White Stag 흰 숫사슴 (2001)

 

Infrared video to DigiBeta 3 min, Diorama: 38cm x 48cm x 14 cm, various materials, drawing, 76.5cm x 69 cm, graphite on paper.

A richly nuanced work developed out of Ovid's poem, The Metamorphosis, specifically the story of Diana and Actaeon, a long standing subject from Titian and Rembrandt onwards. As with Aerial Waller's work, the mythological past is not represented in opulence, but within the brutalist architecture of a London open air swimming pool, a photorealist graphite drawing from a photocopy and a miniature tableau of a grape twig, cigarette stubs and novelty lighter.    
A relationship is drawn between the three elements of the work through metamorphosis, from the 2D drawing, to the 3D tableau, to the 4D video. Each element has a strong narrative drive centred around recognition, mimicry and hope in the face of adversity. The drawing depicts a deer with a fallen antler, gazing upon a tree within a bleak landscape. The narrative suggests that the deer has recognised a similarity between the tree branch and his own fallen antler. It then becomes clear that this is not a deer, but a model of a deer faced towards a grape twig and cigarette stub. Initial understanding of both the scale and the nature of the subject are thrown into disarray, yet the landscape retains its initial romanticism. The three dimensional tableau brings the work back into a brutal realism, torn away from the fictional depiction that drawing can adopt, it is absolutely clear that this is a novelty lighter, a twig and a wooden board. 
Within the video work Aerial Waller finds a celebration of tiny moments of joy and fortitude, in the face of adversity; as exemplified by the central swimming scene, where a figure battles against both the cold and his poor swimming technique, yet continues to keep afloat on his journey across the frame. The video is shot on infra red equipment in daylight, an act of undoing an extra-human perception, a levelling of the technology in parallel to the curse Diana imposes on her voyeur, Actaeon.  
The nuance of the piece leads towards ideas of co-operativity and choice of entering into new trajectories of thought; to move from dependable modernity into the semi assigned space of the rural parkland, the deer park. It presents the battle of the soul away from sweet sadness towards the thrill and hope of entering new territory.  
Two figures, Diana and Daggers, meet at the brutalist swimming pool and discuss moving outside into the parkland, inhabited by deer. Daggers asks Diana "is this yours?" referring to an unidentified object. Daggers asks if they need permission to exit the designated area, Diana responds that permission is not necessary. In the finale Diana says to Douglas, "come on lets get to it!" and they recede into the suburban distance, across the concrete slabs, away from the parkland.
Cast: Douglas Park, Diana Stone

Exhibitions:
Traversées, Muse d'Art Moderne de la Ville de Paris,France, 2002
This place you see has no size at all, Kadist Foundation, Paris, France, 2009
The Cassiopeia Plan, Wysing Art Centre, Cambridge, UK, 2010

http://www.markaerialwaller.com/whitestag.html


Mark Aerial Waller, 2001
Infrared video to DigiBeta, 3 min.
Featuring Douglas Park and Diana Stone
Aerial Films, London

White Stag은 프랑스의 음악가이자 영화감독인 Dominique Pettigand의‘l'Amorce des Consignes'와 ‘1/79', 두 사운드 작품에 대한 응답으로 진행된다. 
영화는 황량한 노천 수영장의 범위 내로 설정되었고, 더글러스 파크가 연기하는 인물이 수영장의 
경계를 넘어 미지의 영역을 준비하는 모습을 담는다.

MARK AERIAL WALLER
Born in High Wycombe, UK in 1969       
Lives and works in London

MARK AERIAL WALLER is an artist working in video, sculpture, drawing and event based practices, based in London. He produces interdisciplinary, cinematic time travelogues that refute any predictable balance between our romance for the ancient past and our fetish for a streamlined future. Waller defies conventional screening formats, integrating sculptural objects and live performances for an experience of cinema defined in spatial and situational terms. He is also the founder of The Wayward Canon, a platform for event-based interventions in cinematic practices.

