Kim Beom's artist books republished 김범 아티스트북 3종 재출간

김범의 『고향』은 1998년 서울시립미술관에서 열린 전시 «도시와 영상: 의식주» 를 위해 처음 출간되었습니다. 당시 전시장에는 이 책에 대한 A4 크기 광고지와 주문 카드만 전시되었고, 주문 카드를 작성하고 금액을 지불한 관객에게 작가가 직접 『고향』 책 한 권을 우편으로 발송했습니다. 이후 «문 뒤의 비밀»(2005, 51회 베니스비엔날레 한국관), 뉴욕에서 열린 «Happy Together»(2015, Tina Kim Gallery) 등의 전시에 동일한 내용의 영문으로 전시된 바 있습니다. 재출간된 『고향』은 '전시자료'로서, 2020년 재인쇄된 버전입니다.

이밖에 허구의 차원에 살고 있는 개가 독자와의 관계를 통해 현실의 차원에 존재하기를 열망하는 이야기를 담고 있는 『눈치』의 영문판과 나무, 풀, 사다리, 에어콘과 같은 자연물과 인공물로 변화할 수 있는 방법을 기술한 지침서 『변신술』이 함께 재출간되었습니다.

2020년 3월 10일부터 아트선재센터 THE BOOKS에서 구입하실 수 있습니다.

Kim Beom's artist book "Hometown" was originally published on occasion of the exhibition 'Seoul in Media: Food, Clothing, Shelter' at Seoul Museum of Art in 1998. In the exhibition back then, an A4-sized flyer and an order form were exhibited only so that an audience who wrote the form and paid for the book was able to see the book received by post. Followed by this, the English version of the book was introduced at «Secret Beyond the Door»(2005, 51th Venice Biennale, Korean Pavilion) and his solo exhibition «Happy Together» at Tina Kim Gallery, in 2015. Reprinted in 2020, this iteration of "Hometown" acts as an exhibition material.

Also, the English version of Kim’s another artist books, “Noonchi” (2009) that tells a story about an imaginary dog which desires to be brought to life by forming a relationship with the reader in reality and “The Art of Transforming” (1996) that exemplifies the ways you can transform yourself into some thing else natural or man-made if you wish, were republished.

https://www.facebook.com/ArtsonjeCenter/photos/a.1672769906291482/2611180739117056/?type=3&theater

Art, or Listen to the silence : Soun-Gui Kim in Conversation with Jacques Derrida, Jean-Luc Nancy and John Cage



Conversations entre Soun-Gui Kim, Jacques DerridaJean-Luc Nancy et John Cage autour du lien entre l'art contemporain, le marché et la mondialisation, sous l'angle de la pensée orientale.
Dès les années 1970, Soun-Gui Kim a commencé des entretiens avec des philosophes et à interroger la question de l'art contemporain et de son rapport à la mondialisation. Le DVD Art, or Listen to the silence rassemble une série de vidéos dont des entretiens menés avec les philosophes Jacques Derrida et Jean-Luc Nancy. Dans ces entretiens, Soun-Gui Kim interroge le lien entre l'art contemporain, le marché et la mondialisation, sous l'angle de la pensée orientale et des notions de « Silence » et de « Chaos » (hun-dun). D'autres installations vidéo viennent enrichir le parcours, comme celle de la danseuse coréenne Lee-Aie-Jou évoluant dans un paysage aux jeux aléatoires de pixels. Une vidéo d'un concert de John Cage présente les œuvres « Empty words » et « Mirage verbal », qu'il a composées en se basant sur le Yi-King et les écrits de Henry David Thoreau et Marcel Duchamp.
Artiste plasticienne multimédia et pluridisciplinaire, écrivain, vidéaste, musicienne, enseignante, Soun-Gui Kim (née en 1946 à Pou-Yeo, Chung-Nam, Corée du Sud) vit et travaille en France depuis 1971. Elle expose dans le monde entier.
Dans les années 1970, elle oriente son travail vers l'installation, la vidéo, la photographie, le dessin, et la sculpture. Durant cette première période, sa préoccupation majeure est d'interroger le « lieu de l'image ». D'où, la déconstruction de l'image, l'introduction des notions de contexte, d'usage et d'aléa qui prennent une place importante. Durant les années 1980 son travail se concentre d'avantage sur l'art vidéo, vidéo comme outil, comme matériaux, comme concept et aussi comme forme de vie. A partir des années 1990 elle s'engage, avec plus de vigueur, vers un « jeu de langage et de paradoxe » tout en faisant appel aux concepts tels que l'indétermination, l'aléa, le non-sens, le non-agir et la paresse.
Soun-Gui Kim a publié de nombreux articles, notamment dans la Revue d'esthétique.
http://www.lespressesdureel.com/ouvrage.php?id=3494

