French Toast Drawing (1996-9)

 

dimension; A4 and variable.

Drawing with ball pen, magic marker, blue ink.

The drawing is depicting an actual sculpture “French Toast Sculpture”, which is subject to the liquid of milk and wine. 

Related to Hotel paper drawings, 2009

Disquiet Tectonica / Tectonic Disquieta 불안한 구조/구조적인 불안 (2002-2004)

 

An audio-visual video installation.

 A collective : Nico Dockx, Douglas Park, Kris Delacourt, Michelle Naismith.

Exhibitions: The work was chosen by Hans Ulrich Obrist to be featured in the Utopia Stations section of the 50th Venice Biennale (2003). It was later remixed and screened in Naples, Italy, by invitation of curator Francesco Bonami in 2004.

Invitation, Disquiet Tectonica / Tectonic Disquieta
collective exhibition, audio-video-text-architecture installation

Douglas Park, Kris Delacourt, Nico Dockx & Michelle Naismith
Richard Foncke Galerie, Ghent, 2002 

Disquiet Tectonica, DVD,

 (A collaborative research project on new audiovisual writing and uncanny architecture)

all images constructed and edited by Michelle Naismith 

all sounds edited and /or generated by Nico Dockx and Kris Delacourt

recoreded at spoutnik studio / ERBAN Ecole Regionale des Beaux-Arts de Nantes

text and voice by Douglas Park

Nantes 2002, Curious, Antwerp, 2002

Video Stills 

불안한 구조/구조적인 불안(Disquiet Tectonica / Tectonic Disquieta)

감독 : 미셸 나이스미스, 니코 독스, 크리스 델라쿠르, 더글라스 파크

제작 : 2002 | 14:29 Min. | Digital | Color

미셸 나이스미스의 영상과 스틸 이미지, 니코 독스, 크리스 델라쿠르의 음악, 그리고 더글러스의 파크의 텍스트와 음성이 어우러진 시청각적인 텍스트와 기묘한 건축에 대한 공동 연구 프로젝트이며, 벨기에의 리처드 퐁케 갤러리 전시에서 처음 발표된 작품

2004 (summer): screening of ‘Disquiet Tectonica remix’: video installation, in collaboration with Kris Delacourt, Michelle Naismith & Douglas Park, Naples, Italy, invitation through Francesco Bonami.

White Stag 흰 숫사슴 (2001)

 

Infrared video to DigiBeta 3 min, Diorama: 38cm x 48cm x 14 cm, various materials, drawing, 76.5cm x 69 cm, graphite on paper.

A richly nuanced work developed out of Ovid's poem, The Metamorphosis, specifically the story of Diana and Actaeon, a long standing subject from Titian and Rembrandt onwards. As with Aerial Waller's work, the mythological past is not represented in opulence, but within the brutalist architecture of a London open air swimming pool, a photorealist graphite drawing from a photocopy and a miniature tableau of a grape twig, cigarette stubs and novelty lighter.    

A relationship is drawn between the three elements of the work through metamorphosis, from the 2D drawing, to the 3D tableau, to the 4D video. Each element has a strong narrative drive centred around recognition, mimicry and hope in the face of adversity. The drawing depicts a deer with a fallen antler, gazing upon a tree within a bleak landscape. The narrative suggests that the deer has recognised a similarity between the tree branch and his own fallen antler. It then becomes clear that this is not a deer, but a model of a deer faced towards a grape twig and cigarette stub. Initial understanding of both the scale and the nature of the subject are thrown into disarray, yet the landscape retains its initial romanticism. The three dimensional tableau brings the work back into a brutal realism, torn away from the fictional depiction that drawing can adopt, it is absolutely clear that this is a novelty lighter, a twig and a wooden board. 

Within the video work Aerial Waller finds a celebration of tiny moments of joy and fortitude, in the face of adversity; as exemplified by the central swimming scene, where a figure battles against both the cold and his poor swimming technique, yet continues to keep afloat on his journey across the frame. The video is shot on infra red equipment in daylight, an act of undoing an extra-human perception, a levelling of the technology in parallel to the curse Diana imposes on her voyeur, Actaeon.  