페미니즘 미술읽기 : 한국 여성 미술가들의 저항과 탈주 (2024)


여성 미술인 44명 이야기/ 열화당 / 38.000원

목차

책머리에
여성 미술 문화의 밝은 미래를 꿈꾸다

글을 읽기에 앞서
한국 현대 페미니즘 미술의 흐름

여성성과 섹슈얼리티
윤석남, 장파

몸의 미술
이불, 이피, 이미래

광기, 에로스, 히스테리
박영숙, 이순종, 이은새

퀴어 정치학
정은영, 흑표범, 김나희

저항적 여성서사
임민욱, 송상희, 함양아, 김아영

에코페미니즘
홍이현숙, 조은지, 홍영인

감정노동자의 초상
주황, 신민, 치명타

노마디즘
김수자, 함경아

디아스포라 미술
차학경, 민영순, 윤진미

추상미술에서의 여성성
양주혜, 홍승혜, 박미나

알레고리 형상
김명희, 김원숙, 조영주

번역의 매체와 양식
이수경, 신미경, 이세경

불편함의 미학
정서영, 김소라, 양혜규

수공예와 민예
이영순, 장응복

페미니스트 컬렉티브
‘입김’의 정정엽, ‘노뉴워크’의 봄로야

글을 마치며


2010년대 중후반 일어난 ‘페미니즘 리부트(reboot)’와 이에 맞서는 역풍인 백래시(backlash) 사이를 통과하며, 2024년 현재 한국의 페미니즘은 어디까지 왔으며 어디로 가고 있을까. 

여전히 사람들에게 충분히 자각되지 않았다는 입장과 이제는 한물간 주제, 또는 갈등만 부추기는 사안이라는 의견이 공존하는 듯하다. 이러한 시점에 출간되는 김홍희의 『페미니즘 미술 읽기: 한국 여성 미술가들의 저항과 탈주』는, 지난 몇 년간 문화계에서 붐을 이루던 ‘여성’, ‘페미니즘’을 주제로 한 전시와 출판 흐름의 뒤늦은 편승처럼 보일지도 모른다. 

하지만 그 수많은 이벤트 속에서 정작 페미니즘 미술의 담론과 현장을 진지하게 들어다볼 기회는 드물었다. 이 책은 지난 삼십여 년간 큐레이터이자 평론가로 미술 현장에 몸담아 온 김홍희의 도전적 저술로, 1980년대 이후 반세기 동안 한국의 여성 미술가들이 축적한 성과를 보여주는 여성적 시간의 지형도이다. 

페미니즘이 당면한 15가지 화두를 설정하고 그 안에 다른 세대의 작가, 또는 생각을 공유하는 작가 2-4명을 배치해, 개인을 넘어서는 세대와 작가 사이의 팀워크를 보여준다. 이 지상 전시회에 초대된 44명의 여성 미술가들은 부계적 가치관과 남성중심의 화단 권력에 맞서며, 억압되어 보이지 않는 것, 존재하나 부재하는 것을 여성의 상상력과 은유적 언어로써 회복하는 페미니즘의 책무를 수행한다. 

나아가 신분, 인종, 성별, 장애 등 차별 유형들의 교차성에 주목하는 미래의 청사진까지 제시함으로써 현대 페미니즘 미술의 최전선을 확장해 간다. 여기에 작가들의 말, 엄선된 주요 작품들 236점이 컬러로 함께 수록되어 담론과 현장의 생생한 모습을 다각적으로 전달한다.

페미니즘 미술 읽기 - 교보문고

ISBN
9788930107907
발행(출시)일자
2024년 09월 20일
쪽수/크기
464쪽 | 159 * 231 * 34 mm / 1037 g




 페미니즘 미술읽기 : 한국 여성 미술가들의 저항과 탈주 

출판 기념회

2024.9.30. 더레스토랑 국제갤러리

경향신문에 연재한 내용을 바탕으로 김홍희 출판기념회 '페미니즘 미술읽기 : 한국 여성 미술가들의 저항과 탈주' 출판기념회

이 책은 지난 삼십여 년간 큐레이터이자 평론가로 미술 현장에 몸담아 온 김홍희의 도전적 저술로, 1980년대 이후 반세기 동안 한국의 여성 미술가들이 축적한 성과를 보여주는 여성적 시간의 지형도이다. 

페미니즘이 당면한 15가지 화두를 설정하고 그 안에 다른 세대의 작가, 또는 생각을 공유하는 작가 2-4명을 배치해, 개인을 넘어서는 세대와 작가 사이의 팀워크를 보여준다.


축사는 전 서울시립미술관장 백지숙, 미술가 정정엽, 정서영, 정은영, 시인 김혜순

질의 응답에는 김홍남 전 국립중앙박물관장, 김민 동아일보 기자 등이 참여했다.


김홍희

Untitled, 2010

Untitled (2010) was a conceptual group exhibition curated by the London-based curatorial trio Am Nuden Da at the Four Boxes Gallery at Krabbesholm Højskole in Denmark.

Challenging standard gallery practices, Untitled required that all 13 participating artists display artworks that were explicitly named "Untitled". This was paired alongside a concurrent exhibition by the trio called Words, creating a stark conceptual contrast: while Words explored language over physical form, Untitled rejected linguistic categorization to focus entirely on visual materiality.