Douglas Park @ Performance Art Bergen

Entirely overwhelmed by overwhelming entirety.
Sightseeing bystander.
Serving on supervisory jury congregation fanbase squad.
Forecast and horoscope Delphic oracle consulted for reference.
Give or take joining forces with frontline voyeurism and some self-service consideration and ascertainment thrown in for good measure.
Hopefully, headed towards gradual arrival at estimate diagnoses verdict findings score.
The otherwise solitary, separate and even enclosed and discreet or actually private, hidden and secret; brought altogether and rendered into actual spectator, contact, competitive and blood sport, game, playtime and teamwork.
Pas certains petite accrochage et / ou salon vivante.
Mais quelque grande surprise, challenge and revelation, for creators, organization and audience alike.
Not HOUR, but full-blown DAY, WEEKEND, LiFETiME and ETERNiTY.
Associations came to mind.
Allan Kaprow — Happenings pioneer and inventor of that term — declared time to be a process, substance, medium and artform.
Wolf Vostell once used some sugar, bowl and spoon to demonstrate differences he identified between Allan Kaprow & other’s Happenings, George Maciunas’ Fluxus events and Wolf Vostell’s own Decollage.
Photographic-artist, Hiroshi Sugimoto’s time-lapse exposure etudes of movies on cinema screen, housebuilding and demolition, sea tides, archaeology and other durational procedures.
At the time, were any creators influenced by other’s presence, activity and input, then how, in which ways, causing what?
Suppose there could’ve been split–difference, common law-of-averages, missing link and hybrid cross-between some, much, most or all of HOUR’s highlights and general procedure.
I found myself trying to imagine being in the HOUR performer’s position.
Expectation, planning, accident, opportunism.
Respect, cooperation, ignoring, avoidance, challenge, testing, competitiveness, opposition.
I was rereminded about and unforgot something I once noticed (and doubtless others did too).
Perhaps encouraged and at least seemingly spontaneous outbursts of togetherness, support and rivalry amongst participants in historical (or legendary!) events:
Gustav Metzger’s 1966 Destruction in Art Symposium;
the 1968 Azioni Povera fair at Amalfi;
1969’s conceptualism and arte povera group shows, When Attitudes Become Form and Op Losse Schroeven;
Fluxshoe 1972-’73 regional UK touring survey show and festival.
Raphael “Ralph” Montanez Ortiz who was the “opening act” for Gustav Metzger’s 1966 Destruction in Art Symposium said he considered it to be some “Art Olympics” in which he was gonna “win gold”.
Did, might or will HOUR affect any survivor, during then, from that and now, since, later?
Open-ended, flexible, happilyforeveraftermore, conclusive, definite, finalized, whatever else.
Practical joke.
Physical humour.
Total art comedy.
Veriteville.
A regret about HOUR.
If only ensuing crime scene forensic evidence clue votive offerings were kept staying behind, whether explained or left as mystery.
Sown and planted, for growth, blossoming, crop, harvest, multiplication, spread, breakout, evolution and general afterlife.
A wish.
Attempt to imagine, make and use or even be a “Time-Mirror”.
No mere gauge or monitor of time.
But instead truly active generation, supply and control of time — and all that time is, does and causes — then what can happen within time.
HOUR forcibly dredged up some case-study specimens from my own track-record.
Norway, performance art, limitation and setbacks, potential and advantage.
In 2010, Artistspace in London commissioned me to write for their Unfeasibility Study group exhibition.
Unfeasibility Study concerned likelihood of progress, effectiveness, consequence or use-value to art, culture and whatever else.
At 1st, I came up with 2 (or rather, 1 & a 1/2!) “manifestos” for their website.
The most overgrown of them, Returning Back Again to the Crime-Scene, Only with a Vengeance this Time Around, For more of the Same or Different addressed cultural practitioners, output, organizations, venues and events becoming rife and epidemic — then, if anything better or some improvement could be necessary, possible, done or happening.
Whilst the briefest, Mission-Impossible Quota Score says just about the same — only a fraction as long.
Also, for the Unfeasibility Study’s catalog, I “defined” chosen works by 14 accepted submission entrants, what else they did otherwise and in general.