The nuance of the piece leads towards ideas of co-operativity and choice of entering into new trajectories of thought; to move from dependable modernity into the semi assigned space of the rural parkland, the deer park. It presents the battle of the soul away from sweet sadness towards the thrill and hope of entering new territory.  

Two figures, Diana and Daggers, meet at the brutalist swimming pool and discuss moving outside into the parkland, inhabited by deer. Daggers asks Diana "is this yours?" referring to an unidentified object. Daggers asks if they need permission to exit the designated area, Diana responds that permission is not necessary. In the finale Diana says to Douglas, "come on lets get to it!" and they recede into the suburban distance, across the concrete slabs, away from the parkland.

Cast: Douglas Park, Diana Stone

Exhibitions:
Traversées, Muse d'Art Moderne de la Ville de Paris,France, 2002
This place you see has no size at all, Kadist Foundation, Paris, France, 2009
The Cassiopeia Plan, Wysing Art Centre, Cambridge, UK, 2010

http://www.markaerialwaller.com/whitestag.html

Mark Aerial Waller, 2001

Infrared video to DigiBeta, 3 min.

Featuring Douglas Park and Diana Stone

Aerial Films, London

White Stag은 프랑스의 음악가이자 영화감독인 Dominique Pettigand의‘l'Amorce des Consignes'와 ‘1/79', 두 사운드 작품에 대한 응답으로 진행된다. 

영화는 황량한 노천 수영장의 범위 내로 설정되었고, 더글러스 파크가 연기하는 인물이 수영장의 

경계를 넘어 미지의 영역을 준비하는 모습을 담는다.

MARK AERIAL WALLER

Born in High Wycombe, UK in 1969       
Lives and works in London

MARK AERIAL WALLER is an artist working in video, sculpture, drawing and event based practices, based in London. He produces interdisciplinary, cinematic time travelogues that refute any predictable balance between our romance for the ancient past and our fetish for a streamlined future. Waller defies conventional screening formats, integrating sculptural objects and live performances for an experience of cinema defined in spatial and situational terms. He is also the founder of The Wayward Canon, a platform for event-based interventions in cinematic practices.

치밀한 용기 치열한 난초 (1994)

Ansan
June 2011

정서영 Chung Seoyoung, 치밀한 용기 치열한 난초, 1994

Watercolor on paper, 27,5x22cm

shown @ 정서영 개인전

금호갤러리, Seoul

1995.10. 24 - 11. 1

The embittered search for the explanatory in the early post-observation-description era

The embittered search for the explanatory in the early post-observation-description era

Jeff Gabel solo show  

Spencer Brownstone Gallery, New York

January 24 - March 7, 2025

One Day At A Time blogger who won’t post or respond to comments unless he’s totally baked, preparing to enter a discussion with a commenter who’s deconstructing the selection of clips in sitcom intros with engaged physical activity as intuitive relief from the more static scenes used for character portraiture and focused comic facial expressions as reactions to mishaps, noting that 2 common activity clip types are: a family’s buoyant informal sports reveling in the yard or at some public field, and one or two characters performing an ostensibly humorous dance, noting that he prefers the latter, if for no other discernable reason than that the dance clips, unlike the family sports scenes, are more candid; they’re grabbed from episodes rather than filmed with only the intros in mind like petty ads, and noting that One Day At A Time is a particularly successful example, with 2 dance clips in one intro, Julie’s and then a bit later Schneider’s which coincides with the intro songs’ animated bridge – before closing with an aside that for the record the Hogan Family intro starts with a family sports frolic but also includes a 2-character dance clip near the end.

Spencer Brownstone Gallery is pleased to present The embittered search for the explanatory in the early post-observation-description era, a solo exhibition by Brooklyn based artist Jeff Gabel.

Working primarily in graphite, Gabel renders both real and imaginary figures caught in the comedy of everyday existence: the routine embarrassments of daily life, merciless office encounters, and imagined foibles. His subjects emerge not through the careful rendering of their features, but through the captions and stories that accompany each portrait. The lines between figures are blurred, in every sense. It is in the text that Gabel reveals his subjects' unspoken thoughts or surgically precise summations of their personalities. In this eighth exhibition with Spencer Brownstone Gallery, Gabel continues to mine the fertile territory of America’s inner monologues and our desperate but often frivolous search for meaning.

