랑) 등에서 흔히 볼 수 있는 선반에 여러 물건을 올려놓고 장식하는 행위에서 영감을 받아 문화역서울 284에서 가장 고풍스러운 옛 그릴 공간을 흥미롭게 재구성하였다.

via http://www.countdown2011.org

Kim Kim Gallery Location

2011-10-11T17:09:00.001-07:00

Oct. 2011
Seoul

http://nicolaiseyfarth.com/

2011-09-15T18:57:00.000-07:00

Hot Mill Installation No.2

2011-09-15T16:38:00.001-07:00

@ The Corner Gallery
Seoul
Sep. 2011

Title: Hot Mill
Dimension: 326 x 245 x 89cm
Steel, light, Motor
2011

이대범의 눈: 정서영 / 무중력 공간

2011-09-10T21:25:00.000-07:00

on Chung Seoyoung's "Apple Vs. Banana" Show
in 아티클 article Magazine
Aug. 2011
Seoul

art:gwangju:11

2011-09-09T19:39:00.000-07:00

Sep. 2011
KDJ Convention Center
Gwangju, Korea

Nail Multiple Drafts

2011-09-08T22:36:00.000-07:00

title: Nail Vs. Drawing
Aug. 2011

Kim Kim Gallery Logo Paint

2011-08-28T18:43:00.000-07:00

Aug. 2011
Acrylic on canvas
52x38cm

Ansan, Korea

The Dandyism of Contempt

2011-08-27T00:35:00.000-07:00

Thursday, January 20 · 6:00pm - 10:30pm
Camden Town Unlimited, 15 Camden High Street, London, NW1 7JE

DATE: Thursday, 20th January 2011

LOCATION: CAMDEN TOWN UNLIMITED,
15 Camden High Street, London, NW1
U.K.

The Dandyism of Contempt is a performance art event curated by Vanessa Mitter and Joshua Y’Barbo with performances by: Mark McGowan, Brian ‘Dawn’ Chalkley, Jack Catling, The Skinjobs, Nicola Ruben Montini, Robin Bale, Douglas Park, Adham Faramawy, Alec Dunnachie, Pauline A. Amos, John Wild, James Gardiner, Kiki Taira, Lennie Lee, Frog Morris, Karl Weill and Edward Cotterill.

Who is the dandy? What is dandyism?
He is an ambiguous figure, both insider and outsider.
He hides in the shadows, only to come out to play and be admired at his best. Finally, he disappears into oblivion. ‘Cynicism’, claimed the Victorian novelist George Meredith is ‘intellectual dandyism’. According to Giorgio Agamben, Beau Brummell, the great Regency dandy ‘can claim as his own discovery the introduction of chance into the artwork so widely practiced in contemporary art’.

Provocation is his raison d’être. The dandy is dedicated primarily to an image of originality through ‘the abolition of any subjectivity from his own person’ . There is an implicit contradiction in this stance. ‘The dandy, after all, longs to recreate himself as an emblem of complete originality’ (Agamben).

Nevertheless, if the dandy had one genius, it was to be the first true performer of the self. The construction of himself was his greatest work of art. As Balzac wrote in his Treatise on Elegant Living, ‘making himself a dandy, man becomes a piece of boudoir furniture, an extremely ingenuous mannequin’. The dandy requires an audience in order to exist. ‘As the work of art must destroy and alienate itself to become an absolute commodity, so the dandy-artist must become a living corpse, constantly tending toward an other, a creature essentially nonhuman and antihuman’ (Agamben).

The artists in this performance event, although diverse, all share the dandy’s contempt for the prosaic, the mundane, the humdrum. There are elements of chance, although these are as well rehearsed as the elusive but exacting criteria of how to tie a cravat, Beau Brummell style. The figure of the dandy may belong to the past but the traces of his complex disregard and simultaneous adherence to a set of self imposed rules can be found in many of the performances in this show.

The Performance Event is on January 20th 2011 and performances will take place at Camden Town Unlimited starting from 6pm onwards.

Kim Kim Newsletter

2011-08-26T01:56:00.001-07:00

Aug. 2011

예술의 이익 What is Art Worth?

2011-08-25T19:14:00.000-07:00

전시명: 2011 대구세계육상선수권대회 기념전시 Now in Daegu 2011
기 간: 2011년 8월 24일 ~ 9월 18일
장 소: 구. 상업은행 대구지점
대구시 중구 향촌동 9-1
오프님: 2011년 8월 24일(수) 오후 5시 30분
웹사이트: www.nowindaegu.or.kr
주최: 대구광역시
주관: (재)대구디지털산업진흥원

예술의 이익 What is Art Worth?
기획: 양지윤, 독립 큐레이터

참여작가: 강영민, 고낙범 , 김구림, 김기철, 김나영+그레고리 마스Gregory Maass(독일), 김미련, 김영섭, 니키리, 피필로티 리스트Pipilotti Rist(스위스), 박찬경, 박현기, 백남준, 퍼사인 브로어슨 & 마르짓 루카츠 Persijn Broersen & Margit Lukács(네덜란드), 안유진, 양아치, 유비호, 이재이, 임창민, 장영혜중공업, 전미래, 디륵 플라이쉬만Dirk Fleischmann(독일), 인디애니페스트Indie-AniFest, 대구경북독립영화협회
An island of Boredom
2011
648x290x90cm
metal, wood, ceramic, mixed media

An island of Boredom
2011
210x80x215cm, 210x90x46cm
metal, light, ceramic, mixed media
Photo by 황우섭

Korean Won Travellers Cheques
2011
Ballpoint Pen Drawing on Vintage Poster
52x79cm