Unfeasibility Study’s selection was from an open-call, aimed at emergent artists, recent postgraduates and promising students — in particular, if they dealt with the problematics and context to their work, practice, medium and discipline — by itself and regarding external conditions.
None of them were people, artists or work I self-consciously knew.
Not dissimilar to other undertakings.
Beforehand, I’d written about multiple artists, sometimes at short-notice and occasionally hitherto unknown people.
Only this was far more demanding.
I’d never done more than 1 of those at once.
Until then.
This had to be written within a single weekend, alongside other things, only armed with some background gained from contact and research — reinforced by or backing up me doing my utmost and pushing myself.
Unfeasibility Study included Mimi Norrgren, UK based, expatriate Norwegian, performance artist.
At Unfeasibility Study’s launch event, Mimi Norrgren walked inside a cloth covered and wooden framework — through the outdoors courtyard.
Heres my “definition” of Mimi Norrgren’s exhibited artwork in Unfeasibility Study catalog.
Mimi Norrgren: In Bird, a documented 2-hour long body-art action (or “zerreisprobe” / endurance-test), Mimi Norrgren is shown with a blank canvas as interface protection between herself — and a real-live rhea (member of the ostrich family), whose advances she fends off from herself, while still feeling their full brunt.
Bird, provokes pondering human concerns of constant vulnerability and desperate need for survival — but also the craving and desire for experience, risk-taking and even danger. Even in this day and age, gender-politics enter the equation, given the author (and heroine or star) is female and young.
Furthermore, only a single still photograph of just 1 scene from Bird is in Unfeasibility Study; no moving image footage, audio or relics.
However, being in black and white as well as fact theres limited material to “go on” serve as reminders that much earlier post and cold war era performance and other work is only “known” from vintage records or even 2nd-hand “reality”.
Additionally, the past / present / future status of live-art is called into question, with cases argued for-and-against.
+ Just some of my connection to performance art (and Scandinavia).
1 of my recidivistic serial collaborators in crime is Richard Crow.
An important part of Richard Crow’s life and work was his early to mid 1990’s Institution of Rot event venue, at his North London domestic and working space, where he inhabited from between the early 1980’s until 2009.
Richard Crow’s ventures include Institution of Rot appraisals.
Live events.
Such as the 2009 eviction and departure ceremony, festivities, mourning, “wake” or “exorcism”, A Demised Premise.
A readymade housing and property term.
Then, 2013’s A Rotten Corpus, “séance” or “invocation” for the Institution of Rot, at Goldsmiths College, London.
Both involving me.
Another resurrected phoenix arisen from the Institution of Rot’s ashes was Richard Crow’s A Demised Premise dossier and black museum, published in the Dokument, Dispositiv, Deskription, Diskurs, number of OEI anthology, Stockholm, 2011.
1 page is an image of me performing, with my own summed-up impressions and aspects of the Institution of Rot; but ideally both halves should be prelude and sequel, at opposite extreme ends of A Demised Premise.
I sometimes recite this and other works by me, with Crow’s found material, when we perform, record or are filmed.
Earlier, it was released as audio track (with quoted extracts on sleeve) on Richard Crow & Institution of Rot’s 2009 A Demised Premise cd and cassette.
Disembodied, free and loose, but injured and sickly voices gasp their very last breath; remains compress, adhere, fuse, solidify and fossilize; leftovers, resurrecting into cadavers and wreckage which never quite die out; instead, they stumble, falter, slow down and halt during course of duty as active bodies and live places, not at standstill.
Substance-fatigue claims derelict bodies and dead places; afflicted victims fracture, shatter, crumble and dissolve, until evaporated away; all fumes and sand survived by burns, rust, debris, stains, mold, shadows and clouds lurking behind afterwards; immortalized voices patrol, haunt and reign, becoming unhindered meteorological weather.