Whereever-whenever suburb, 2024

Graphite on board

12 x 12 in

Spencer Brownstone Gallery | Jeff Gabel

게으른 구름 (1998)

잘 보기 위하여

잘 읽기 위하여

잘 생각하기 위하여

잘 하기 위하여

안경을 쓸 필요가 없다

생각도 그림도 다 아니다

보이는 것도 보이지 않는 것도 아니다

보이지 않는 것도 보이는 것도 이다

보이지 않는 것은 보이는 것은

안에 있는 것도 아니오

밖에 있는 것도 아니오

이쪽도 저쪽도 아니다

그냥 그것이다 그냥 게으른 구름이다

그냥 노닐다가

그냥 모습, 그냥 색깔, 그냥 소리

 (김순기 게으른 구름(1998))

김순기 "강승완이 나를 발견했다" 국립현대미술관 회고전

【서울=뉴시스】박현주 미술전문기자

29일 김순기 작가가 국립현대미술관 서울관에 선보인 미디어아트 작품앞에서 시연하고 있다. 작품앞에 서면 코스닥 나스닥등 주식 관련 문자가 온 몸에 달라붙는 것 같은…................

국립현대미술관 과천 연못앞에서 붕어를 보고 있을때 였다. "웬일이세요? 놀러오셨어요?" 대학 은사 김윤수 교수도 반색했다. "미술관에 무슨일로 왔냐"고 묻는 은사에게 "큐레이터 강 뭐시기를 만나러 왔는데 이름이 생각이 안난다"고 하자, 은사가 "아, 강승완 큐레이터"라고 했고 그제서야 전화속에서 말하던 그 이름이 떠올랐다. 나중에 알고보니 그 은사(김윤수)는 미술관 관장이었다. 2000년대 초반 프랑스 파리에서 잠깐 서울에 온 그는 국내 미술계를 잘 몰랐다. 그 해 아트선재센터에서 '주식거래 II'로 개인전을 열기도 했지만 서울을 오래 떠나 있었다.(서울대 서양화과를 졸업하고 1971년 프랑스 정부 초대로 파리 니스로 도불한 후 그 곳에서 38년간 교수로 활동했다.) 서울에 온 건 집안이 풍비박산 나던 시기였다. 집안 가구에 빨간 딱지가 붙어있고 빚독촉 전화가 이어졌다. 그 전화를 피하던 어느 날 받은 전화는 '구원'이었다. "국립현대미술관 강승완 큐레이터인데 작품을 구입하겠다"는 전화였다. '주식거래' 작품이 미술관에 소장되면서 덕분에 빚을 조금 갚았고, 강승완 큐레이터와 우연한 인연이 이어졌다.
김순기는 서울대학교 미술대학 서양화과를 졸업하고, 1971년 프랑스 정부 초대로 파리 니스로 도불했다. 어린시절부터 현대미술의 중심지인 파리로 가겠다고 키웠던 꿈이 이루어진 때다.1986년 우연히 미국 전위 음악가 존 케이지(1912~1992)를 만나면서 예술 활동이 업그레이드 됐다. 인위적인 행위를 최대한 지양하는 김순기의 작업과 자연 그대로의 소리에 귀를 열게 했던 존 케이지의 예술관이 깊이 공명하면서 비디오와 멀티미디어의 세계를 확장했다. 존 케이지의 소개로 뉴욕에 살던 미디어 아티스트 백남준을 만나 같이 활동하기도 했다. 이 때문에 비디오아트를 하는 백남준 영향을 받은 것 아니냐고 하지만, 김순기는 강력하게 저항한다. "백남준때문에 비디오를 한 것이 아니라는 것"이다. 