Nail Multiple

2011-08-25T16:24:00.000-07:00

26 Drawings for Nail Multiple
9x5,4cm
ink on paper
2011
Seoul

Photo by Chung Seoyoung

Frame dimension: 22,5 x 31,5 x 2cm

Kim Kim @ Art:gwangju:11

2011-08-25T07:14:00.000-07:00

Kim Kim Gallery at Art Gwangju : 11
킴킴 갤러리 @ 아트:광주:11

Artists:
Chung Seoyoung 정서영
Nakhee Sung 성낙희
Kim Beom 김범
Robert Estermann 로베르트 에스테르만
Nakion Sung 성낙영
Douglas Park 더글라스 파크
Nayoungim & Gregory Maass 김나영 & 그레고리 마스

Date:
Wednesday, 31st August Sunday, 4th September 2011
(VIP/Press Viewing: 31st August)

Location: Booth No: 57
KDJ Convention Centre in Gwangju, Korea
http://www.artgwangju.com/

1. 참여작가 소개 (국문)

킴킴 갤러리는 정서영, 성낙희, 김범, 로베르트 에스테르만, 성낙영, 더글라스 파크와 김나영 & 그레고리 마스의 작업을 소개한다.
정서영은 한국을 대표하는 개념주의 조각가로서 언어와 사물의 간극에서 일어나는 부조리함을 일상의 오브제들을 통해 재현한다.
성낙희의 유기적이고도 카오틱한 추상회화는 인간 정신세계의 즉흥적 일면을 다양한 색과 재료를 통해 재조율해나간다.
스위스 작가 로베르트 에스테르만은 인간의 존재론적 불확정성과 한계 혹은 그 무한한 가능성을 드로잉의 선율을 통해 드러낸다.
음악가이자 화가인 성낙영은 추상 회화, 디자인, 드로잉을 통해 하위문화적 감수성을 마치 평면에서 펼쳐지는 그라피티 퍼포먼스처럼 재현한다.
김나영 & 그레고리 마스는 작가이자 킴킴 갤러리의 디렉터이며, 통속적이고도 대중적인 사물들을 예술화함으로써 예술적 정치적 이데올로기를 유머러스하게 해체시킨다.

2. 참여작가 소개(영문)
Kim Kim Gallery presents works by Chung Seoyoung, Nakhee Sung, Kim Beom, Robert Estermann, Nakion Sung, Douglas Park and Nayoungim & Gregory Maass.
Chung Seoyoung’s conceptual sculpture deals with the absurdity that exists between language and objects by creating an unpredictable encounter of modern life.
Nakhee Sung’s abstract painting, characterized by its organic, cosmic and chaotic quality, examines the improvisation of a human being’s inner world, tuning with different colors and materials.
Robert Estermann represents uncertainty, limitation or/and the limitless possiblities of human existence through the language of drawing.
Musician and painter, Nakion Sung uses abstract painting, graphic design and drawing to delineate a scene of underground street culture, seemingly expressed as a graffiti-performance in two dimensions. As artist and director of Kim Kim Gallery, Nayoungim & Gregory Maass employ common and popular objects transformed into art works which humorously destruct and reconstruct the ideologies of art and society.

1. 갤러리 소개 (한글)

킴킴 갤러리는 2008년 듀오 작가 김나영과 그레고리 마스가 창립한 갤러리이자 미술작업이다. 킴킴 갤러리는 일정한 공간 없이 기획의도에 따라 예측불허의 장소와 전시형식을 시도하며, 이를 통해 현대미술의 구조에 개입한다. 오늘날 미술과 사회의 관계변화에 대한 실용주의적인 접근으로, 기존의 전시 방법과 미술의 경제 구조에 질문을 던지고 “비정규 마켓팅 Unconventional Marketing” 전략으로 그 해결점을 찾고자 하며, 이에 따른 독립성과 효율성을 지향한다. 킴킴 갤러리는 2008년 글라스고의 마켓 갤러리에서 갤러리 개관전, 2009년 베를린의 패션 브랜드인 Rob-ert 쇼룸과 대구의 신라 갤러리에서 게릴라 전시를 하였고, 지난 6월 서울 계동의 현대문화센터에서 정서영 개인전 <사과 vs. 바나나>를 기획하였다.

2. 갤러리 소개 (영문)

KIM KIM GALLERY was founded by Gregory Maass and Nayoungim on the occasion of a solo-show at the Market Gallery in Glasgow, Scotland in 2008. Kim Kim Gallery is a locative artwork, which parasites on existing exhibition spaces, ranging from museums and galleries to model apartments and art fair stands.
Kim Kim Gallery´s methods of mad marketing, and activity of displaying, production, and acquisition of art are considered individual forms of artistic expressions by the owners. The objective of this work is to show flexible alternatives to the common ways to propagate art and to become object of a discussion. The second Kim Kim Gallery took place at Ro-bert™ in Berlin, Germany and the third at Gallery Shilla, Deagu, Korea. Kim Kim Gallery has recently organized , solo exhibition of Chung Seoyoung at Hyundai Cultural Center in Seoul.

Post Paulo Futurum

2011-08-25T05:13:00.001-07:00

Untitled public intervention (with Cel Crabeels and Rik Desayer), 'Paulo Post Futurum', group exhibition reception event, Stadt Museum, Breda, 2007

Serialised text, ‘Locked-up metric tide (stuck on hold) / Free land wave outflow set loose’, untitled double-sided postcard suite (photographic images by Nico Dockx and design etc by Jean-Michel Meyers), Curious, Antwerp / Lokaal 01, Antwerp, Breda / Stadt Museum, Breda, 2007

All images ©, Copyright, Cel Crabeels and Rik Desaver, 2007

http://slashseconds.org/issues/003/002/articles/dpark/index.php

What Happened to my sculpture?