저항의 예술가, 김순기와의 대화


아트선재에서 열린 김순기의 개인전 <달, 어디에, 시장을 넘어서, 침묵>은 내용과 의미가 사라진 동시대 시각예술의 흐름 속에서 경제와 세계화가 미친 영향에 대해 두 명의 프랑스 철학자 자크 데리다(Jacques Derrida), 장-뤽 낭시(Jean-Luc Nancy)와 김순기가 나눈 철학적 대화 영상을 중심으로 펼쳐진다. 전시는 시장 경제에 대한 재현이나 비평 대신 보이는 것 뒷면에 가려진 호흡, 소리, 움직임을 가리키는 철학적 화두로 이루어진 채움보다 비움에 다가간다. 그녀의 대화에 초대된 두 철학자는 자본 중심 사회가 예술과 창작에 영향을 끼치고 있는 오늘의 상황에서 예술의 가능성을 어떻게 찾을 수 있는지를 진지하게 탐색한다. 특히 회화로 대표되는 시각예술의 딜레마, 즉 시장에서 거래되는 상품이자, 예술 작품이라는 유일성이 주는 소유의 욕구로부터 자유로울 수 없는 상황에서 어떻게 예술이 시장의 논리와 관계 맺을 것일지에 관해 탐구한다. 이에 대해 데리다는 세계화에 의한 시장의 보편화에 대해 진정한 보편성이란 단지 상품의 유통이라기보다 매 순간 일어날 수 있는 “만남의 신비”를 언급한다. 그러자 김순기는 “침묵의 공유”로 화답한다. 그녀에게 침묵이란 소리-없음이 아닌 자연 그리고 타인과의 교감을 지시한다. 그러자 데리다는 “만남이란 것 자체가 원래 타자를 만나는 것이지요. 만남이 있으려면 절대적인 이타성이 필요합니다”라고 덧붙인다. 낭시는 동시대 시각예술에 있어 자주 언급되는 “내용의 부재”라는 화두에 대해 단순히 내용의 부재가 예술의 내용으로 대체되었다기보다 현존(presence)에 관한 물음이 곧 (예술적) 내용의 문제가 되었다고 풀이한다. 1970년대부터 지속적으로 동서양을 ‘가로-지르며’ 횡단적 사유를 통해 매체의 잠재성, 행위와 실천으로서의 창작 그리고 기계기술로서의 비디오가 아닌 철학적 매체로서의 비디오의 가능성을 실험하는 작가 김순기의 이야기를 들어보자.