이미 1971년부터 프랑스 니스와 모나코에서 관객과 실시간 연결되는 비디오와 퍼포먼스 작품을 해왔고, 그런 작업이 이어져 1983년 파리에서 백남준과 퍼포먼스를 펼쳤다. 김순기는 "백남준의 '비디오는 비빔밥', '비디오는 색동'이라는 말을 백남준과 대담하면서 한 말"이라면서 '여자 백남준'이라는 시선을 거부했다.실제로 그를 비디오 아티스트로만 규정하기는 쉽지 않다.
3년전, 강승완 국립현대미술관 학예실장이 유럽 출장중 김순기 작업실을 찾았다. 파리 시골 농가를 개조한 작업실이었다. 강승완 실장은 "그때 미디어 회화 드로잉등이 모두 따로 분류된 4~5곳 작업실 공간에서 놀라운 경험을 했다"고 했다. "20여년간 알아왔는데 못 본 작품이 너무 많았고, 꼭 미술관에서 제대로 보여줘야겠다"고 다짐했다. "그동안 알고 있었던 건 빙산의 일각이다. 한국에서 제대로 전시를 해야겠다는 확신이 들었다." 그렇게 창고를 뒤져 모든 작품을 정리해 2년간 준비를 마쳤다.
재불 작가 김순기(73) 회고전같은 개인전이 국립현대미술관 서울에서 31일 개막한다. 29일 미술관에서 만난 김순기 작가는 "성격도 다르고 다양한 작품을 전시하기 위해 미술관 학예팀이 고생 많이 했다"며 전시 소감을 대신했다. 실제로 6전시실, 7전시실은 다채롭고 수많은 작품들로 어지러울 정도다. 1998년 쓴 시(時) '게으른 구름'을 타이틀로 영상, 설치, 드로잉, 회화, 로봇까지 총 200점이 전시됐다. '김순기 게으른 구름'을 작가가 직접 쓴 붓 글씨를 세로로 크게 써 전시장 문 앞에 달았다. 길쭉하고 날카로운 글자는 작가의 모습과 꼭 닮았다. 국내 화가라면, 작가라는 타이틀이 붙었다면 국립현대미술관에서 개인전은 최고의 영예다. 단색화 거장 박서보(88)화백도 지난 5월 국립현대미술관에서 생애 첫 개인전을 열고 감개무량했다. 이런측면에서 '김순기 개인전'은 이례적이다. 파리에서 작업하며 활동한 탓에 국내에는 유명세가 없는 작가이자, 그동안 해외 유명 작가 전시를 해오던 미술관의 파격 대우로 보인다. 김순기는 "강승완이 나를 발견했다"고 말했다. 강승완 실장은 "국립현대미술관은 작가들을 통해 미술사를 정립하는데 의미가 있다"면서 "국내 미술사에서 구멍이 나 있는 부분, 그것을 제대로 메우는 역할을 한다. 특히 여성작가들에 대한 연구가 안되어 있다. 한국미술사를 정립하는데 김순기가 필요했다"고 전시 배경을 설명했다. 그러면서 "50년동안 외지에 계셨지만 한국적인 철학이나 생각이 항상 있었다. 김순기의 작품 세계를 통해 여성 설치미술 비디오아트작가로서 추구해온 한국미술을 새롭게 볼 수 있을 것"이라고 소개했다. 김순기 작가는 "작업실에 박혀있던 스케치와 드로잉을 전시장에 펼쳐놓고 보니 어릴때부터 동양사상에 취해온 흐름이 보여 나도 몰랐던 인식을 할수 있어 새롭다"고 했다. 다양한 장르의 작품은 "하나를 잘하는 것을 반복하기 보다 잘 모르는 것, 새로운 것을 해보고 싶다"는 도전 의식이 작용했다.