2011-08-15T19:07:00.001-07:00

ink and marker drawing on paper
1996
21x15cm

ink and marker drawing on paper
1996
21x16,5cm

Hot Mill

2011-08-15T04:06:00.000-07:00

Photo by Felix park
via Facebook

The Whales, Time Diver
@ The National Theater Company
Aug. 2011
Seoul

참여작가: 김나영 & 그레고리 마스, 최승훈 & 박선민, 조은지, 이행준, 최준용, 타카히로 카와구치, 윤한솔(극단 그린피그), 이주영, 이나현(Ubin Dance), 김동규, 양아치, 서영란, 조성린 & 박길종

기획: 김남수, 김해주 (국립극단 학술출판팀)
협력 큐레이터: 구정연, 오선영, 현시원

Enframe

2011-08-15T03:55:00.001-07:00

Ansan, Korea
Aug. 2011

art:gwangju:11 Directory Book

2011-08-09T04:34:00.000-07:00

Aug. 2011

Door to the Clay Class

2011-08-07T17:28:00.001-07:00

7 weeks after the opening

in Môtiers 2011 – Art en plein air
18 June - 18 September 2011
Prieuré St-Pierre, Môtiers
Val-de-Travers, Switzerland

Nail Multiple Drafts

2011-08-07T16:55:00.000-07:00

Aug. 2011
Ansan, Korea

art:gwangju:11

2011-08-06T05:00:00.001-07:00

Booth: G57

The Whales, Time Diver

2011-08-05T17:32:00.001-07:00

고래-시간의 잠수자
Group Show
The National Theater Company
12-21 Aug. 2011
Seoul

Robert Estermann edition

2011-08-04T06:59:00.000-07:00

title: Double Calling
2010

15 +5AP/EA
signed and numbered on the back
medium: Photography (Gelatin silver print)
14 x 20.3 cm

text: An exposed iceberg
or an illuminated ice floe

Announcements

2011-08-04T05:07:00.001-07:00

Series
Marker Drawings on paper
2010

우열을 가리기 힘든 완벽함, 김나영 vs. 정서영

2011-07-30T03:47:00.000-07:00

http://magazyn.co.kr/?p=5582
Posted on July 29, 2011 by 미 아

2011년 6월 서울 종로구 계동의 현대(주택)문화센터의 방치된 모델하우스 공간에서 정서영 작가의 전시가 이루어졌다.
이 전시는 김나영과 그레고리 마스(Gregory Maass) 두 작가가 운영하는 킴킴 갤러리(Kim Kim Gallery)가 기획한 것으로, 2008년 처음 문을 연 킴킴 갤러리의 네 번째 전시이자, 최초의 개인전으로 진행되었다.
갤러리스트이자 작가로 종횡무진 활동하는 김나영과 작가 정서영, 그리고 킴킴 갤러리의 매니저 배은아 씨가 함께 한 자리에서 우리는 전시를 구성하는 두 가지 중요한 층위, 즉 이번 전시가 작품의 일환으로서 갤러리를 운영한다는 흥미로운 컨셉을 지님과 동시에, 새롭게 ‘발견된’ 공간에서의 개인전이라는 의도치 않은 ‘전략’에 대하여 이야기를 나누었다.

*사진 출처 : 김나영 & 그레고리 마스 블로그 + 김나영의 페이스북 + 킴킴 갤러리 블로그

1. 보통 갤러리라고 하면 매우 상업적인 공간입니다.
전속작가와 계약을 맺고, 전시를 하고, 작품을 판매하는 곳이죠. 그렇다면 킴킴 갤러리는 일반적으로 우리가 생각하는 갤러리의 개념에 얼마만큼) 부합하는지 알고 싶습니다. 어떤 인터뷰에서 킴킴 갤러리가 두 분(김나영과 그레고리 마스) 작업이라고 하셨고, 킴킴 갤러리의 개관전이 되는 2008년도 스코틀랜드 전시 제목이 《킴킴갤러리》였던 것으로 알고 있습니다. 그렇다면 이 갤러리가 처음에 어떤 계기로 시작되었는지, 네 번의 전시를 거치면서 어떻게 변화했는지 알려주세요.

김나영: 스코틀랜드 글라스고(Glasgow)에서《킴킴 갤러리》라는 제목으로 개인전을 했어요.
당시에 우리(김나영과 그레고리 마스)는 잘 안 나가는 작가이니까, ‘집어치우고 화랑이나 할까’하는 농담을 하곤 했는데, 작가, 작품, 화랑, 기존 미술 제작, 배급, 상업구조 사이의 문제는 뭘까? 가 관심이었죠. 글라스고는 대영제국의 아트신(art scene) 중 런던 다음으로 중요한 곳이라고 합니다. 부유한 컬렉터가 많은 런던에 비해 글라스고는 작가도 많고, 화랑도 제법있고, 컬렉터는 없는 특이한 도시였습니다. 글라스고 출신 화랑 중에 매리 매리 갤러리(Mary Mary Gallery)라고 있는데, 운영자의 이름이 매리도 아니고, 화랑 공간 없이 본인의 좁은 아파트에서 시작해 지금은 성공한 화랑이 되었지요. 이런 상황에서 갤러리 런칭 쇼를 했던 겁니다. 그때는 화랑을 운영하겠다는 계획보다는 우리가 왜 갤러리를 하려는지, 미술을 보여주는 공간 혹은 시스템 자체를 다르게 할 수 있는 방법에 대하여 연구하면서 전시를 만들었어요.
그 뒤 얼터너티브한 감각이 앞선다는 베를린을 갔어요. 우리가 파리에 갔다면 그런 생각을 못했겠는데, 베를린에서는 우리가 간단히 화랑을 해도 되겠다는 생각이 드는 거예요. 그래서 잘 알고 지내던 작가들을 모아 친구의 패션 브랜드 쇼룸에서 깜짝 전시회를 열었어요. 현지 작가들은 실제 작품을 전시했고, 기술적인 문제(운송)로 실물을 보여주기가 불가능했던 다른 작가들은 작품을 프린트해서 붙여 우리가 조각을 만들었어요. 신기한 것이 관객들이 화랑 전시라고 믿고 보더라구요. 심지어 작품 가격을 묻기도 하고요. 그래서 ‘화랑이라는 것이 꼭 우리가 알던 것이 아니어도 되는구나’ 한 거죠. 킴킴 갤러리는 경제적인 엘리트에 대한 이해, 미술과 돈의 관계에 대한 의미있는 질문을 해보기라고 생각합니다.