정현(이하 정): 선생님의 프랑스 유학 생활이 궁금합니다. 더불어 1970년대 프랑스 미술계의 풍경이 어떠했는지도 듣고 싶어요.
김순기(이하 김): 1970년대 프랑스는 파리보다 남불, 니스, 마르세이유, 엑상프로방스 등이 전위적이고 실험적인 창작이 일어나던 곳이었습니다. 특히 니스의 미술학교에서는 젊은 시절의 소냐 호프(Sonja Hopf), 이브 미쇼(Yves Michaud) 등과 같은 강사나 교수가 학생들과 함께 토론에 참여할 정도로 자유로운 분위기와 열정이 넘쳤죠. 저 역시 제가 가르치는 학생들과 함께 한 밤 중에 다소 위험한 마르세이유 중심가에 가서 촬영을 감행하기도 했죠. 이미 그때부터 저는 혼자가 아닌 함께 동행하는 작업에 관심이 컸어요. 예를 들어 1986년도에 마르세이유의 비에이유 샤리떼(La Vieille Charité)에서 초현실주의 관련된 꽤 규모가 큰 전시가 열렸는데 그 때 개인전 초대를 받은 적이 있었어요. 그런데 전 그런 큰 전시의 맥락 속에서 제 개인전을 한다는 게 내키지 않아서 개인전 대신 제 지인들과 함께 하는 전시를 기획했죠. “비디오 & 멀티미디어/김순기와 친구들”(Video & multi-media/Soungui Kim et les invités)라는 제목으로 세 개의 페스티벌을 만들었어요. 존 케이지를 비롯해 다국적 작가들을 초대해 공연, 퍼포먼스, 강연, 시 낭독, 전시 등 경계 없는 축제를 만들었습니다. 금전적 지원이 없는 상황에서 바닷가에 텐트도 치고 학생 집에 작가들을 모시기도 하면서 함께 생활하는 것을 통해 국가와 세대의 경계를 넘어서는 축제를 통해 이른바 ‘만남이라는 상황’을 실천한 셈이죠. 오프닝 역시 여유가 없으니 차라리 배를 띄워서 일종의 선상파티를 열었습니다. 바닷가에서 잡은 꽁치, 꼴뚜기를 전시장 디렉터 집으로 가져가 구워 먹기도 했지요.
정: 선생님께 만남, 특히 우연한 만남은 창작은 물론 삶에 있어서도 매우 중요한 요소인 것 같습니다. 존 케이지와의 만남 역시 그러한데요.
김: 전 이유는 모르겠지만 위대한 작가들을 매우 일상적인 장소에서 우연히 만나게 되는 경우가 많았습니다. 존 케이지도 마찬가지인데요. 존 케이지의 공연을 보러 갔다가 그에게 질문을 하나 던졌습니다. 그게 인연이 되었습니다. 존 케이지가 함께 대화를 더 나누자고 제안했고 그렇게 그와 친분을 맺게 되었어요. 이번 전시에 출품된 “존 케이지-빈 말 & 미라주 베르발”(John Cage –Empty Words & Mirage Verbal, 1986)이 1986년도 축제에서 촬영한 작업입니다. 축제를 기획하면서 전시장 측에 존 케이지를 초대한다고 했더니 아무도 믿지 않았어요. 하지만 그는 초대에 응했고 주역을 이용해 헨리 데이빗 소로우(Henry David Thoreau)의 글에서 임의적으로 단어를 선택해 “빈 말”을 찾았고, 뒤샹의 편지에서 단어를 선택해 “미라주 베르발”(구술적 신기루)라는 노래를 만들었습니다. 저는 그처럼 동양 철학에 밝은 사람을 본 적이 없어요. 사실 소리에 대한 관심은 존 케이지를 만나기 전부터 시작되었습니다. 전 회화의 한계를 벗어나려 노력했죠. 한국에서 대학원에 다니고 있을 때, 광목 천을 잘라 12개의 물감 통에 집어 넣은 후 미술대학 마당에서 말린 적이 있었어요. 새벽에 일어나 이 장면을 보니 이른바 조형적 상황이 펼쳐진 겁니다. 의도하지는 않았지만 나무에 걸린 천 조각들이 바람에 흔들리고 나무도 함께 진동하고 있었어요. 작업과 자연이 공명하고 있던 겁니다. 이때부터 소리에 관심을 갖게 되었습니다. 소리는 한계가 없고 무한한 만남으로 나타나지만 그 무엇도 소외시키지 않습니다. 이후 돌 아래 마이크 장치를 해 언제나 존재하지만 가청 영역 바깥에 있는 소리를 들려주는 작업을 했습니다. <릿슨투더엠티니스>(Listen to the Emptiness, 1986)는 이러한 침묵의 소리를 공유하는 작업으로 정원의 바윗돌을 전시장으로 옮겨 앰프로 활용한 작업이에요. 음악은 팔 수 있지만 (존재로서의) 소리는 팔 수 없는 것 아닐까요?
정: 소리의 무한성을 깨닫게 되었다는 것은 ‘빛’에 대한 감수성도 예민해 졌다는 걸 의미하는 것처럼 들립니다.
