커넥트: 아트선재센터 Connect: Art Sonje Center 1995 -2016

개관 20주년 아트선재센터, ‘커넥트: 아트선재센터 1995-2016’ 출간

올해 개관 20주년을 맞이한 아트선재센터가 이를 기념하며 ‘커넥트: 아트선재센터 1995-2016’을 출간했다.

아트선재센터의 정식 개관은 1998년이지만 이 책은 1995년 5월 아트선재센터 건립부지에서 열린 ‘싹’전으로부터 시작해 2016년 8월 미술관의 소장품을 기반으로 열린 김소라, 이불, 정서영의 개인전 ‘커넥트 1: 스틸 액츠’에 이르기까지의 20년을 다룬다.

아트선재센터 측은 “아트선재센터가 개관한 1998년을 전후로 한국 현대미술은 국제적인 무대를 경험하고 상호소통하기 시작했다. 작가들의 매체 사용이 다양해졌고, 전시의 여러 형식적 실험들이 일어났으며, 작업과 전시가 다루는 주제의 범위도 넓어졌다”며 “이 책은 이 시기를 겪은 아트선재센터의 지난 활동과 전시를 정리하고, 과거와 현재를 연결할 수 있는 지점을 찾는 노력을 한다”고 밝혔다.

책은 연대기적으로 시간을 정리하는 대신 예순여섯 개의 키워드로 엮는 방식으로 구성됐다. ‘느림’, ‘반향’, ‘믹스막스’ 등 주요 기획전과 라운지, 더 북스, 웹 사이트, 한옥 등 아트선재센터가 가진 유형, 무형의 공간들을 다룬다. 그리고 ‘리얼 디엠지 프로젝트’, ‘플랫폼 서울’ 등 다년간 집중했던 기획들은 22명의 필자들이 기고한 글들과 함께 동등한 층위에서 각각 하나의 키워드로 제시된다.

아트선재센터는 책의 출간을 기념해 5월 19일 토요일 오후 4시부터 ‘토크 - 커넥트: 아트선재센터 1995-2016’를 연다. 이 토크는 책의 공동 편집자인 박활성 워크룸 프레스 편집장의 사회로 진행되며 아트선재센터의 전 관장인 김선정 광주비엔날레재단 대표이사, 미술사학자 우정아 교수, 아트선재센터의 여러 기획전과 개인전에 참여한 김홍석 작가가 함께 한다. 이 자리에서 책의 목차이기도 한 예순여섯 키워드 중에서 선별된 단어를 바탕으로 아트선재센터 20년에 대한 이야기를 나눌 예정이다.

▲ CNB저널, CNBJOURNAL, 씨앤비저널

http://weekly.cnbnews.com/news/article.html?no=124606

<토크 - 커넥트: 아트선재센터 1995-2016>
일시: 2018. 5. 19 (토), 4 pm
장소: 아트선재센터 B1 아트홀

아트선재센터는 5월 19일 토요일 오후 4시부터 <토크 - 커넥트: 아트선재센터 1995-2016>를 개최합니다. 이 토크는 아트선재센터의 지난 20년을 정리한 동명의 책 『커넥트: 아트선재센터 1995-2016』의 출간을 기념하여 아트선재센터가 지나온 시간에 대해 이야기를 나누는 자리입니다.

아트선재센터가 개관한 1998년을 전후로 한국 현대미술은 국제적인 무대를 경험하고 상호소통하기 시작했습니다. 작가들의 매체 사용이 다양해졌고, 전시의 여러 형식적 실험들이 일어났으며, 작업과 전시가 다루는 주제의 범위도 넓어졌습니다. 이 책은 1995년 5월 아트선재센터 건립부지에서 열린 《싹》전으로부터 시작해 2016년 8월 미술관의 소장품을 기반으로 열린 김소라, 이불, 정서영의 개인전 《커넥트 1: 스틸 액츠》이르기까지 위와 같은 한국 미술의 변화를 주도했던 아트선재센터의 20년간의 활동과 전시를 정리하고 있습니다.