2. 갤러리라는 타이틀을 걸고 기획된 몇 차례 전시는 보는 이로 하여금 미술제도권 내에 위치한 갤러리에 대하여 환기시키는 효과가 있었습니다. 특히 2009년 대구 신라 갤러리에서 진행되었던 킴킴 갤러리 그룹전에서는 전시장 내에 킴킴 갤러리 ‘사무실’을 들여놓아 ‘갤러리 안의 갤러리’라는 개념을 선보이셨습니다. 미술 제도권에 대한 공격적인 비판은 아닐지라도, 이러한 전시 방식이 갤러리의 대안을 제시하고자 했던 것인지, 혹은 특정한 의도가 있으신지 알고 싶습니다.

김나영: 비판이라기보다는 작가 입장에서 재미있는 것을 하고 싶어요.
기존 시스템이 궁금하기도 하고, 어떻게 하면 잘 될까를 연구하고 배우고, 그 시스템을 꼭 따라야 하는 의무적인 관계도 아니니까요.
이제까지 킴킴 갤러리 기획이 매번 달랐던 것처럼, ‘이번엔 어떻게 놀아볼까?’ 하면서 각 상황에 따라 창의적이고 유동적으로 전시를 만들어갑니다.
우리가 약은 점은 ‘작가, 작품, 판매라는 개념이 분명한 물건인 갤러리’ 라는 그릇을 가지고 쓰기 때문에 자유롭고 편한 위치를 확보합니다.
우리가 작가이기 때문에, 보통 작가로서는 건드리기 힘든 다른 영역에도 가보는 장점도 있는 것 같고. 비유하자면 몸이 가벼운 스쿠터를 타서 놀면서 안가본데도 편리하게 다닐 수 있는 거죠..

3. 이번 정서영 작가의 전시는 킴킴 갤러리에 대해 이해할 수 있는 구체적인 예가 될 텐데요. 현대(주택)문화센터 안의 모델하우스라는 장소도 흥미롭고, 그만큼 정서영 작가의 작업과정 이야기도 재미있었을 것 같습니다. 어떠했나요?

정서영: 이곳은 제가 평소에 재미있어 하는 분위기가 집약적으로(intensive) 들어있어요.
아파트 모델하우스라는 게 숨어 있잖아요. (*이 장소는 1990년대에 지어진 24평형, 33평형 아파트 모델하우스로, 화장실, 베란다, 아이방 등이 실제 크기로 만들어져 있다.)
가짜로 만든 것이 그득하다는 점이 무척 재밌었고, 기존 작품에 쓰는 재료들이 여기에도 이미 있다는 점도 흥미로워서 선택하게 되었죠. 처음에 여러 아이디어가 있었지만, 이번에는 갤러리의 의견에 많이 따랐어요. 킴킴갤러리 자체도 새로운 시도잖아요. 전시 자체도 새로운 방식과 과정으로 진행되고 만들어졌기 때문에, ‘나도 일하는 방식을 다르게 해보자’ 했죠. 그래서 이곳에 들어와 작업하게 된 것도 갤러리 사장님의 권유였고. (웃음) 특별히 전형적인 의미에서의 ‘장소 특정적(site-specific)’인 것은 아니지만 이 장소에서 작업하면서 가졌던 생각들이 결과물로 나온 것이기 때문에 기존과는 또 다른 작업방식이 나온 것 같아 그 과정을 즐겼다고 생각해요. 애초에 열어놓고 시작했으니까.
현대(주택)문화센터의 전시 전에 가로수길에 오픈 갤러리를 만들어서 작품을 판매했던 것도 재미 있었어요. 모르는 사람들이 슥 와서 작품 보고 그 자리에서 곧바로 포장해서 들고 가는 게 보통 그림 사가는 모습은 아니잖아요. 못 보던 일들이 일어나는 것이 새로워요. 비판한다는 건 무엇인가를 겨냥한다는 의미잖아요. 대상을 겨냥하지 않고도 재미있는 일들이 벌어진다는 것은 매우 흥미롭죠.

4. 2010년 공간 해밀톤에서의 전시라든가 현재 진행 중인 아트선재센터의 라운지 프로젝트의 예에서, 두 분(김나영과 그레고리 마스)의 작업은 작품 하나하나에 집중한다기보다는 오브제가 공간 안에서 어떻게 조화 혹은 상충을 이루는지 계속 고민하고 조율하면서, 넓은 시각으로 공간 안에서의 디스플레이나 디자인적인 측면까지 고려한다는 느낌을 받았습니다. 다시 킴킴 갤러리가 김나영 작가와 그레고리 마스 작업의 연장선상에 있다는 이야기로 돌아가 보면, 기존 갤러리처럼 전시만 하는 것이 아니라 전시 공간을 발견하고, 작가와 작품을 프로모션 하는 다양한 틀과 담론을 제시하는 다층적인 구조를 이루는 듯 보이는데요.

김나영: 맞는 것 같아요. 우리가 설치 작업을 하는 거나 (킴킴)갤러리를 하고 있는 것이나 비슷한 시스템으로 진행될 수밖에 없다고 생각해요. 각자 머리는 하나니까요. (웃음) 처음부터 굳건한 기획 의도를 가지고 하지는 않지만, 이것저것 해보면서 뭐가 맞을지 궁리해보는거죠. 갤러리를 전업으로 하지는 않지만, 기존의 것을 비틀어보고 돌려보면서 뭔가 재밌는 것이 나오지 않을까 궁리하는 것 자체를 즐기는 거죠.