Am Nuden Da is a London-based contemporary art collective and curatorial trio founded in 2008 by three individual artists: 
  • Adam Gibbons
  • Lewis Ronald
  • Jesper List Thomsen 
Operating with a fluid identity, they purposefully blur the traditional boundaries between being a gallery space, an artist collective, and an independent curatorial entity. 

Session_12_Words + Untitled 
Private View Friday 12th November 2010_3-6
Show open 13th to 21th November 2010


at Four Boxes Gallery
Krabbesholm Alle 15
7800 Skive, Denmark

http://krabbesholm.dk/english.html
http://www.amnudenda.com/session_12_WA.htm


Press release

Words was first realised in 2009 and shown in Am Nuden Da's former London space in conjunction with the Los Angeles based journal Material. It was conceived as an exhibition focused on artists' use of the written word. To coincide with the re-installation of Words at Four Boxes Gallery, Am Nuden Da has curated the exhibition Untitled .
The 13 artists participating in Untitled have responded to a proposition that the works shown here should be chosen on the basis of their status as 'Untitled'. Where Words foregrounds language at the expense of materiality, Untitled performs antithetically by engaging with the physical and visual.
For the Words exhibition 85 artists have been invited to email a 'text piece' to Am Nuden Da who, using a standardised format, have copied and pasted each submission onto a single sheet of A4. All pieces are set in Arial,  the  default typeface, at point 10 size. This dogmatic method represents an attempt to foreground language ahead of personal style, design, layout and graphic appearance.
The installation of the untitled works offers a contrasting visual and material situation, one where categorising and identifying the artwork takes a paradoxical turn by relying on a linguistic association, that of being unnamed. Throughout the last century the 'Untitled' proposition has become not simply a default mechanism for not assigning a name to a work of art but a recognised methodology, one which this show addresses.
Marcel Duchamp christened the modern title as an "invisible color," offering it a name that was simultaneously precise, paradoxical, ironic and impossible.
1
you must say words, as long as there are any, until they find me, until they say me, strange pain, strange sin, you must go on, perhaps it's done already, perhaps they have said me already, perhaps they have carried me to the threshold of my story, before the door that opens on my story, that would surprise me, if it opens, it will be I, it will be the silence, where I am, I don't know, I'll never know, in the silence you don't know, you must go on, I can't go on, I'll go on. 2
"When?" 3 
1 "Invisible Colors: A Visual History of Titles", John C. Welchman (Yale University Press, 1997) p. 8
2 "The Unnamable", Samuel Beckett
3 Untitled , 2010, Cally Spooner



UNTITLED

Jesse Ash
Andrea Büttner
Stefan Burger
Hsiao Chen
David Raymond Conroy
Aleksandra Domanovic
Lina Viste Grønli
Geoge Henry Longly
Helen Marten
Philomene Pirecki
Giles Round
Ama Saru
Cally Spooner


WORDS

Øystein Aasan
Marya Alford
Kathryn Andrews
Adriana Salazar Arroyo
Jesse Ash
Charles Avery
Fiona Banner
Becky Beasley
Stephanie Bolt
Olivia Booth
Stefan Brüggemann
Matthew Buckingham
Andrea Büttner
Stefan Burger
Josh Callaghan
Carrit & Palmer
Alejandro Cesarco
Jake Chapman
Terry Chatkupt
Hsiao Chen
Paolo Chiasera
Marcus Civin
David Raymond Conroy
Simon Cunningham
Robin Dicker
Aleksandra Domanovic
Samuel Fouracre
Maria Fusco
Aurélien Gamboni
Ryan Gander
Joy Gerrard
Douglas Gordon
Alyssa Gorelick
Lina Viste Grønli
Emilie Halpern
Will Holder
Yngve Holen
David Horvitz
Sven Johne
Farrah Karapetian
Peter Kirby
Susan Kordalewski
Jenny Moore Koslowsky
Oliver Laric
Ian Law
Wiebke Leister
Geoge Henry Longly
Shana Lutker
Ignacio Mardones
Helen Marten
Elizabeth McAlpine
Jessica Minckley
Daniel Mueller-Friedrichsen
Melanie Nakaue
Arthur Ou
Katrina Palmer
Douglas Park 
Chris Peters
Regine Petersen
Kate Pickering
Philomene Pirecki
Wolfgang Plo?ger
David Price
Dan Rees
Olivier Richon
Declan Rooney
Martha Rosler
Giles Round
Ama Saru
Scanlon & Grivell
Emma Shercliff
Cally Spooner
Jack Strange
Roman Vasseur
Laurence Weiner
Richard Wentworth
Dee Williams
Duncan Wooldridge
Charlie Woolley
Cerith Wyn Evans
Eric Yahnker
Viola Yesiltac

마지막 국가관 (베니스비엔날레 한국관 아카이브 북, 1995-2024)

 

마지막 국가관 — 베니스비엔날레 한국관 아카이브 북
The Last Pavilion — The Archival Publication of the Korean Pavilion at the Venice Biennale
2023.11.~ 2024.8.