이 토크는 책의 공동 편집자인 박활성 워크룸 프레스 편집장의 사회로 진행되며 아트선재센터의 전 관장인 김선정 광주비엔날레재단 대표이사, 미술사학자 우정아 교수, 아트선재센터의 여러 기획전과 개인전에 참여한 김홍석 작가가 함께 합니다. 이 자리를 통해 책의 목차이기도 한 예순여섯 키워드 중에서 선별된 단어를 바탕으로 아트선재센터 20년에 대한 보다 생생한 경험을 듣고 또한 그 경험의 의의를 나눌 예정입니다.

패널
김선정(광주비엔날레재단 대표이사)
김홍석(상명대학교 예술대학 무대미술학과 교수)
우정아(포스텍 인문사회학부 교수)

진행
박활성(워크룸 프레스 편집장)

https://www.facebook.com/ArtsonjeCenter/photos/a.1672769906291482.1073741827.1672769869624819/2120286388206496/?type=3&theater

『커넥트: 아트선재센터 1995-2016』책 정보

● 한/영 별책, 128mm x 185mm, 711Pages
● 가격: 40,000 원

● 글쓴이: 강수미, 권미원, 김선정, 김성렬, 김성원, 김종성, 김해주, 김현진, 마미 카타오카, 서동진, 서현석, 아즈마 히로키, 안젤름 프랑케, 우정아, 유진상, 이수진, 이영준, 임경용, 정도련, 주은지, 최윤아, 휴 실버만
● 편집: 김나정, 박활성
● 디자인: 워크룸
● 펴낸곳: 아트선재센터

A talk event Connect: Art Sonje Center 1995 – 2016 is organized to talk about the Art Sonje Center’s past in association with the launch of the book Connect: Art Sonje Center 1995 – 2016.

Korean contemporary art began to contact international art scenes and communicate with them around 1998 when the Art Sonje Center was inaugurated. Since then the artists’ media have become extremely varied, the formal experiments in exhibitions were invigorated and the ranges of issues dealt through works and exhibitions were significantly broadened. Bringing together all the exhibitions at the Art Sonje Center from Ssack opened at the site of the current Art Sonje Center building in May, 1995 to a collection exhibition held in August, 2016, Connect 1: Still Acts, with the artists, Sora Kim, Lee Bul, and Chung Seoyoung, the book reflects the Art Sonje Center’s activities and exhibitions for last 20 years.

The talk event will be moderated by Park Hwalsung, the chief editor of Workroom press who is the co-editor of the book and chaired by Sunjung Kim, the previous director of Art Sonje Center and currently the president of Gwangju Biennale, Woo Jung-Ah, an art historian, as well as an artist Gimhongsok who has had solo exhibitions and participated in several group exhibitions that Art Sonje Center organized. In the event,
initiated from selected words from 66 key-words constituting the book’s table of contents, they will talk about their convivial experiences during the last 20 years with the Art Sonje Center and discuss its significance of the history.

『Connect: Art Sonje Center 1995-2016』

● KR / EN
● Book size: 128mm x 185mm, 711 pages
● Price: 40,000 KRW

● Texts: Anselm Franke, Doryun Chong, Eungie Joo, Haeju Kim, Hiroki Azuma, Hugh J. Silverman, Hyunjin Kim, Hyun-Suk Seo, Jinsang Yoo, Jong Soung Kimm, Jung-Ah Woo, Kyung yong LIM, Mami Kataoka, Miwon Kwon, Seo Dongjin, SooJin Lee, Sumi Kang, Sung Won Kim, Sungyeol Kim, Sunjung Kim, Young-june Lee, Yunah Choi
● Editors: Najung Kim, Park Hwalsung
● Design: Workroom
● Published by: Art Sonje Centre

http://artsonje.org/en/connect_asjc/

https://www.instagram.com/p/Bh_FdEyhRwb/?tagged=artsonjecenter

Exportation de la cravate vert céladon au japon

https://www.instagram.com/p/BXxzRF2hRCb/?hl=en&taken-by=gregoiremottehttps://www.instagram.com/p/BXxzRF2hRCb/?hl=en&taken-by=gregoiremotte
Aug. 2015