배은아: 킴킴 갤러리는 일종의 퍼포먼스라고 생각해요.
작품을 전시하고 판매하는 갤러리의 기능도 있지만 작가들 스스로 새로운 것을 경험하고 새로운 생각을 만들어내고 그것을 행동으로 옮기고 결과물을 만들어내는, 모든 과정을 작가 스스로 벌려놓고 스스로 수습하는 다른 형식의 퍼포먼스라는 개념이 킴킴갤러리의 전시 내에 있다고 생각해요. 그리고 사고 자체가 구조적인 사람이 바로 김나영 씨라고 생각합니다. 시스템을 통으로 보고, 정직하고 날카롭게 구조를 볼 수 있는 시각을 가진 분이 김나영 씨고, 킴킴 갤러리가 그러한 측면에서 하나의 틀 혹은 예가 될 수 있다고 생각해요.

(*전시 기간 중 하루 ‘킴킴 살롱’이 같은 건물 강당에서 진행되었다. 강수미의 출판 강연과 모노드라마로 구성된 이번 연계프로그램은 김나영 작가의 말을 빌리자면, 발터 벤야민의 실용적인 생각에 대한 강수미의 강연이 이번 전시에서 내포하는 실용적인 문제와 연관되었기에 기획되었다고 한다.)

5. 킴킴 갤러리가 일반적인 갤러리와 또 다른 점이 바로 정해진 장소가 없는 ‘무형’의 갤러리라는 것인데요.
각 전시마다 공간을 결정하는 기준이 있는지 알고 싶습니다. 더불어 요즘에 한국에서 새로운 형태의 무형의 일회적인 전시 혹은 프로젝트가 생겨나는 이유는 무엇이라고 생각하시나요?

김나영: 일단 장소를 그리 까다롭게 고르진 않아요. 우리가 옮겨 다니다보니 가능한 곳에서 전시를 하고 있다고 보는 편이 맞을 거예요. 이번에는 이 장소를 섭외했지만, 불가능했다면 다른 곳에서 다른 방식으로 했겠죠. 이번 달에 우리가 참여하고 있는 단체전《Hit-and-Run》과 같은 새로운 형태의 전시와 프로젝트가 생겨나는 이유는 그것이 2011년도에서 나올 수 있는 생각이자 형태이기 때문이겠죠.

정서영: 예전에도 이런 의도와 기획은 많았어요. 하드웨어 없이 할 수 있는 활동에 대한 생각은 많았는데, 시간이 지나면서 여러 실험을 거쳐서 실천력이 생긴 거겠죠. 이제는 사무실이나 집이 없어도 온라인 상에서 대화와 연계가 충분히 가능하고 굉장히 쉬워진 덕택인 거죠.

6. 이번 정서영 작가의 전시 제목인 《사과 vs. 바나나》가 너무 인상적인데요. 어떻게 만들어진 것인지 궁금합니다.
그리고 이번 갤러리의 타이틀과 더불어 두 분(김나영과 그레고리마스)의 전시에서 제목이 가진 언어유희적인 측면에 대해서도 이야기해보면 좋을 듯합니다. 예를 들어, 해밀톤의 전시에서는 기존의 속담을 뒤집은 <일찍 일어난 벌레가 새를 잡는다> 라는 제목을 썼고, 2010년 금호미술관에서는 라는 문장을 제목으로 선보였죠. 다른 전시에서는 경제학자의 말을 빌리기도 하셨구요.

정서영: 원래는 ‘사과와 바나나’로 하자고 제가 제안을 했어요.
그런데 김나영쪽에서 ‘사과 vs. 바나나’가 어떻겠냐고 하길래 그렇게 하자고 했죠. 전자보다는 후자가 두 개의 사물의 의미를 강화시키는 것 같아서였지요. 사실 사과와 바나나는 제가 가지고 있던 오래된 아이템이었어요. 베를린에 있을 때 하루는 점심시간에 슈퍼마켓에서 나온 한 청년이 빨간 사과와 노란 바나나를 각 손에 들고 가더라구요. 거기서는 점심에 과일을 흔히 먹으니까요. 그 모습이 너무 재밌다 싶어서 이미지로 써볼까 했는데 생각보다 어렵더라구요. 그러다가 이번에 전시 제목에서 사용하게 되었죠.

김나영: 전시 제목을 결정하는 것은 기술적인 문제하고도 결부되는데, ‘빨리’ 또 ‘많이’ 협업을 하는 그레고리와 저는 의사소통에 효과적인 Reference 가 복잡한 제목을 써서, 서로 어떻게 반응하는지 보면서 작업을 진행하지요. 사과와 바나나라는 과일은 우열을 가리기 힘들게 완벽하고, 선택의 문제잖아요. 또 정서영의 작품 하나하나가 과일처럼 아름답고 완벽하다고 생각하기 때문에 사과 vs. 바나나 라고 부르게 되었죠.

7. 킴킴갤러리의 작가를 선정하는 기준도 그렇고, 선생님의 전시에서 ‘발견된’ 오브제를 가져와서 변형하고 공간에 전시를 하는 과정 중에서, 오브제를 취합하고 선택하는 특별한 기준이 있을 것 같은데, 어떤 것인가요.

김나영: 오브제나 작가를 선택하는 기준은 꽤 분명한데, 내재한 힘이 중요하다고 생각해요.
어떤 사람들은 왜 촌스럽고 키치한 것을 좋아하느냐고 묻기도 합니다. 물론 촌스러운 것을 좋아하는 것은 아니고 그 사물이 가진 강한 힘을 좋아하는 것이에요. 이것이 긴장감을 주기 때문이죠. 이번 전시도 정서영과 그의 작품이 가진 힘 때문에 재미있을 것 같아서였어요.
사물이나 작품에 내재한 힘을 느끼는 것은 본능이라기 보다는 지식이라고 생각해요. 대중 문화적이고 디자인적인 본인의 지식과 미술과 문화에 대한 지식, 그리고 작가로서의 본능이 함께 작용하는 것이 아닐까 싶네요.