김: 맞아요. “달들”(Lunes, 2003)이 바로 그 작업입니다. 물론 소리의 자각 이후 비디오 작업을 시작하게 되면서부터였지요. 왜냐하면 제 작업이 정형화된 전시 공간이나 매체로부터 벗어났기 때문에 ‘기록’이 필요했습니다. 사진이나 영화와 달리 비디오는 뉴미디어이자 빛과 시간의 기록 매체였습니다. 저는 연출가나 사진작가처럼 카메라 뒤에서 관찰하는 사람이고 싶지 않았어요. 1974년 모나코에서는 “Signe”그룹과 함께 바다에서 연을 날리는 장면을 비디오를 통해 곧바로 TV모니터로 전송해 ‘시간의 실재성’을 실험하기 시작했습니다. 물론 저도 그 화면, 그 시간 안에 함께 있었죠. 하지만 1980년대 말이 되자 이러한 새로운 기록의 매체로서의 비디오도 한계가 드러났고, 나는 더 이상 기술매체로서의 비디오가 아닌 빛을 담는 그릇이 바로 비디오라고 생각했어요. 그래서 흙으로 TV모니터 주형을 만들어 물을 얼려 앞의 개념을 구체화시키려 했습니다. 그래서 얼음공장에 찾아가 이 작업을 실험할 수 있었어요. 곧바로 완성되지는 않았습니다. 왜냐하면 온도의 차이에 따라 물의 질감, 성질이 변화하는 것을 측정해야만 했어요. 마치 도자기를 구울 때 불의 온도, 움직임, 성질이 중요하듯 얼음 모니터를 만들 때도 온도의 차이에 따라 미세한 변화가 일어났어요. 일정 온도로 하강하자 얼음으로 바뀌면서 부피가 커지다가 더 내려가자 부피가 줄고 투명성이 나타나는 겁니다. “아이스 비디오 콘서트: 비데 & 오”(Ice Video Concert: Vide & O, 1989) 이미지는 쿤스트하우스에서 5일 간 녹인 장면을 촬영한 것입니다. 이 제목에도 일화가 있는데요. 얼음 공장에서 무엇을 만드느냐고 묻길래 빈 공간에 물을 부어 얼릴 것이라 얘기했더니 공장 직원이 비어있음을 뜻하는 “Vide”와 발음 상 물을 지시하는 “O”라고 표시를 해 놓은 게 결국 작품 제목이 된 셈입니다. 직원이 제목을 지어준 거죠. “달들”은 핀홀 카메라로 찍은 달 사진입니다. 30분 정도 노출된 핀홀 카메라는 달의 움직임을 기록하는데 그게 마치 동양화의 획을 연상시켰습니다. 핀홀 카메라에 구멍을 하나 더 뚫자 어리석게도 두 개의 달 움직임이 사시의 시점으로 기록되기도 했습니다. 저희 집안에는 훌륭한 서예가들이 많았어요. 현재 구순이 된 제 어머니도 서예전을 준비 중일 정도니까요. 그래서 저도 글씨를 잘 썼지만 서법을 습관적으로 따라가기보다 스스로 습관을 버리고 싶어서 적은 서예 작업이 “컴컴한 동쪽바다에”(Kom Kom Han Dong Zok Badaé, 1998)와 “스스스투투투 오리 날라가면”(Su-Su-Su An gué Sorié, 1998)입니다. 바보 서도라 부르는 이 글쓰기 법은 자아와 필(篳), 묵(默) 사이의 힘과 속도에 관한 작업이에요. 획을 천천히 그으면 묵이 퍼지고, 너무 빨리 그으면 건필이 되기 때문이죠.
정: 바보 서도는 기의 움직임이자 상호적인 만남에 대한 작업이군요. 선생님과의 대화에서 데리다가 강조한 형식(Support)과도 연결되는 것 같습니다. 한국 사회는 급진적인 발전과 개발 아래 지나칠 정도로 성과위주 사회가 되었습니다. 미술계 역시 세계화라는 유령 같은 욕망을 좇고 있습니다. 과연 오늘날의 예술, 창작이 의미를 가질 수 있을까요?
김) 오늘날 동시대 예술은 희생양을 향한 통곡의 장이 되어 버린 듯합니다. 특히 과도한 타자에 대한 집착은 병든 사회를 증명하는 듯합니다. 서구의 피의 역사는 늘 희생양을 통해 구원을 찾았지요. 이제 심지어 동양성, 정신, 혁명, 슬픔과 연민까지 사회적 상품으로 변질되는 것만 같아요. 이런 현상이 자본주의와 잘 맞아 떨어지는 부분이기도 하지요. 제가 주식에 관한 전시와 이번 전시에서 ‘시장 너머’를 다루는 것은 바로 이 사회에서 예술이 무엇인지 질문하고 있는 겁니다. 예술은 저항입니다. 이는 오늘날 거의 모든 유무형의 자산들이 금융자본, 상품, 시장성이란 가치로만 평가되는 거대한 파도로부터의 저항을 의미합니다. 또한 습관이나 전형화에 대한 저항이기도 하지요. 바보 서도처럼 말이죠.
정현 (미술평론가) 
 http://artmu.moca.go.kr/user/sub/subView.do?contentsNo=317&magazine=201405&menu=INTERVIEW
http://artmu.moca.go.kr/user/sub/engView.do?contentsNo=319&magazine=201405