Reflections on Windowpanes in a Cartoon with Ourselves as Evolving Fictions, 2005-2015

Die Vielzahl der von Robert Estermann eingesetzten künstlerischen Techniken verdankt sich seinem intensiven Interesse an der Entwicklung experimenteller Arbeitsweisen, durch die er zwischen körperlicher Erfahrung, realen und imaginären Räumen zu vermitteln sucht. Sein bildnerischer Grundimpuls liegt von Beginn an im Performativen, das sich seither ausdifferenziert und neue Kommunikationswege gefunden hat. Vor allem in der Zeichnung hat sich der Künstler ein reiches Ausdrucksspektrum erschlossen: Konnte er bereits mit seinen frühen, meist kleinformatigen Bleistiftzeichnungen Grundelemente seiner Bildsprache aufzeigen, so geht er bei seinen neueren Zeichnungen mit schwarzen Faserstiftlinien mit jedem Blatt ein Risiko ein und setzt sich dabei bewusst dem Verdacht des bloss Kontingenten aus. Sie sind anspruchsvoll, insofern sie kompositorische, linguistische, morphologische und topologische Sünden, Überschreitungen, Volten und Sprünge wagen, die herkömmliche Vorstellungen, etwa von «Vollendung» oder von «Gelungensein» unterlaufen. Das vermeintlich Naive oder Triviale entfaltet sich bereits bei minimalem Eigeneinsatz in reale und imaginäre Räume hinein, es verzeichnet Bruchstellen zwischen den verschiedenen Medien und Techniken und erkennt sich in der radikalen Ausübung von Freiheit als eigentlicher künstlerischer Tätigkeit wieder.

Estermanns Zeichnen sucht sich immer wieder neue Gründe – im buchstäblichen und im übertragenen Sinn. So nutzt zum Beispiel seine zeichnerische Installation Reflections on Windowpanes in a Cartoon with Ourselves as Evolving Fictions (2005‒2015) die Oberfläche der Fensterscheiben des Ausstellungsraums. Der Titel beschreibt, was man (vielleicht nicht auf den ersten Blick) sieht: Das aus parallelen Faserstiftstrichen gebildete, in Comics und Karikaturen konventionalisierte Zeichen für spiegelnde oder halbtransparente Glasflächen, das hier auf realen Fenstern angebracht wurde. Der Titel bezieht sich aber auch auf eine andere Ebene, die in den Raum ausgreift und das Publikum mit der vereinnahmenden Wortwahl des «uns» (ourselves as evolving fictions) in ein utopisch-gesamtgesellschaftliches Experimentieren einbezieht, bei dem die Identitäten der Einzelnen als sich entfaltende Entwürfe verstanden werden. Die Reflexionslinien auf den Fensterscheiben sind materiell gewordene Superzeichen, welche die unterschiedlichen Realitätsstufen von Innen und Aussen eines Raums erlebbar machen.

Das Gestische, vorwärts Tastende versteht Estermann nicht nur im Zeichnerischen als performativen Akt, der auf bereits definierte (Kunst-)Räume ausgreift – auch in anderen Medientechniken versucht er, das materielle, körperliche Substrat des Erinnerns, des Erkennens und Vorstellens mit ins Bild zu setzen und dem Publikum verfügbar zu machen. In seinem seit 2016 entwickelten Web-Projekt riding.vision erforscht er mit filmischen und fotografischen Mitteln die affektiven Potenziale der Immersion in eine reale Vorstellungswelt, in der sich das Reiten zu Pferd an endlosen Stränden von der kulturell etablierten Metapher zur ernst gemeinten Zukunftsvision entwickelt und dabei queere und subkulturelle Konnotationen gleichberechtigt neben andere Erkenntnisformen setzt.