8. 킴킴 갤러리의 첫 번째 개인전인 이번 전시는 갤러리스트나 큐레이터가 작가에게 접근하는 방식과는 다를 수밖에 없을 텐데요. 작가로서 전시를 진행하시면서 불편하다거나 다른 점이 있었나요?

정서영: 김나영은 작가인데 동시에 갤러리스트의 역할을 하고 있는 거잖아요.
그 스스로가 작가이기 때문에 작가인 내가 무엇이 필요한지를 알고 이해해주는 부분도 있고, 나도 나영씨가 작가이기 때문에 무엇을 원하는지 이해하는 경우도 있고. 그래서 많은 이야기를 나누지 않고도 전시를 진행할 수 있었던 것 같아요. 또 오랫동안 봐왔던 사이이기 때문에 상대가 하고자 하는 이야기에 대한 이해가 빨라 전시진행이 신속했다는 장점이 있죠. 그리고 일반 갤러리들이 작가에게 해주는 게 있긴 한가요? (좌중 폭소) 갤러리가 있으나 없으나 전혀 차이가 없기 때문에 전시를 진행하면서 별로 차이점을 못 느꼈어요. 오히려 여러 제반적인 부분은 물론이고, 언더 컨스트럭션(under-construction)을 위해서 어시스턴트를 붙여주는 등 심리적으로 도움이 많이 되었어요.

9. 제가 인상 깊게 읽었던 다이안 아버스(Diane Arbus)라는 사진가가 쓴 에세이의 한 구절을 빗대어 질문하고 싶습니다. “나는 세상의 본성에 대해서 다가가려 했다. 내 작업이 세상의 ‘완벽한 온도계’라고, 즉 나의 작업이 세상을 잘 반영한다고 생각했으나 결국 그것은 나의 착각이었다”고 그 에세이에서 고백적으로 썼습니다. 스스로 작업을 하실 때, 본인 바깥에 놓인 외부의 환경에 영향을 받고 반응을 보여서 재생산을 하려고 노력 하시는 편인가요? 마지막으로 관람객이 이번 전시를 보고 어떤 것을 가져갔으면 하는지 기대하는 바가 있을까요?

정서영: 그렇게 하려고 노력하지 않아도 그렇게 되는 거구요. 내 안에서만 일어나는 일이건, 외부와의 관계 자체를 숙고하건 어떤 레퍼런스를 열심히 생각하고 있든 간에, 그 모든 것이 저에게 영향을 주는 것이구요. 그것을 직접적으로 표현하려고 하지는 않지만, 나는 그런 것을 경험했고 생각했고 무엇을 읽고 있으며 누구를 만난 사람이기 때문에 하는 행동을 해요. 그러나 내가 그런 모든 것들을 하고 있다는 것에 대해서는 예민하게 인식하고 있어요. 누구를 만났고 무엇을 읽었고 예민하게 인식하고 구분하려 하고 균형을 잡으려고 계속 노력을 하죠. 외부와의 관계를 민감하게 반응하지만 그것을 위해서 작업을 하지는 않는다는 것. 태도의 차이라고 생각해요. 아마 대부분 작가들은 그런 것을 표현하려 할테지만.
그리고 제 전시를 본 관객에게서는… 언제나 그런 기대는 별로 없어요. 그런 것에 대해서는 예측을 할 수도 없구요.
제가 작업을 했지만 작업을 하고 있는 순간 이미 다른 것을 생각하고 또 다른 것이 시작되기 때문에.

INTERVIEWEE
김나영
그레고리 마스와 듀오로 활동하며, 킴킴 갤러리의 대표이다.
‘오늘날 작가로 산다는 것은 먼 계획을 세우는 것이 불가능하다’고 말하는 김나영 작가
http://www.nayoungim-maass.com
http://kimkimgallery.com/

정서영
킴킴갤러리 첫 번째 개인전 《사과 vs. 바나나》 작가. 쌈지스페이스 1기를 시작으로 크고 작은 전시를 통하여, ‘스스로 빛나고 진동하는 사물과 언어(김현진)’를 공간 안에서 여과 없이 선보이고 있다.

배은아
킴킴 갤러리 매니저

INTERVIEWER
미 아
초등학교 6학년 때 베르나르 베르베르의 소설 <개미>를 보고 세상의 이면에 대해 숙고하기 시작한 몽상가이자 이상주의자. 미술계에서 일하면서도 여전히 작은 빈틈을 찾아 기웃거리고 있다.

이경희
magazyn.co.kr 에디터

Camouflage paintings

2011-07-26T05:25:00.000-07:00

Oil painting on canvas
2007-2010
Berlin

한국- 호주 현대미술 전시회 'Tell Me Tell Me'

2011-07-25T18:18:00.000-07:00

[시공간 초월한 양국 작품간의 대화 돋보여]