You got the wrong person

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Works on Paper

까다로운 대상_ 2000년 이후 한국 현대미술

강수미 지음 | 글항아리 | 2017년 06월 01일 출간
2000년대 이후 한국 현대미술의 다채로운 풍경들!
미술비평가로서 그간 현장비평을 활발히 해온 강수미가 지난 20여 년간 한국 미술에서 눈여겨볼 만한 작가들을 하나의 미술비평 집합체로 내놓은 『까다로운 대상』. 

배병우, 강홍구, 우순옥 등 이미 입지를 단단히 한 중견 작가들뿐 아니라 함경아 등 주목할 만한 전시를 끊임없이 이어오는 작가, 전채강 등 젊은 작가에 이르기까지 동시대 여기서 살아 움직이는 예술가들의 작품론을 민감하게 읽어낸다.

밤하늘의 별이 저마다 이름을 갖고 있지만 은하계라는 전체를 이루듯 저마다 고유함을 지니는 ‘동시대 현대미술’을 다룬 이 책에서 작가들의 작품들은 하나하나 집중정 분석의 대상이 되지만, 다른 한편 단순한 요소들의 합이 아닌 하나의 구조로서의 속성을 지닌다. 그 속성은 현실적인 점과 이상적인 부분, 시각적인 것과 가능한 해석들, 세속적인 바탕과 형이상학적 의미, 개별적인 면모와 공통성의 분유 등으로 설명될 여러 성격이 그 자신을 보존한 채 한데 모여 있음을 뜻한다.

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4 meta-physics 1 내 섬세함에서 섬세한 우리의 존재로 | 우순옥의 <잠시 동안의 드로잉> 