Clemens Krümmel, 2018

sikart.ch/kuenstlerInnen.aspx?id=10851807

Ingo Baumgarten Show "Passages" via instarix

https://instarix.com/p/1728027177634257622_4234026647
https://instarix.com/p/1722425338762187807_215529701
https://instarix.com/p/1720106586464352252_3234927364
https://instarix.com/p/1713808308044186345_5971603820
Mar. 2018
Seoul

The First Kite

Suji Park
The first kite
7 March - 31 March 2018
Ivan Anthony Gallery, Aukeland
http://www.ivananthony.com/suji-park-the-first-kite/vniw0pdrmg9hoe6ovxbuxxpd7o6mtv

Suji Park and Sim Jung Kim
Bamsori (Night noise)
2018
pigment, paint medium, epoxy clay, paper clay, Lego

Suji Park and Sim Jung Kim

Private Ruin I
2018
pigment, paint medium, epoxy clay, plaster, Lego
200 x 250 x 350mm

Suji Park and Sim Jung Kim

Private Ruin Relic
2018
pigment, paint medium, epoxy clay, paper clay, plaster, Lego

Beat Dol I
2018
pigment, paper clay, clay, acrylic, LED light bulbs, resin
210 x 200 x 300mm

Ingo Baumgarten @ 화랑미술제

The 36th Korea Galleries Art Fair 2018 with Gallery Chosun

기간 : 2018-03-01 ~ 2018-03-04
관람시간 : 11:00 - 19:30 (마지막날 17:00 마감)
장소 : Coex 코엑스 D홀, Seoul
관련웹사이트 : www.koreagalleries.or.kr
https://www.facebook.com/photo.php?fbid=1867036550041580&set=pcb.1867036583374910&type=3&theater

RIDING VISION FLAG (PINK STRIPES), 2018

flag fabric (partially superimposed), 162 x 680 cm
http://www.estermann.com/robert-estermann/riding-vision-flag-pink-stripes/

How To Care For Cars, 2018

Ink on Paper, 176 x 212 cm

5 parts: 4x 76 x 106 cm, 1x 26 x 212 cm, individually framed

Passages

2018. 2. 7~ 2. 27

Ingo Baumgarten 잉고 바움가르텐 개인전
갤러리 조선 Gallery Chosun, Seoul
http://www.gallerychosun.com

https://www.facebook.com/photo.php?fbid=2064519697151708&set=pcb.2064520067151671&type=3&theater

https://instarix.com/explore/locations/298146328/

Studio Suji Park

Feb. 2018
Seoul
Photos by Suji Park

My boundaries are Opaque My outlook is Suffocating My christmas tree is Maude I don't think people are reliable when they act in tje Masses Someone's on my Couch Help me fight my Hotakainen book!

https://www.facebook.com/photo.php?fbid=10210991553490239&set=a.10200777264699403.1073741827.1396357583&type=3&theater