– 베니스비엔날레 한국관 아카이브 연구, 아카이브 전시 기획, 노송희/백종관 작가 작품 프로덕션, 전자책 국/영 PDF, E-pub2, 종이책 출판.

| 총괄 편집: 호경윤
| 연구: Bf(호경윤, 이다영)
| 글: 김석철, 김홍희, 이영철, 제인 다 모스토, 프랑코 만쿠조 & 세레나 에르네스타, 호경윤
| 연보 정리: 이다영
| 번역: 김효정, 문유진, 장수현, 전진영, 조수지, 콜린 모엣, 하유진
| 영문 교정: 탁영준
| 자료 제공: 한국문화예술위원회 아르코 예술기록원
| 디자인: Bf(조은지스튜디오)
| 사진: CJYART STUDIO 조준용

  • 출판사한국문화예술위원회
  •   
  • ISBN9788965831228


베니스비엔날레 한국관 30주년 특별전시 '모든 섬은 산이다' 연계 아카이브 북, 

1995년 베니스비엔날레 마지막 국가관으로 건립된 한국관을 중심으로 한국미술이 세계와 만나 교류한 지난 30년간을 담음. 전시 관련 텍스트와 자료, 연보, 한국관 재조명 글을 포함.

역대 커미셔녀/예술감독: 이일, 오광수, 송미숙, 박경미, 김홍희, 김선정, 안소연, 주은지, 윤재갑, 김승덕, 이숙경, 이대형, 김현진, 이영철, 이설희, 야콥 파브리시우스


역대 참여작가: 곽훈, 이인겸, 윤형근, 전수천, 강익중, 이형우, 노상균, 이불, 마이클 주, 서도호, 

박이소, 정서영, 황인기, 김범, 김소라, 김홍석, 문성식, 박기원, 박세진, 박이소, 성낙영(나키온), 

성낙희, 배영환, 오형근, 이주요, 정연두, 최정화, 함진, 이형구, 양혜규, 이용백, 김수자, 문경원 & 

전준호, 이완, 코디 최, 남화연, 정은영, 제인 진 카이젠, 김윤철, 구정아


목차 요약:

제1장 프리퀄

-마지막 국가관

-베니스비엔날레 한국관 설계 이야기

-베니스비엔날레 한국관, 개관 30주년에 부치며


제2장 역대 미술전시

-[1998] 베니스비엔날레 한국관 개관에 즈음하여_이일

~(중략)

-[2024] 베니스비엔날레 제60회 국제미술전/한국관 예술감독 선정회의 심의 총평


제3장 연구

-베니스비엔날레 한국관과 '큐레이터십'

-파란만장 30년, 끊어진 궤적 잇기

베니스비엔날레 한국관, 출생 이야기


제4장 색인

-연보(1986-2024)

-약력

참고문헌 및 이미지 정보

https://www.venicebiennale.kr/static/source/archive-book-kr.pdf

띵찰 (2025)

 


주재환과 김광우의 띵찰을 보고 AI는 이렇게 말했다

이지혜 기획,주재환, 김광우 저자
·2025년 08월 18일




‘띵작’이란 무엇인가?
명찰과 AI가 빚어낸 미술과 일상의 경계 넘기
『띵찰』은 관광 명찰로 만든 두 예술가의 작품을 ChatGPT와 함께 설명하며 일상과 미술, 
인간과 기술의 경계를 가볍게 비트는 작품집이다. 
익숙한 사물에 대한 새로운 시선과 사회의 허위, 권력의 균열을 예리하게 짚으며 
진지함과 유머 사이를 오가는 자유로운 예술 실험을 선보인다. 
두 작가의 작업은 전통적 재현이나 형식미에 머무르지 않고, 
예술 경험의 주체를 전문가에서 관람자로 확장시킴으로써 개개인의 ‘보는 감각’에 대한 성찰을 
촉구한다.