1976년 백남준 작가의 시드니 방문 및 다수의 한국 작가들이 참여했던 76년 시드니 비엔날레에서 영감을 얻은 현대미술 전시회 '텔미 텔미: 한국-호주 현대미술 1976-2011(Tell Me Tell Me: Australian and Korean Art 1976-2011)'이 오늘(17일)부터 달링허스트에 소재한 내셔널 아트 스쿨 갤러리(National Art Scholl Gallery, 이하 NAS 갤러리)에서 개최된다.
이번 전시는 시드니 현대미술관(MCA, Museum of Contemporary Art)과 서울 국립현대미술관이 협력한 첫 번째 전시로, 주최측은 지난 16일(목) 기자 간담회를 가졌다.
이날 기자 간담회에는이번 전시를 함께 기획한 MCA의 글렌 바클리(Glenn Barkley)와 국립현대미술관의 김인혜 큐레이터가 전시 설명 및 작품 소개 등을 진행했다.
'텔미 텔미'라는 전시 제목은 1976년부터 2011년에 이르는 한국과 호주의 현대 미술 작품이 시공간을 넘어 서로 대화를 나누고 있는 모습을 구현하며, 이를 통해 양국간의 문화적 교류를 이끌고자 하는 취지에서 기획됐다.
또한 MCA의 글렌 바클리 큐레이터가 몇년 전 한국을 방문했을 때 유행했던 동명의 가요에서 착안해, 이 제목이 한인들에게 친숙하게 다가올 뿐만 아니라 해당 가요 역시 지난 80년대의 미국 팝송을 원곡으로 하고 있다는 점에서 과거-현재, 동-서양의 만남을 주제로 한 이번 전시회와 성격이 맞아 최종 전시제목으로 정해진 것으로 전해졌다.
설치 미술 작품으로 대부분 구성된 이번 전시회에 대해 글렌 바클리 큐레이터는 "70년대 호주에서는 포스트 오브젝트 아트(post-object art: 예술의 대상성(對象性)보다 예술가의 이념•인간성을 강조) 바람이 일었다"고 전했으며, 실제로 최근까지 이어져 온 이 같은 방식의 예술작품들이 이번 전시회에 많이 포함됐다.

김인혜 큐레이터는 한국 작가와 작품, 한국 사회의 역사적 배경 등을 설명하며 "70년대 유신 시절에도 한국의 예술계에서는 자유로움을 추구하는 작가들이 있었으며, 그러한 취지가 잘 드러난 작품들이 이번에 많이 전시됐다"고 전했다.
또 그는 "세상이 빠르게 변하고 있지만 과거와 현재의 작가들은 결국 기본적이고 근본적인 물음과 소재를 통해 예술 작품을 만들고 있음을 발견할 수 있다"고 소감을 밝혔다.

한편 오늘(17일) 오후 12시 30분부터 약 한시간 동안 김인혜 큐레이터와 이수경, 정서영 작가와 함께 한국어로 이뤄지는 'Artist Talks'가 개최되며, 오후 6시에 시작되는 공식 오프닝에는 공연자 정마리씨가 공연하는 이수경 작가의 퍼포먼스가 있을 예정이다.

뉴스일자: 2011년06월17일
via http://moneytodayaustralia.com.au

선인장: 하이데거와 함께 작품 읽기

2011-07-25T17:57:00.000-07:00

LOOK OUT
정서영展
2000. 3. 17.~5. 14.
아트선재센터

“진리의 작품 가운데로의 자기 정립으로서의 예술은 시작(詩作)이다.... 왜냐하면 작품이 작품으로서 현실적일 수 있는 것은, 오직 우리들이 우리들 자신의 본질 자체를 존재자의 진리 가운데 세우기 위하여 일상성을 떠나 작품에 의해 열려진 곳 가운데로 들어 설 때이기 때문이다. 예술의 본질은 시다. 또 시작(詩作)의 본질은 진리의 수립(Stiftung) 이다.... 모든 창작(Schaffen)은 길어냄(Schofen)이다.” - 하이데거, <예술작품의 근원>

전시장 입구에는 작은 선인장 화분이 놓여 있다. 그러나 왠지 좀 이상하다. 다시 자세히 살펴보면 그것은 진짜 선인장이 아니다. 작은 화분 모양의 시멘트 덩어리 위에 선인장처럼 생긴 꽃꽂이용 스티로폼이 얹혀져 있을 뿐이다. 그것은 선인장이라 이름 붙여져 있다.

이 선인장은 (사물을 신체로부터 분리시켜 너무 먼 곳에 둔 해석이라 하여 하이데거가 비판하는) “특징들의 수용체로서의 사물”도 아니고 (사물을 지나치게 우리의 신체 곁으로 밀어부치는 해석이라 하여 역시 하이데거가 비판하는) “감각대상으로서의 사물”도 아니다. 오히려 그것은 사물 자체가 자신의 자족성 가운데서 머무는 것을 허락하는 “형상화된 질료로서의 사물”이다.일상생활 속에서 우리가 만나는 모든 사물은 의미라는 단단한 껍질로 코팅되어 있다. 예컨대 우리가 “책상”이라는 물건을 책상으로 받아들이는 것은 그것을 일단 순수한 하나의 사물로 받아들이고 난 후에 그것의 여러 가지 물적 특성 (나무와 쇠붙이로 만들어져 있고 이러저러하게 생겼다는 사실)을 파악해서 그것을 “책상”이라 해석하는 것이 아니다. 오히려 우리는 우리를 둘러싼 생활세계가 부여하는 특정한 상황적 맥락 속에 존재하는 특정한 사물을 “책상”이라 이해한 연후에야 비로소 그 책상이 제공하는 여러 가지 특성을 파악해 들어갈 수 있을 뿐이다. 마찬가지로 우리는 정서영의 <선인장>을 우선 선인장으로 받아들인 다음에 그것의 물적 특성을 살펴보게 된다. 그러나 그것의 물적 특성은 그것이 선인장이 아니라는 사실을 분명히 말해준다. 바로 이것이 정서영의 작품들이 주는 혼란과 즐거움의 근원이다.

하이데거는 <존재와 시간>에서 사물의 존재 양식에는 물적현전 (bodily presence), 텅빈의도 (empty intending), 그림사물 (picture-thing)이라는 세 가지 형태가 있다고 주장한다. 이러한 세 가지 형태의 존재 양식을 분명히 드러내고 있는 작품이 조셉 코서쓰의 “하나의 그리고 세 개의 망치들”(1965)이다. 이 작품은 하나의 망치 자체 (물적현전), 그 망치의 사진 (그림사물), 그리고 망치라는 단어의 사전적 설명 (텅빈의도)이라는 세 가지 존재 양식을 나란히 제시하고 있다. 그러나 정서영의 <선인장>은 이러한 세 가지 형태의 존재 양식 어디에도 해당되지 않는다. 바로 이것이 정서영의 작품들의 독특한 점이다.