Chung Seoyoung @ Art Brussels 2017

Tina Kim Gallery

@ ART BRUSSELS 2017

April 20 – 23, 2017

http://www.tinakimgallery.com/fairs/art-brussels-2017?view=slider#9

https://www.artsy.net/art-brussels-2017/browse/artist/seoyoung-chung

산·수·풍·경(山·水·風·景) Beyond Landscape

1999. 07. 14 - 08. 29
아트선재센터 Artsonje Center, Seoul

‘산·수·풍·경’전은 한국미술의 정체성을 그 어떤 고정적인 본질로 정의하기보다는 타자와의 만남을 통해 자신을 재발견하고 미래를 지향해 나가는 문화적 자의식의 역동적인 과정으로 접근해 나가는 전시이다. 이 전시는 20명의 한국작가들의 구체적인 작업을 바탕으로 기존의 우리 미술의 가치관과 세계관을 모색해보고자 하는 의도를 가지고 기획되었다. 따라서 이 전시는 단순히 언어 그대로의 풍경이나 산수를 다루는 것은 아니며, 작가들이 제시하는 작품들간의 관계와 환경을 통해 지금 여기의 풍경을 제공하는 전시로 볼 수 있다. 때문에 전시장은 동양화와 사진이 서로가 가지고 있는 물질적이고 구조적인 특징으로 공간을 공유한다던가, 유머러스하고 개념적인 풍경을 보여주기도 하고, 심리적인 풍경으로 유도하여 관람객으로 하여금 그림 이상의 무언가를 상상하게 만드는 등 다양한 풍경의 모습을 제시하고 있다. 20세기를 마감하면서 돌아본다면 한마디로 우리에게 험난했던 세기였다고 할 수 있다. 우리의 전통적인 세계관은 서구의 근대주의적 세계관과 만나 첨예하게 갈등하면서 오늘을 개척해왔고, 마찬가지로 미술분야에서도 서양화와의 교류는 전통의 계승이라는 차원과 타자와의 만남을 통한 새로움의 충격 사이에서 역시 끊임없는 고민과 갈등을 낳았다. 그러므로 우리 미술의 ‘현대성’과 ‘한국성’을 둘러싼 논의는 20세기 전반기부터 미술계에서 꾸준히 제기되어 동시대 한국인의 문화적 정체성에 대해 질문을 던지도록 하였다. 그러나 그 질문에 대한 답을 찾기 위한 다양한 시도에도 불구하고, 문화적 정체성으로서의 ‘현대성’이나 ‘한국성’이란 그 어떤 환원적인 본질이나 개념적인 실체로 고정될 수는 없을 것이다. 그러므로 아트선재센터에서는 “한국 현대미술이 무엇인가”를 묻는 대신에 “우리는 어떻게 한국현대미술을 실천하고 있는지” 바라보고자 하며, 이론의 잣대가 아닌 오늘날 작가들의 구체적인 작업에서 출발하는 길을 제안하고자 한다. 이번 전시의 주제를 “풍경”으로 한정한 것은 많은 현대 작가들이 자연 속에서 작업을 하면서 예술관을 모색하거나 자연을 참조하고 있다는 점에 주목해서이다. 또한 “풍경”이 가지고 있는 큰 의미가 그 자체로 하나의 가치관의 표현이라는 것이다. 동양의 전통 산수는 그림이기 이전에 세계관의 표현이었고, 마찬가지로 르네상스 이후 전개된 서양의 풍경화 역시 인본주의적이고 합리주의적인 세계관의 출발과 그 맥을 함께 한다. 따라서 서구의 어떤 이론이나 참조의 틀을 가지고 작품을 들여다보는 것이 아니라 작가들의 구체적인 작업에서 출발하여 “풍경”이라는 주제 속에 내재하는 우리 미술의 가치관과 세계관을 바라보고자 ‘산·수·풍·경’이라는 전시를 기획하였다. 즉 이 전시는 산수와 풍경을 넘어서 기존의 그 어떤 장르 구분이나 형식에 구애받음 없이 오늘날의 우리미술을 바라보고 즐겨보고자 마련된 것이다. 이번 전시에 참여하는 작가는 강경구, 권기윤, 김근태, 김명숙, 김범, 김장섭, 김주현, 김천일, 김호득, 김홍주, 민정기, 박이소, 유본택, 유승호, 이인현, 정보영, 정주영, 최선명, 최진욱, 홍명셥 등 20명이다. ‘산·수·풍·경’은 작가들의 구체적인 작품을 통하여 산수풍경 속에서 산처럼 우뚝 선 인간의 존재와 물같이 흐르는 시간의 역사를 되새기는 자리가 될 것이며, 오늘날 우리에게 불어오는 바람과 내일을 전망하는 빛을 느끼는 기회를 제공할 것이다.

기획: 정헌이(현대미술사 및 미술평론)

Passages

2018. 2. 7~ 2. 27
Ingo Baumgarten 잉고 바움가르텐 개인전
갤러리 조선 Gallery Chosun, Seoul
http://www.gallerychosun.com/cor/exhi/current.htm