목차

작가의 말 - 주재환
진부한 것의 변용 - 김광우
띵찰과 인공지능 - 이지혜
ChatGPT와의 대화

띵찰
1. 시시비비
2. 태어나버린 자유
3. 어리석음
4. 인지 마음 | 마음 인지
5. 공으로 가는 길

작가소개
작품목록

‘띵작’은 어떻게 결정되는가
진부한 물건에 예술을 불어넣다


명작의 기준은 무엇인가? ‘그림 같은 그림’만 걸작이라 평가받을 수 있는가? 
이 진중한 물음에 재치 있게 답한 예술가들이 있다. 
『띵찰』은 두 예술가의 관광 명찰 작품을 
ChatGPT와 함께 설명하며 일상과 예술, 인간과 기술의 경계를 가볍게 비트는 지적 장난감이다. 
‘띵찰’(명찰)이라는 말장난 같은 제목의 이 책은 주재환과 김광우가 수년간 제작한 수백 장의 
명찰 작품과 그에 대한 대화, AI와의 실험적 협업까지 담아냈다. 
관광용 명찰이라는 진부한 일상의 오브제가 어쩌다 예술이 되었을까? 
작가들은 작품을 통해 익숙한 사물의 낯선 표정과 사회의 허위와 역설, 권력과 규범의 틈을 짚어냈다. 
명찰 위에 적힌 짧은 문장과 소박한 이미지는 삶의 무게를 살짝 비틀어 웃게 하면서도 동시에 
깊은 질문을 던진다. 이 책은 우리가 작품이라 부르지 않았던 것들에 예술의 시선을 돌리고, 
진지함과 농담 사이를 넘나드는 자유로운 모험이다.

AI와 인간이 함께 쓰는 새로운 예술 해석의 장

『띵찰』은 두 예술가의 명찰 작품을 중심으로 한 실험적 예술서인 동시에, ‘AI 비평’이라는 
독특한 시도를 담았다. 
ChatGPT가 작품을 해설하고 기획자 이지혜가 이를 섬세하게 조율하면서 인간과 AI가 협업하는 
창작과 해석의 경계가 모호해지는 순간을 포착했다. 
작품을 직접 감상한 큐레이터와 AI의 언어가 맞물리며 생겨난 이 대화는 단순한 기능적 활용을 넘어, 
창작과 해석의 경계를 질문한다. 
기획자 이지혜는 AI의 문장을 “너무 AI스럽다”고 비판하면서도 그 안에 숨어 있는 새로운 해석의 
가능성에 주목했다. 이는 AI가 단순히 도구를 넘어 창작의 동반자로 자리할 수 있음을 보여준다.
『띵찰』은 독자에게 한 가지 정답을 제시하지 않는다. AI와 인간, 감성과 지성, 기술과 전통이 
뒤섞인 다층적 언어와 감정의 풍경을 펼쳐 보인다. 이 책은 예술을 해석하는 관람자와 창작자, 
인간과 기계 사이의 관계를 재정립하며 앞으로 예술이 나아갈 새로운 방향에 대한 질문을 던진다.

전통 회화부터 담배갑, 막걸리병까지
일상과 역사, 예술과 감각의 경계를 넘나들다


이 책은 일상의 사소한 사물과 역사적 기록들을 종횡무진 넘나들며, 독자들에게 익숙한 것들의 
낯선 면모를 발견하게 한다. 유머와 해학이 가미된 시니컬한 비틀기부터 철학적 사유에 이르기까지, 
두 작가는 다양한 층위의 감각과 생각을 자유롭게 넘나든다.
어떤 작품은 “왜 마음은 %가 없을까?” 같은 언어유희로 우리 내면의 불완전함을 은근히 드러내고, 
또 어떤 작품은 정치적 통제와 감각의 탈주를 상상하며 현실과 이상 사이의 긴장을 조명한다. 
이들의 질문은 단순한 풍자를 넘어서, 사회와 예술, 규범과 상상력 사이에 존재하는 미묘한 
균열들을 예민하게 포착하는 사유의 흔적이다.
더불어 두 작가의 작업은 전통적 재현이나 형식미에 머무르지 않고, ‘보는 감각’이 고정된 것이 
아니라 끊임없이 재구성되고 재해석되는 과정임을 보여준다. 
전통적 재현의 틀을 벗어나, 예술 경험의 주체가 전문가에서 관객으로 확장되는 새로운 시선을 제안한다. 
『띵찰』은 “예술은 전문가의 평가로 완성되는가, 아니면 보는 이의 마음과 언어로 다시 쓰이는가?”
라는 근본적인 질문을 던지며, 감상자 개개인의 ‘보는 감각’에 대한 성찰을 촉구한다. 
현대 사회에서 예술과 감각의 경계를 다시 생각하고 싶은 모든 이들에게 깊은 울림을 전할 것이다.

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