우선 <선인장>이라는 작품은 하나의 사물이기 때문에 “텅빈의도”라 할 수는 없다.
그 <선인장>은 선인장으로서의 물적 특성을 갖고 있지 않기 때문에 “물적현전”으로서의 선인장이라 할 수도 없다.
그렇다고 해서 그것이 다른 어떤 것을 지칭하는 기호로서의 “그림사물”인 것도 아니다. 예컨대 뒤샹의 변기는 “샘물”이나 혹은 다른 어떤 것을 지칭하는 기호로서 기능하지만 정서영의 <선인장>은 자기 자신만을 지칭하고 있을 뿐 다른 어떤 것도 지칭하지 않는다. 즉 자기 완결적인 존재로서의 “자기지칭 (self-reference)”인 셈이다.

<선인장>뿐만 아니라 <전망대>, <수위실>, <카펫>, <스포츠식 꽃꽂이> 등 다른 작품들도 마찬가지다.
이들은 모두 자기 자신을 지칭할 뿐이다. 만일 나선형의 탑 같은 모양의 <카페트>를 “바벨탑”이나 “초원위의 사원” 등으로 이름 붙였더라면 그것은 마치 하나의 기호이거나 상징이기를 원하면서 다른 무엇인가를 지칭하려 하는 레디메이드나 누보레알리즘 계열의 작품들과 별다를 바 없었을 것이다. 뒤샹의 “샘물”은 샘물인 것이지 결코 변기가 아닌 것이다. 그러나 정서영의 선인장은 그저 선인장일 따름이다.

하이데거에 따르면 도구와 예술작품은 모두 “만들어진 것”이라는 공통점을 갖는다. 그러나 도구의 본질은 그 용도성에 있다는 점에서 예술작품이 갖는 자족성을 결하고 있다. 순수한 예술작품은 무목적적인 성격을 그 특징으로 하며 어떠한 용도성도 갖지 않아야 한다. 하이데거가 지적하고 있듯이, 예술 작품은 “미적 가치가 덤으로 첨가되어 있는 도구는 결코 아니다.” (하지만 오늘날 얼마나 많은 미술작품들이 특정한 용도성을 위해 제작되고 있는가? 우리는 아마 이러한 것들을 “도구적 미술작품”이라 부를 수도 있을 것이다.) 정서영의 작품들은 어떠한 용도성이나 도구성도 갖지 않는 자기 완결적인 사물이다. 그것은 “만들어진 사물”임에도 불구하고 마치 자생적인 자연적 사물처럼 즉자적으로 자기 자신만을 지칭하며 존재의 순수한 본질을 드러내고 있다.

정서영의 작품들은 그 적절한 “이름 붙이기”에 의해서 완성된다.
하이데거가 <예술작품의 근원>에서 밝히고 있듯이, 언어가 존재하지 않는 곳, 즉 돌이나 식품이나 동물의 존재 가운데는, 존재자의 개시성은 없다. 존재자의 개시성은 “언어가 존재자를 명명(命名)할 때” 비로소 시작된다. 하이데거에 따르면 건물을 짓고, 조형 작업을 하는 것도, 이러한 말함과 명명이 여는 곳에 의해 지배를 받고 인도된다. 회화도 건축도, 진리가 작품 가운데로 자기를 지향시켜서 정돈하는 독특한 도정이며 방식이고 따라서 존재자의 내부에 깃들여 있는 독특한 시작(詩作) 행위이다.

“작품의 사물적 현실성에 대한 규정에 이르는 길은, 사물을 통과해서 작품에 이르는 것이 아니라, 오히려 역으로 작품을 통해서 사물에 이르게 된다”는 하이데거의 주장의 타당성은 바로 정서영의 작품들에 의해 입증되고 있다. 하나의 <선인장>을 통해 우리는 “사물의 본질 가운데 존재하고 있는 저 낯섬과 폐쇄성”에 직접 맞닥뜨리게 되는 것이다. ■

ART 2000년 6월호 > FOCUS
via http://www.jkim.net/art/art_0006.php

art:gwangju:11

2011-07-20T22:20:00.001-07:00

Directory Book Design Draft
July 2011

Chung Seoyoung Edition for Kim Kim Gallery

2011-07-19T21:16:00.000-07:00

Nail

Stainless Steel Nail
105x10x10mm

July 2011
Seoul

Apple vs. Banana Review

2011-07-18T17:09:00.000-07:00

in Public Art 퍼블릭 아트
Monthly Art Magazine

모델 하우스에 새워진 가상 공간_ 정서영 전_킴킴 갤러리
written by Jiyoon Yang 양지윤

Seoul
July 2011

http://www.artinpost.co.kr/bbs/view.php?id=review_exhi&page=4&sn1=&divpage=1&sn=off&ss=on&sc=on&select_arrange=headnum&desc=asc&no=731

Door to the Clay Class

2011-07-18T01:18:00.000-07:00

environmental installation, including house, door, furniture, clay, air humidifiers

in Môtiers 2011 – Art en plein air
18 June - 18 September 2011
Prieuré St-Pierre, Môtiers
Val-de-Travers, Switzerland

About "Door to the Clay Class"
A door inside a public building announcing access to a clay class. Inside, the humidity is stifling.
The clay figurines on the school tables were built by architecture students.
The place is both specific and interchangeable.
The character of the visitor and his visit to the site (coming from the street, opening the door, entering the room, …) are designed by a semantic system.
This work was deliberately conceived as a work within a so-called open air exhibition.

Robert Estermann