잉고 바움가르텐은 독일에서 태어나 일본에서 유학하고 대만, 중국을 거쳐 한국에 자리잡은 작가이다. 작가는 다양한 거주지만큼이나 다양한 형태로 쌓여온 거주지에 대한 기억을 화면에 재구성하는 작업을 하고 있다. 그의 회화는 언뜻 규칙적이고 잘 배분된 아름다운 화면으로 보이지만, 그 이면에는 한 개인이 살아가는 사회에 대한 깊은 숙고를 담고 있다. 그가 화면 위에 구성해낸 도시의 풍경은 낯설지만 동시에 일반적인 일상의 장면들을 보여준다. 한국에서 9년이라는 긴 시간 동안 적응해왔기에 작가는 더 이상 단순히 유럽의 시각으로 한국을 재해석하는 이방인이 아니다. 이제 작가는 우리와 같은 각도에서 일상을 꾸준히 새롭게 발견하고자 노력하는 낯선-서울사람이다. 이번 전시에서는 작가의 근작을 선보일 예정이다. 관객들은 이번 전시를 통해 변화하는 도시의 흔적을 함께 발견하고, 그 변화하는 부분들에 대한 기억을 함께 나눌 수 있을 것이다. 잉고 바움가르텐은 우리가 살아가는 도시와 그 안의 건축물을 그려낸다. 건축물은 개인이 살아가고 일하는 곳으로써, 인간의 생활을 담는 그릇이다. 작가는 건물을 단순한 공간이 아니라, 문화와 이념이 투영된 사회적 구조물이라고 생각한다. 이러한 점에서 작가가 그려낸 건축물들은 인간의 생활과 밀접한 욕망과 소망, 생활과 환상을 아우르는 표면이라고 할 수 있다. 특히 작가가 집중하는 것들로는 너무 효율을 추구한 나머지 건축물의 미적 균형을 깨트리는 것들, 너무 실용성을 추구한 나머지 주변 환경으로부터 이질적으로 튀어나오는 것들, 외국의 미적 기준을 적용하려다 부조화를 일으키는 것들 등이 있다. 작가는 이러한 부조화를 캔버스 위에 재조정하여 그려낸다. 작가의 눈을 통해 선별된 도시의 이상한 부분들은 이상하면서도 아름다운 작품이 된다. 또한 도시는 시간의 흐름에 따라 변화하는 사람들의 욕망의 변화를 건축물의 외곽에 드러낸다. 그러나 작가 본인도 그 도시 안에서 살아가는 만큼, 사람들의 욕망을 관찰한다는 것은 사실상 자신의 욕망을 관찰하는 것이기도 하다. 이러한 의미에서 작가의 작업은 자신을 감시하는 (내면에) 내제된 눈의 역할을 수행한다고 할 수 있다. 겨울의 끝자락과 봄의 초입에서 잉고 바움가르텐의 회화를 통해 도시의 풍경을 재발견하고, 그 도시와 건물 안에서 살아가는 관객 자신의 내면을 들여다 볼 수 있는 기회가 되기를 바라는 바이다.
Gallery Chosun will be featuring the exhibition "Passage" by German painter Ingo Baumgarten from February 07~27th. Ingo Baumgarten was born in German, studied in Japan, Taiwan, China, and settled in Korea. His artwork is a reinterpretation of his memories that he gained as he traveled and lived in various countries. At a glance, Baumgarten’s paintings seem organized, clean, warm, and pretty. However, there are individuals complicated social concerns behind the matter. His painting delivers familiar but unfamiliar city scenery which comes from his everyday life. Since he has now lived in Seoul for 9 years and stably settled, we can not simply call Ingo Baumgarten as a foreigner who interprets everything in European perspective. Just like other Korean artists, he is an artist who continuously tries to discover new values from daily life. From this exhibition, he will be presenting his recent works. Through his latest works, audiences can recognize the changes of our city and recall their own memories. Ingo Baumgarten paints our living city, and surrounding architectures. An architecture is an area which embodies people’s daily life, because it is a place where individual resides or works. Baumgarten believes building is more than just a space. He thinks it is the structure which contains culture and social values. In this matter, his paintings are the surface that closely deliver people’s desire within their life. He mainly focuses on the broken aesthetic balance of latest buildings due to efficiency, and disharmony between foreign style of architecture and Korean traditional style. Somewhat strange places become beautiful paintings through Baumgarten’s paintings. Moreover, city reveal people’s change of desire thorough architectures.. However, since Baumgarten is one of the human being who reside in the city, he could observe his own desire also. In this matter, he could monitor himself through his paintings. Through Baumgarten’s paintings, we can rediscover city sceneries during the last bit of winter season. It is a chance for the audience to observe deep in their city lives through the exhibition "Passages".