우순옥 : 잠시 동안의 드로잉


국제갤러리는 한국의 대표적인 중견작가이자 이화여자대학교 교수로 재직중인 우순옥의 개인전 <잠시 동안의 드로잉>을 개최한다. 그 동안 개념적인 작업으로 한국적 여백의 미를 보여주었던 작가는 이번 전시에서 설치와 드로잉, 영상작품으로 그 사색적인 작업의 맥을 이어가고 있다. 우순옥 작업의 특징은 구체적인 사물을 표현하기보다, 공간이나 시간과 같이 비물질적인 상태에 관심을 가지며 이를 구현하는 것에 있다. 일상의 순간적 시간 혹은 먼 우주적 시간으로 보면 꿈 같이 짧은 우리의 인생을 ‘잠시 동안의 드로잉’이라고 말하는 작가는 잠시 머물다 떠나는 무형의 존재에 대한 흔적을 표현하고자 한다. 이번 전시를 통해 어디에도 없는 곳에 대한 사유, 보이지는 않지만 어딘가에 있을 우리의 잃어버린 낙원에 대한 환상과 그리움을 불러일으킬 수 있는 기회가 되길 기대한다.
http://artday-exhibition.blogspot.kr/2011/11/blog-post_1127.html

Because it is

Sies + Höke, Dusseldorf
January 24 – March 7, 2020
Press Release:
In her first solo exhibition at Sies + Höke, titled Because it is, Sophie von Hellermann shows works in a variety of formats that she has assembled into a narrative installation including a number of content-related juxtapositions. Here, the catastrophic encounters positive and sometimes romantic depictions of being at one with nature. The starting point of her visual journey through the peaks and troughs of our present, which is characterized by phenomena such as climate change or bushfires in Australia, is the titular quotation by Greta Thunberg. It comes from a lecture that the Swedish climate activist gave at the World Economic Forum in Davos in 2019 titled “Our House is on Fire.” Its now famous final sentences read: “I want you to panic, I want you to feel the fear I feel every day. And then I want you to act, I want you to act as you would in a crisis. I want you to act as if the house was on fire, because it is.” Further inspiration for Sophie von Hellermann’s latest paintings was also found by reading non-fiction books such as Gaia’s Revenge (2006) by James Lovelock, The Uninhabitable Earth by David Wallace Wells, and This Changes Everything by Naomi Klein.
In her images, which are painted with loose gestures and frequently presented in installations, references to current political and societal trends and events meet with inspiration borrowed from fairy tales, myths, fables, legends, oral traditions, the direct contemplation of nature, and visual stimuli from her own unconscious.
However, the artist is by no means interested in merely illustrating the content of speeches or books in her images. For Sophie von Hellermann, these are first and foremost “strong statements, which I approach in my paintings with large, blurred brushstrokes.” For her, imagination always takes precedence over reality. Visual inspiration is thus much more vital to the development of her images, which she takes from her home by the sea as well as the idyllic natural surroundings of her second studio.
The artist is internationally recognized for her seemingly hazy style of painting with a pastel-toned palette. When composing her paintings, Sophie von Hellermann always starts from a base color. She uses pure pigments mixed generously with water and acrylic emulsion in buckets and applies the mixture to the canvases on the floor with rather crude painting tools. The three large paintings opening the exhibition each measure 220 x 280 cm.
The painting Because it is, which gives the exhibition its title, depicts a wildly flaming blaze in strong yellow, red, and orange tones. A mother with two children can be seen in the foreground, who has apparently just managed to escape the hellish flames. Other figures, however, seem to have lost all hope. They stretch out their arms helplessly. Another large-format painting portrays a lonely man with a shovel, apparently standing in front of the slowly smoldering remains of his charred house. Images between hope and fear that express the fatalism of the current situation as well as the hope of a way out. But other virulent subjects are taken up in this exhibition, too. For example, Sophie von Hellermann also addresses refugees, immigration, and Brexit. A counterpoint to these rather pessimistic works, which are inspired by reality, is provided by some completely different motifs from the artist’s imagination, such as ghostly goings-on (Hysterie; Hysteria), curious encounters between humans and animals (Tragische Trüffel; Tragic Truffles), or the ideal of a harmonious fusion between man or woman and the forest (Eins mit der Natur; One with Nature).
https://contemporaryartdaily.com/2020/03/sophie-von-hellerman-at-sies-hoke/?fbclid=IwAR2LRhta-qWUttcIAfndvO0GLKHeXb1njqwMDACqjYygAxuOfXaNyyBbxC0