 이수정 학예연구사는 "1980년대부터 파리 교외 비엘 메종(Viels-maisons)의 농가를 개조한 작업실에 거주하면서 동·서양의 철학, 시간과 공간 개념에 관한 탐구를 바탕으로 영상, 설치, 드로잉, 회화 등 다양한 매체를 통해 정형화될 수 없는 예술과 삶의 관계를 고찰해왔다"면서 "프랑스에 살았지만 동양의 전통을 살리고 있는 작가로 평소 작업을 하지 않는 순간이 없을 정도로 예술을 삶에서 녹아내는 작가의 작업을 통해 예술이 매일 각자의 순간을 풍요롭게 만는 삶의 일부임을 보여준다"고 설명했다.우연히 만난 큐레이터와의 인연의 고리는 김순기 작업세계와도 맞닿아있다. '도는 똥과 오줌속에도 있다'는 글귀를 써 전시한 그의 작품은 ‘작위’를 지양한다. '게으른 구름'의 시 처럼 '그냥 그것', 사물과 풍경의 원래 모습을 담으려고 했다. 돌멩이에 글씨를 쓰고, 화선지에 붓으로 삐뚤빼툴 쓴 '바보 서예'도 선보인다. 전혀 쓸모없는 것처럼 보이는 '무용'이야말로 정말로 '유용'하다는 장자 철학이 엿보인다. 전시는 2020년 1월 27일까지.한편 오는 9월 8일 전시마당에서 무당 김미화, 로봇 영희와 함께 신작 사운드 퍼포먼스를 진행된다. 2019년 현재의 시간과 공간을 고찰한 신작 퍼포먼스 '시간과 공간 2019'를 선보인다. 입력된 명령만 수행하는 로봇과 초자연적인 존재로서 무당이 등장해 게으르고 심심해하는 로봇 ‘영희’가 시를 읊고 무당 김미화의 굿하는 소리, 전시 마당 내 설치된 다양한 기구들이 내는 소리가 서울관을 점령할 예정이다.https://www.msn.com/2019 Seoul

aitho, The burnt face, 2025

 Clay, glaze, oil paint

Never mind island

2011_0917 ▶ 2011_1030 

임시호_radical prescription展_[413]_2011

1부 / 2011_0917 ▶ 2011_10152부 / 2011_1016 ▶ 2011_1030

기획 / Artist run space 413

서울 영등포구 문래동 4가 31-48번지41-3.com

"나는 수영을 못하고 물을 무서워한다. 도시에서 평생을 살아온 나는 잠깐 휴식을 취할 수 있는 자연은 좋지만 벌레가 가득한 자연은 싫다. 여행을 간다면 더운물도 나올 수 있는 시설이 있는 곳이면 좋겠다. 하지만 Never mind은 말 그대로 도시인의 바램 따위에도 never mind였다. 

● ... 카누에 누워 조용히 물결치는 파도를 바라본다. '카누가 뒤집히기라도 한다면..' 이란 생각에 온 몸이 얼어붙어 꼼작하지 못한다. 이런 내 몸을 휘감고 있는 나의 긴장과 달리 물결은 하염없이 햇빛에 반짝인다. 얼마나 시간이 지났을까. 서서히 극도의 긴장감과 공포, 극도의 평화로움 사이에 어쩔 줄 몰라하는 나의 몸이 존재함을 느낀다." (작가노트) 

● 기획전시 'Never mind island'는 임시호 작가가 어느 섬에서의 기억을 413 공간 안에 끝을 가늠하기 힘든 크기의 캔버스 천을 설치하고서 한 달여 동안 한 가지 표현 방식에 얽매이지 않고 자유롭게 그림을 그려나가는 과정과 그를 통한 결과물을 관객과 공유하는 전시이다. 

● Never mind는 어느 작은 섬 안의 마을 이름인데, 그녀는 이 마을의 이름을 따 'Never mind'란 섬을 탄생시켰다. 과거 그녀가 한시적으로 체류한 섬은 정글을 가로 질러야 ATM기계를 찾을 수 있고 화장실에서는 뱀이 튀어 나오는 문명과 다소 거리를 두고 있는 곳이었다. 이 곳에서 그녀는 자연에 대한 경이로움보다는 두려움을, 치유보다는 거리감을 먼저 느꼈다. 그녀는 이를 문명사회 안에서 살면서 잊혀지고 퇴화된 어떤 감각들 때문일 것이라 생각한다. 시간이 지날수록 퇴화된 감각이 살아나는 듯한 느낌을 받았고, 자연의 경이로움과 두려움사이에서 충만해지는 감각, 예상치 못한 또 다른 감각들을 발견하였다. 이 전시에서 그녀는 퇴화된 감각과 발달된 감각은 무엇이며, 이러한 감각들이 살아가는 데 어떠한 의미를 갖는지에 대해 생각하며 그 감각들에 대한 기억을 중심으로 그림을 그려 나간다. 