작품을 관찰할 때에 관객들은 자신이 어떤 부분에 집중하는가, 어디에 감상의 중점을 두는가에 따라 자신들만의 관점, 경험을 바탕으로 각자 다른 해석을 내놓는다. 이는 개개인의 관점에 따른 자유로운 선택이다. 이러한 현상은 나의 "시각 인류학(visual anthropology)" 이라는 개념적인 사고를 설명해주기도 한다. 시각적 인류학이라는 개념은 "관찰에서 시작하여 일상, 문화, 사회에 대한 탐구를 바탕으로 만들어진 작업"이라고 할 수 있다. 30년 전 회화에 대해 연구하던 시절부터 나는 나의 작품이 사회, 현실에 연결되어 있는 "관계적"인 것이기를 바래왔다. 그를 위해 일차적으로 사회와 현실을 관찰했고, 이를 바탕으로 작업을 진행한다. 이 과정에서 나 자신은 사회와 현실을 반영하는 "재현적 매개체(representative model)"라고 생각해왔다. (…) 나는 나의 미적, 문화적, 사회적, 역사적 흥미에 따라 다양한 테마와 모티프를 가지고 작업해왔다. 근래에 나는 건축물과 건축물이 일상에서 드러나는 순간에 특별히 집중해왔다. 특별히 나의 흥미를 끄는 것은 "이데올로기가 어떻게 건축물에 반영되었는가" 하는 점과 "그가 시간의 흐름에 따라 어떻게 변화하는가" 이다. (…) Passages를 한글로 번역하면 과정, 길, 또는 과도기로 정의 할 수 있다. 는 다양한 맥락에서 다르게 해석될 수 있다. "Passages"는 공간, 시간, 상황 등을 연결 또는 절제해주는 중간 역할을 의미하며, 변화의 단계로 넘어갈 수 있게 해주는 중요한 의미를 지니고 있기 때문이다. "과정"이라고 하면 "중간" 또는 "그 사이"를 뜻하며, 때로는 정확히 문맥적으로 설명될 수 없는 애매모호하고 양면적인 측면을 지니고 있다. 과도기는 "과거"와 "미래"를 연결해주는 시간적 공간적 통로의 역할을 함과 동시에 현재의 위치에서 과거과 미래를 회상 할 수 있도록 이끌어준다. _작가노트
As all paintings, also mine unfold their effects on different levels. First, there is the aesthetic level of colors, forms and compositions. In their combination, those elements shape the aesthetic experience of the spectator. (...) Further, there are conceptual levels; my personal artistic approach is well described with the term visual anthropology, which is defined as "the exploration of everyday-live, culture and society with the methods of participating observation and its transformation in images and artworks". I discovered this term and its definition after working since long time in this manner. Already during my studies, more than 30 years ago, I wanted my work to be relevant by being linked to society and reality. Therefore, I based my work on my firsthand observations of society and reality, using myself as a representative model. (…) Since long time, I choose detail-aspects of my surroundings as the motives for my work, things and places which I find significant, typical and determining for specific environment and its atmosphere. I deal with different themes and motives according to my aesthetic, cultural, social, and historical interests. In the last years, I developed a strong focus on architecture and its appearance in everyday live. I am especially interested in the implicated ideals and ideologies of architectural forms and their change over the time. (…) In different contexts, there are various passages, all of them are in some way interesting for me: because in general, passages signify a connection and the moderation of differences: in space, time, or in condition ; – and they facilitate exchanges. With its position "in-between", the passage is an ambiguous place, effecting ambivalent positions. The passage connects the "Before" with the "After"; it is open to both sides and it invites to reflect about the past and the future while observing the present. _artist’s note