● 섬을 그려나가는 방법에 있어서 그녀는 일종의 실험을 한다. 이것은 섬을 그리는 일에서 확대되어 작가 스스로 그림을 그리며 고민하고 갈등했던 문제들에 대한 실험이 되기도 한다. 

● 임시호 작가는 어느 날 자신의 그림 그리기 방식이 여러 가지로 산재되어 있다는 걸 발견하였다. 작가는 자신의 다양한 직업, 작업 공간, 환경에 따라 변화해왔던 그림 그리는 방식에서 탈피하고자 한 가지 방식을 정하여 그리기로 결심하였지만, 그녀의 결심은 오히려 자유로웠던 그녀와 그림과의 영역을 침해하는 결과를 낳았다. 자유로움을 침해받지 않으면서도 상황에 맞추어 그려진 그림이 아닌 그녀에게 맞는 그림이 무엇인지 그 방법을 찾고 있던 중 그녀는 413과 만났다.

One canvas painting. 

● [413] 공간 안에서 그녀는 이 모든 것들을 펼쳐놓고 확인하고 질문할 수 있는 Never mind island라는 실험의 장을 펼친다. 설치된 하나의 천은 그림의 크기, 화면 안 조형성이 작가 스스로에게 주는 강박과 제약에서 벗어날 수 있는 거대한 테이다. 약 한달 여 동안 작가는 제약에서 벗어나 보고 마음껏 실험해 볼 수 있는 과정과 가능성의 장 속으로 들어간다. 그림을 그리는 동안, 흩어져 있던 그녀의 그림들에 대해 '하나의 방식을 정하겠다.' 라고 생각한 그 생각 자체에서 탈피한다. 그녀는 어떤 방식이 그녀의 자유로움을 침해하지 않으면서 표현에 적절한 것인지를 의식이 아닌 무의식에게 질문하며 Never mind island를 그려간다. 무엇이 그녀를 그림을 그리는 순간에 집중되고 희열을 가져다주는지 그녀와 관객들 모두가 찾아가는 여정이 될 것이다. 

● 작가는 이렇게 그려진 'Never mind island'의 전체 화면 중 부분을 하나의 그림으로 선택할 것을 관객들에게 제안한다. 이 제안은 전시장에 설치된 폴라로이드 카메라로 관객들이 전체 중 부분을 찍는 것으로 이루어지며 사진은 전시장 한편에 설치된다. 같은 사건이라도 저마다 다르게 기억하듯이, 그녀의 기억이 보는 이의 시각에 의해 어떻게 남는지 그 과정까지도 알아보려는 것이다.

전시는 1부와 2부로 나뉘어져 있다. 1부에서는 작가가 작업하는 과정 그 모습 자체를 보여주는 것이다. 전시 공간 입구에서는 작가의 작업하는 환경을 계속해서 상영한다. 이것은 작가와 관객사이 일종의 거리 둔 퍼포먼스와도 같다. 관객은 월요일을 제외한 매일, 작업하는 모습을 전시장 밖 CCTV를 통해 볼 수 있다. 카메라는 작가가 작업하는 데 영향을 미치지 않는 범위 내에서 약속한 시간에만 작동되며 한정된 시야를 제공한다. 

● 2부에서는 작가가 그려낸 'Never mind island'를 전시로 공개한다. 그녀가 보낸 한 달 여 동안의 시간을 공개하고 그 결과물을 공유한다. 관객은 전시장에 놓인 폴라로이드 카메라로 전체 그림 중 일부를 선택하여 한 장의 사진을 찍어 남겨 달라는 그녀의 제안을 받는다. 남겨진 사진은 전시장 한편에 설치되며 또 다른 'Never mind island'로 구성된다. ■ 김꽃_임시호

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